Leyendo cuadros. Mirando historias


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Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
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Documentos de introducción
 Introducción de Javier Martín 
 Introducción de Ana Álvarez 
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Ars Citerior

Fundación Rac. Marcos Covelo

 

fundacion Rac. Marcos Covelo

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Miguel Galano. París / Madrid / Lisboa


Miguel Galano. París/Madrid/Lisboa


 

El Instituto Cervantes presenta ahora una exposición de Galano centrada en su relación con tres de las ciudades que han retenido su atención como pintor: Madrid —donde realizó sus estudios de Bellas Artes—, Lisboa –que fue la primera ciudad extranjera que pisó, en la época en que por razones de trabajo residía en Extremadura—, y la propia capital francesa, que tardó más de la cuenta en visitar, aunque aquí venga a cuento el refrán «Nunca es tarde cuando la dicha es buena». Exposición comisariada por Enrique Andrés Ruiz, que además de una de las grandes voces de nuestra poesía, es uno de nuestros críticos de arte más lúcidos. Exposición que se verá en nuestros centros de París y Lisboa, y en Setúbal. En el caso de Portugal, en el marco de la ya muy consolidada Mostra Espanha, impulsada por nuestra Secretaría de Estado de Cultura.

Juan Manuel Bonet: "Miguel Galano. Peatón de las ciudades"


Joao de Deus no Jardim da Estrela. 2016
Óleo sobre lienzo, 35 x 27 cm.


En las casas pintadas por Miguel Galano y a diferencia de las muchas casas que han pintado otros pintores amigos y coetáneos (más bien deshabitadas o como escenarios teatrales o maquetas de casas), soñamos que hay gente, personas que van con sus horas a cuestas. Las casas —como las calles y las plazas o plazuelas— de Miguel Galano no son, diríamos, objetos, cuerpos más o menos geométricos en el espacio del cuadro con los que componer agradecidamente una pintura que, en realidad, sería abstracta, sino ámbitos, espacios llenos de tiempo, con las huellas y los restos que el tiempo va acumulando sobre los rincones, las pequeñas repisas, los estantes, las mesitas, los armarios y los dinteles de las puertas que conducen a cuartos en penumbra, adonde, quizá fugazmente, el sol de la mañana llega como por milagro algunos días, para sorpresa de las cosas quietas que hay por allí medio dormidas.

Enrique Andrés Ruiz: " El Norte universal"

 

Fado na Mouraria. 2016
Óleo sobre lienzo, 55 x 41 cm.

 

Cimetière du Père-Lachaise. 2017
  Óleo sobre lienzo, 38 x 34 cm.

Imagenes cortesia del artista


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Albano. Los Heraldos Verdes

Exposición desde el  8 de junio de 2017

UBS Europe SE. Sucursal en España

C/ María de Molina, 4.  Madrid

 

 

albano. los heraldos verdes.

 

Nota de sala

El espacio madrileño de UBS Europe SE acoge “Los heraldos verdes”, exposición del artista abulense Albano (n. 1988) que anticipa el aroma de sus próximos proyectos. La muestra se inaugura tras las estancias de Albano en Miami y Eslovenia, permitiéndonos viajar por cada cuadro hacia los lugares de la memoria pictórica. “Son pinturas que se retroalimentan, muy personales, a veces rozan lo íntimo.” Afirma el artista.

En la exposición, compuesta por obras de gran formato, se desarrolla un discurso metapictórico donde los residuos que genera el proceso de creación de una imagen son reutilizados para componer otra diferente. Tonalidades cítricas, predominadas por el verde característico del autor, contrastan con lienzos matizados de infinitos blancos donde la geometría y lo orgánico se abrazan en un lenguaje propio que evidencia el latido de un pintor sólido en su oficio.

Las imágenes creadas están, ante todo, alejadas de toda etiqueta convencional y clasificatoria. Únicamente los elementos referenciales que se ordenan en el plano pictórico nos alertan de un mundo conocido y medido por el hombre, así encontramos cartas de color, paletas, cuadrículas, dameros, cruces de ajuste, notas, mediciones… “Consiste en utilizar y reutilizar la pintura, en entender nuestro hábitat como desierto donde convivimos irremediablemente con los elementos que nos ha dejado el pasado”. Las obras presentadas forman parte de la serie ATLAS, un conjunto de pinturas elaboradas con diferentes técnicas: óleo, spray, acrílico, tintas, esmalte y grafito. Todas bidimensionales, si bien la materia en algunos lienzos es empleada con generosidad y produce suculentos empastes donde penetra la mirada del espectador.

 

albano. los heraldos verdes. Viena. coleccion ars citerior

Atlas 1630. Viena. 2016

Técnica mixta sobre lienzo. 146 x 195 cm.

 

 Albano (Ávila 1988), actualmente tiene su taller en los Thrifts Walk Studios de Cambridge, donde reside. Sus obras están presentes en prestigiosas colecciones internacionales como BMW, Fundación Ankaria, Fundación Valparaíso, Fundaçao António Prates, Cortes de Castilla y León o Fundaçao José Saramago; fruto de exposiciones individuales en España, Portugal y Uruguay. En su currículum se mencionan más de 50 premios, entre ellos el premio BMW 2012 o el Obra Abierta 2015. Continúa viajando y aprendiendo, en el presente año ha participado en el proyecto Art Circle / Art Embassies de Eslovenia y disfrutado de una residencia en Miami junto al artista Ignacio Iturria.


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Inauguració Exposicions: Ynglada-Guillot i Patrim'16


Espai-Volart-Fundación-Vila-Casas


LV Concurs Internacional de Dibuix Ynglada-Guillot

L'acte serà presidit per Antoni Vila Casas, president de la Fundació Vila Casas i Joan Antoni Solans, president de la Fundació Ynglada-Guillot.

Dijous, 8 de juny de 2017 a les 12.00 h (Ausiàs Marc, 22)

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Patrim'16
Adquisicions d'art de la Universitat de Barcelona Facultat de Belles Arts.

Dijous, 8 de juny de 2017 a les 19.30 h (Ausiàs Marc, 22)


Les exposicions romandran obertes al públic fins el dia 25 de juny de 2017

 

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Rafael Canogar. Los Lenguajes de la Pintura


rafael canogar. los lenguajes de la pintura



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Alberto Fabra. Exposición Retrospectiva

 

alberto Fabra. fundacion Valvi

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Conciencia perceptiva. Arte concreto español en la Colección Escolano

Museo Provincial de Teruel

Del  21 de abril al 28 de mayo de 2017

Comisario: Alejandro J. Ratia

Colaboran: Gobierno de Aragón y  Museo de Teruel .

Exposición realizada principalmente con los fondos de la Colección Román Escolano y aportaciones puntuales procedentes de las colecciones del Gobierno de Aragón (legado de Pablo Serrano y de la colección Circa XX).


Abel Martín. Metempsicosis.

Abel Martín. Metempsicosis. 1968.
Serigrafía.


Según nota del Museo de Teruel los "Puntos fuertes de la muestra son la carpeta “Alhambra” de Eusebio Sempere, y “Sobre el Cuadrado” de Yturralde. Uno de los protagonistas de la muestra es el artista y serígrafo turolense Abel Martín (Mosqueruela, Teruel, 1931-Madrid, 1993), escultor, pintor y serígrafo, cuyo buen hacer está detrás de alguna de estas carpetas, y del que se presenta también una carpeta propia".

La relación de artistas: Andreu Alfaro, Elena Asins, Waldo Balart, Manuel Barbadillo, José Luis Gómez Perales, José María Labra, Abel Martín, Luis Muro, Pablo Palazuelo, Julio Plaza, Gerardo Rueda, Enrique Salamanca, Eusebio Sempere, Francisco Sobrino, Gustavo Torner, Salvador Victoria, José María Yturralde, Yves Zimmerman.


 

Abel Martín

Abel Martín. c. 1960-1965


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Cristina Gamón. Pinturas Inestables

Queremos presentarles el video de la exposición Pinturas Inestables de Cristina Gamón, en la galería durante los meses de Abril y Mayo.


Cristina Gamón

(imagen cortesia galería Lucía Mendoza)


"La aspiración de mi pensamiento visual es dotar a la obra de un sentimiento de eterno retorno.   Comencé a trabajar sobre materiales plásticos transparentes como metáfora de seducción entre esencia y apariencia. El plástico, material icónico de la actualidad, me permite mantener una mirada constante hacia el pasado sin perder la relación con el presente. 
 
El atractivo acabado pulido del plástico se encuentra con la vibración de colores brillantes en una pintura onírica, de atmósferas acuáticas y sugerentes, como si se dejaran llevar por el movimiento, evocando una sensualidad huidiza. Una poética de sentimientos polares donde la frialdad de un material con olor a nuevo, absorbe toda la esencia de la tradición pictórica que nos trasporta hacia una riqueza contemplativa propia de lo sublime.  
 
Cuando la mirada a la Tradición se diluye en filosofías sobre la alienación de un presente ajeno, la abstracción se presenta como la forma más pura de apelar a la emoción en la pintura. 
 
Trabajo la pintura abstracta por su relación contemplativa. Me interesa captar la atención del espectador, aturdido por la incómoda ausencia de referentes reconocibles bajo grandes formatos. La pintura como medio en sí, es materia, es color, es forma, es emoción. Esta última, y no menos importante, implica la acción del artista. La intención-emoción o gesto. De manera que el gesto en la pintura representa su reducción más sintética. Porque en él se contiene la esencia de todo lo que la pintura es. El gesto, marca la intensidad de una emoción en el color elegido, su extensión y morfología, la cantidad de cuerpo y saturación que contiene la materia y su energía. Es siempre el gesto quién, a lo largo de la historia ha da paso a la acción que materializa el pensamiento plástico, desde la impronta de huellas de manos esgrafiadas en la primera pintura rupestre.  
 
El uso del color en mi práctica artística es de tendencia atmosférica, con formas orgánicas que se diluyen sobre la transparencia del plástico evocando una sensualidad huidiza,  generando el clima adecuado para conectar con un estado de pensamiento onírico o subconsciente.  
 
El proyecto reciente se aleja de los estudios del color -Seriación Infinita-  y recupera el interés por la transparencia del plástico. Explora la metáfora cuadro-ventana hasta desvelar  cómo la estructura interna del cuadro participa de un orden poético dentro del caos (re)presentado en la pintura. Al mismo tiempo, un cierto nivel de espacialismo en las obras reincide nuevamente sobre la pintura como artificio, llegando literalmente a romper con su ilusionismo mediante huecos en el espacio capaces de dar forma al vacío."

 

Cristina Gamón

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Hugo Fontela. Norte


Galería Marlborough, Barcelona.

Del  20 de abril al 20 de mayo de 2017.

Inauguración jueves 20 de abril a las 19,30h.


Catálogo digital       http://www.hugofontela.es/Catalogo_MBCN_2017.pdf

Nota de Prensa   http://www.hugofontela.es/notasdeprensa/marlborougbarcelonaabril2017.pdf



Hugo Fontela. Norte

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Adiós a Enrique Gómez-Acebo

El pasado domingo 26 de marzo falleció Enrique Gómez-Acebo Muriendas (1940-2017).

 

Enrique Gómez-Acebo

 

Enrique Gómez-Acebo. Cuatro décadas como galerista

Toda una vida dedicada al arte, a mostrar en su galería una parte fundamental de la pintura creada en nuestro país durante más de cuarenta años. En la galería EGAM de la calle Villanueva 29 de Madrid expusieron Fernando Zóbel, Manolo Millares, Eusebio Sempere, Gustavo Torner, Mitsuo Miura, Fernando Almela, Alfredo Alcaín, Gerardo Aparicio, Guillermo Lledó, Eduardo Barco o Miguel Ángel Campano, entre otros.

Sus primeros pasos en el mundo de las galerías fue de la mano de la legendaria Juana Mordó. Cuando Enrique hablaba de ella enlazaba las anécdotas una tras otra. Lástima que nunca llegara a escribirlas. Tal vez su educación y discreción no se lo permitía, pero cuando te invitaba a entrar en su despacho, abría la caja de recuerdos, y diciendo: “no tengáis prisa en iros”, relataba desde la manera en que Juana contaba el dinero hasta como recibió un pequeño Burguillos por parte de la galerista como pago de sus primeros trabajos. También rememoraba su infancia, el jardín de la casa de sus padres y a su progenitor diciéndole a toda su prole que el Día del Padre no quería que le regalasen nada, que ese era un invento del Corte Inglés.

Sus largos años de director en EGAM le enseñaron a adivinar que iba a tener una venta cuando oía la frase mágica: “esta tarde vendré con mi marido a ver este cuadro”. Y a sospechar que la transacción no llegaría a buen fin al escuchar: “esta tarde vendré con mi mujer a ver este cuadro”.

Faltando pocos meses para cerrar oficialmente la galería, en abril de 2014, tuve la posibilidad de realizarle una entrevista, y al leérsela le dije: “Enrique, tus respuestas han sido breves”, a lo que me respondió: “breves no, concisas”.

En noviembre de 2014 pasé a despedirme de Enrique antes del cierre definitivo de EGAM, pues durante los últimos meses colgaba de las paredes los fondos propios de la galería. Como resultado de esta visita me queda: una obra de Guillermo Lledó, una foto juntos, y, especialmente, unas palabras de agradecimiento, tras varios años de relación entre galerista y coleccionista: “Has sido un buen cliente y amigo y solo has apretado donde había que hacerlo”. Aún recuerdo las palabras que pronunció hace casi quince años, cuando fuimos presentados: “¡Un coleccionista…hay que cuidar una especie tan escasa!”.

“Señor Egam”, como algún despistado te llamaba, descansa en paz.

Javier Martín

28 de abril de 2017

Más articulos: Entrevista a Enrique Gómez-Acebo en febrero de 2014.


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MoniKa Buch.

Tras la búsqueda del movimiento: Una valenciana en la HfG de Ulm


Galería Punto , Valencia.

Inauguración 7 de abril de 2017 a las 20h.



Monika Buch.Tras la búsqueda del Movimiento

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 Papers i collages per a Joan Valls

 

Lugar: Llotja de Sant Jordi, Alcoi

Fechas: Del 6 de abril hasta el 28 de mayo de 2017

Inauguración: jueves 6 de abril a las 20h.

Comisario: Javier Martín


papers i collages per a Joan Valls

 

ALBANO  - Aina ALBO - Andreu ALFARO - Elena ALONSO -  Josep ANZO - Elena ASINS - Marlon de AZAMBUJA -  Waldo BALART - Nestor BASTERETXEA - Arcadi BLASCO - Manuel BOIX - Enrique BRINKMANN - José Manuel BROTO - Monika BUCH - Víctor CÁMARA - Rafael CANOGAR - Carlos CARTAXO - Julián CASADO - DIS BERLIN - EQUIP REALITAT - EQUIP CRÓNICA  - Eutiquio ESTIRADO - Francisco FARRERAS  - Robert FERRER i MARTORELL - Tomás GARCÍA ASENSIO - Pep GARRO - Joan GENOVES - José Luis GÓMEZ PERALES - Josep GRAU-GARRIGA - José GUERRERO - Josep GUINOVART - Joan HERNÁNDEZ PIJUAN - José LEGUEY - Guillermo LLEDÓ - Antonio LORENZO - Rafa MACARRÓN - Aurèlia MASSANET - Tomás MENDOZA - Antoni MIRÓ - Joan MIRÓ  - Pedro MUIÑO - Juan OLIVARES - José Miguel PEREÑIGUEZ - Guillermo PÉREZ VILLALTA - Águeda de la PISA - Jaume ROCAMORA - Gerardo RUEDA - Manuel SALINAS - Maya SARAVIA - Josep SOU - Antoni TÀPIES - Joan Josep THARRATS - Lidia TOGA - Gustavo TORNER - Ramón URBÁN - José VENTO - Daniel VERBIS - Salvador VICTORIA - José María YTURRALDE - Fernando ZÓBEL.

 

 

Salvador Victoria. Papers i collages. per a joan valls coleccion Ars Citerior

Salvador Victoria
S.T. Gouache sobre papel, 1961


Waldo-Balart. Papers i collages per a joan valls. coleccion ars citerior comunidad valenciana

Waldo Balart. Desarrollo cromático de CEL: 1,3,4,6,7
Acrílico sobre cartulina. 1989



" Sols hem après la dura noció de saber l'escassesa del bé propi"

(Solo hemos aprendido la dura noción de saber
la escasez del bien propio)

Joan Valls

 

Papeles y Collages


Cuando hablamos de obra sobre papel, la primera imagen que nos suele venir a la mente es la de un dibujo, porque esta manifestación artística ha sido desde hace siglos una de las maneras más utilizadas por el hombre. En el Renacimiento los dibujos sobre papel no se llegaban a considerar como obra, sino como un ejercicio de mano o como un boceto para posteriormente materializar la idea en una gran obra sobre un soporte más “noble”. De este modo la obra sobre papel carecía de un fin en sí mismo y en muchos casos acababa siendo destruida.

Poco a poco la obra sobre papel fue ganando mayor relevancia, pues las nuevas técnicas de pintura utilizadas fueron conviviendo dentro de la misma pieza y se iban complementando, dando nuevas posibilidades pictóricas y una nueva relevancia y proyección a la composición creada sobre el papel.

Con la llegada del siglo XX y ciñéndonos a nuestro país, los pintores españoles llegaron a realizar gran cantidad de obra sobre papel, unos por la importancia que le conceden al dibujo (Luis Fernández, Salvador Dalí, Maruja Mallo), otros debido a la simple escasez de medios, como fue el caso de Julio González, quien utilizó dicho soporte para dibujar con grafito numerosos retratos de campesinas o de su compañera Marie Therese.

De la mano de Eusebio Sempere y Abel Martín llegó a España, a finales de la década de los cincuenta del siglo pasado, el método serigráfico. La obra seriada sobre papel interesó a muchos pintores y ayudó a difundir el arte contemporáneo en nuestra sociedad. La serigrafía fue el principio de muchas de las colecciones, que luego derivaron hacia la pieza única. Como dijo Fernando Zóbel, ”Una colección puede comenzar con un  grabado de Durero, y con el tiempo ir adquiriendo algún dibujo y así sucesivamente. Se trata de un proceso de aprendizaje”.

Sempere y Martín aprendieron la técnica serigráfica en los talleres del artista Wilfredo Arcay, en el París de los años cincuenta. El estampador cubano innovó la divulgación del arte con esta técnica, de origen americano y desconocida en Europa. Para Arcay, la serigrafía no era una reproducción de obra “sino una forma de reinventar junto al artista una obra en estampa que permita cambiar tamaño, color o soporte”. Durante el aprendizaje de esta técnica, Abel Martín ya realizó obras para artistas de la talla de Mortensen, Herbin, Vasarely o el arquitecto francés André Bloc.

En 1958, tras su vuelta definitiva a España, Martín y Sempere realizaron para Lucio Muñoz uno de los primeros trabajos serigráficos. A partir de ese momento y en los años siguientes comenzaron a producir estampaciones para la mayoría de los artistas de la época, muchos de ellos relacionados con el mundo artístico de la ciudad conquense: José Guerrero, Antonio Lorenzo, Manolo Millares, Manuel H. Mompó, Gerardo Rueda, Antonio Saura, Gustavo Torner o Fernando Zóbel. Abel Martín estampó las primeras ediciones para el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca por encargo de Zóbel: la primera fue de César Manrique fechada en 1963, aunque se realizó la serigrafía a principios de 1964.

Ha habido momentos puntuales donde la obra sobre papel, no fue una elección, sino una imposición debido al método utilizado. Hablo de finales de los sesenta en los Seminarios del Centro de Cálculo de la Complutense de Madrid (1968-1970). Los pintores que se acercaron a aquellas primeras computadoras (Manuel Barbadillo, Tomás García Asensio, Gerardo Delgado, José Luis Gómez Perales, Abel Martín, Manolo Quejido,  Eusebio Sempere, Soledad Sevilla, o José María Yturralde entre otros) realizaron sus obras modulares sobre papel plotter, y en algunos casos el resultado obtenido lo pasaron a serigrafías o  litografías.

Con la entrada del siglo XXI, el uso y valoración del papel ha tenido un gran resurgimiento entre los artistas, debido a factores como la facilidad en el manejo y el transporte del mismo, su bajo coste económico y el auge que el dibujo ha tenido en las generaciones más jóvenes como expresión artística en sí misma. En palabras del pintor de Guillermo Pérez Villalta en su libro “Melancólico Rococó”: “El dibujo está hoy en una nueva fase dorada. Parece que la ortodoxia moderna lo salva, quizás porque no es pintura y, si se hace sobre la pared o sobre un papel roto, parece menos clásico. Pero lo que sigue atrayendo del dibujo es esa fragilidad, esa casi nada, esa cosa directa del cerebro a la obra.”

Para hablar del collage tenemos que remontarnos a 1910 cuando Braque introdujo arena y serrín en sus cuadros cubistas, lo que dio lugar al antecesor del papier collé, que vería su primera luz el 13 de septiembre de 1912, cuando encontró en una droguería de Aviñón algunos papeles pintados imitando la madera. Al llegar a casa, en la localidad rosellonesa de Céret, cortó tres trozos de ese papel, los pegó sobre un papel Ingres, dibujó con carboncillo unos trazos que unían los pedazos y escribió las palabras BAR y ALE. A la obra la tituló Frutero y vaso. En octubre, Picasso realizó su escultura Guitarra utilizando recortes de cartón. Pero el primer cuadro considerado un collage, curiosamente fechado en mayo de 1912, es Bodegón con trenzado de silla. En el mismo, Picasso incorporó a uno de sus bodegones un hule de los utilizados como mantel de bar, con la peculiaridad de que el estampado de este hule es diseño de asiento de rejilla. Con esta acción revolucionaria para el arte, no solo hay que destacar la incorporación de un elemento no pictórico a la obra, sino también la incorporación de un objeto fabricado en serie (el hule) a un objeto artesanal hecho a mano (el cuadro).

Como defensor de la obra realizada sobre papel, he querido que la exposición “Papers i collages per a Joan Valls” sirva para acercar la frescura de las obras con este soporte. Por cronología los artistas seleccionados van desde Antonio Lorenzo (Madrid, 1922-2009) a Albano (Ávila, 1988), con piezas de diferentes tendencias plásticas y con distintas técnicas, que abarcan desde el grafito hasta el acrílico, pasando por el gouache o las ceras, pero siempre  utilizando el papel como soporte o con la técnica de collage. Una vez más deseamos aumentar el interés por este soporte y esta técnica y anhelamos desterrar para siempre la frase vigente durante muchos años escrita por  Fernando Zóbel, cuando allá por los años setenta habló del “El amable desprestigio del papel” en España.

 

                                                                                              Javier Martín

 

Julian Casado. Papers i collages. coleccion Ars Citerior 

Julián Casado
Conjunción alquímica
. 1971.
Gouache sobre papel



José María Yturrralde. Papers i collages per a joan Vallls

José María Yturralde
Figura imposible. 1973
Tinta china, acrílcio, rotulador de color sobre papel isométrico

 

 

 Imágenes gentileza Marie Claire Decay,  Waldo Balart, Elia Fernández y José María Yturralde

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