Leyendo cuadros. Mirando historias


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Entrega número 44
Doble ausencia. Antonio Rojas
Antonio Rojas
Sombras de silencio II
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Ars Citerior

HIPOCAMPS


Museo de la Universidad de Alicante (MUA), del 27 de octubre al 8 de enero de 2017

Inauguración jueves 27 de octubre a las 19h.

Comisarios: Cristina Agàpito y Javier Martín

 

Hipocamps. coleccion ars citerior. coleccion olorvisual

 

El proyecto expositivo Hipocamps reúne obras de arte contemporáneo unidas por recuerdos generados por el sentido del olfato. Las personas distinguimos más de 10.000 olores y recordamos el 35% de lo que podemos oler. Estamos hablando pues de un campo muy amplio de objetos y situaciones que nos pueden llevar a un recuerdo olfativo, frecuentemente atado a nuestra infancia y que a veces teníamos casi olvidado.

Son muchos los elementos anatómicos de nuestro cerebro que se encuentran relacionados con el recuerdo de un olor: en primer lugar, el bulbo olfativo distribuye la información olfativa al sistema límbico; el siguiente paso es la conexión del aroma percibido con una emoción, y de ello se encarga la amígdala cerebral; y por último se produce el proceso de relacionar este olor con un recuerdo en la memoria, función del hipocampo.

Con obras procedentes de los fondos de colección olorVISUAL y colección Ars Citerior, se ha llevado a cabo un meticuloso estudio de coincidencias olfativas en las obras pictóricas, que ha dado como resultado la selección de obras que podemos ver en esta muestra. En el caso del coleccionista y perfumista Ernesto Ventós, de colección olorVISUAL, las obras han sido adquiridas desde un principio porque le despiertan su memoria olfativa. Porque el hilo conductor de la colección es el olor y la capacidad de las obras de despertar un recuerdo. En el caso de Javier Martín, de Ars Citerior, el proceso ha sido a la inversa, es decir, el coleccionista ha realizado un visionado muy rápido, de un segundo por obra, para seleccionar aquéllas que relaciona con un recuerdo olfativo, algo a lo que ya había prestado atención por el hecho fisiológico de haber ido perdiendo parte del olfato, en el decurso de los años.

Finalmente, el nexo de unión de las obras es a través de las Notas Olfativas, el llamado “alfabeto” de los creadores de esencias, que a la vez se acompañan con su color representativo dentro del sistema de identificación cromática Pantone. A la vez, cada nota olfativa la describimos con las materias primas que la forman, siendo la composición y equilibrio de éstas las que dan lugar a un acorde. De la misma manera, la unión equilibrada y perfecta de las obras de las dos colecciones nos dan como resultado todos estos acordes que os presentamos a continuación.

 

Cristina Agàpito

Comisaria de la exposición

 

Exposición colectiva con la participación entre otros de:

Albano Hernández - Elena Alonso - José Luis Alexanco - Waldo Balart - Monika Buch - Miguel A. Campano - Anthony Caro - Calo Carratalá - Eduardo Chillida - Dis Berlin - Evru - Juan Manuel Fernández Pera - Robert Ferrer i Martorell - Hugo Fontela -  Cristina García Rodero - Pep Garro - Joan Hernández Pijuan - Alex Jasch - Antoine Laval - Antonio Murado - Maya Sarabia - Danie Verbis - José María Yturralde. 

 

 

 

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Arte sonoro en España, 1961-2016

Fundación Juan March.

Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca (16 de junio al 18 de septiembre de 2016).

Inauguración: jueves 16 de junio de 2016.

La exposición Arte sonoro en España (1961-2016) pretende mostrar los orígenes, la diversidad de trayectorias y la vitalidad del arte sonoro realizado en nuestro país desde 1961 hasta nuestros días. Mediante la amplitud y variedad de las obras escogidas y un extenso material documental, la exposición quiere hacer visible (y sobre todo audible) el sonido organizado con criterios artísticos en nuestro país, incluso en unos tiempos (las décadas de los 60 y los 70) en los que el propio término "arte sonoro" no había sido aún enunciado como tal.

Más de una veintena de instalaciones sonoras, esculturas, vídeo-instalaciones y obras de encargo (de Xabier Erkizia y Juanjo Palacios, quienes realizarán sendas "fonografías" en Palma y Cuenca, respectivamente), además de una cuidada selección documental que incluirá objetos, ediciones, vinilos, casetes y una variada documentación impresa y fotográfica.

Arte sonoro en España (1961-2016) tiene, pues, una peculiaridad: que las obras sonoras, piezas, instalaciones y la documentación audiovisual e impresa que la componen no se presentarán en espacios expositivos aislados (como los habitualmente dedicados a muestras temporales), sino que se insertarán primero en los espacios de los museos de Palma y Cuenca ocupados habitualmente por las obras de la colección de arte contemporáneo de la Fundación Juan March, con las que convivirán temporalmente. La exposición quiere mostrar así la práctica artística sonora de autores que fueron estrictamente contemporáneos a los artistas representados en ambas colecciones, así como la obra sonora, poco conocida, de alguno de estos últimos, y también la de creadores de las generaciones más recientes.

Si, en ciertos casos, el uso del sonido estuvo presente en la obra de algunos de los artistas de la colección de la Fundación Juan March, como Ferran García Sevilla (en el contexto del arte conceptual), en otros hubo una relación clara con la vanguardia musical experimental (como es el caso de algunas obras de Martín Chirino o el de los artefactos de Manuel Millares, expuestos en una muestra compartida con el grupo ZAJ en el año 1965). Por lo demás, otros casos, como los de Eusebio Sempere o José Luis Alexanco son paradigmáticos entre aquellos artistas de las décadas de los 60 y los 70 que, no entendiéndose como "artistas sonoros", sin embargo han formado parte de la historia del sonido y de su relación con las artes en España. Ellos iniciaron los primeros tanteos interdisciplinares con otras propuestas experimentales y, con el tiempo, posibilitaron el hábito y la comprensión del arte sonoro en el contexto de las instituciones y colecciones de arte contemporáneo. una línea en la que cabe incluir también algunos de los trabajos de Juan Navarro Baldeweg o Enrique Salamanca.

(nota de prensa de la Fundación March)



Luis Lugan. Grifos sonoros. 1972

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Hernández Pijuan  - Sempere. Signo y Línea en el Paisaje

 

Fundación Museo Salvador Victoria, Rubielos de Mora (Teruel).

Exposición: Hasta el 2 de julio de 2016.

9 de abril, 20 h: Charla-coloquio con Elvira Maluquer, Vda. de Joan Hernández Pijuan y comisaria de exposiciones, y Javier Martín, comisario de la exposición y director de la colección Ars Citerior.

 

 

Hernandez Pijuan-Sempere. Signo y linea en el paisaje. coleccion ars citerior

 

 

 Nota de prensa emitida por la Fundación Museo Salvador Victoria.

Rubielos de Mora, abril de 2016.

 

LAS OBRAS DE HERNÁNDEZ PIJUAN Y DE SEMPERE, EN EL MUSEO SALVADOR VICTORIA DE RUBIELOS DE MORA

El coleccionista Javier Martín ha seleccionado 24 cuadros, algunos de ellos nunca expuestos, en "Signo y línea en el paisaje"

El Museo Salvador Victoria acoge hasta el 2 de julio una exposición de los artistas Joan Hernández-Pijuan y Eusebio Sempere, 24 obras que el coleccionista y comisario de la muestra, Javier Martín, ha reunido bajo el título "Signo y línea en el paisaje". La forma de mirar y plasmar el entorno de estos pintores será uno de los temas centrales del coloquio entre Elivira Maluquer, viuda de Hernández Pijuan, y Javier Martín, que coordinará el nuevo director del Museo, Ricardo García Prats, el próximo sábado, 9 de abril, a las 20 horas, en Rubielos de Mora, Teruel.

Martín ha seleccionado estas piezas de la colección Ars Citerior, datadas desde 1974 a 2004, porque reflejan la admiración que Hernández Pijuan y Sempere sentían por los paisajes que les acompañaron a lo largo de su vida. Se trata de 24  óleos, gouaches, serigrafías y un aguafuerte y aguatinta, de tamaño pequeño o mediano en los que la naturaleza se muestra a través de las manos de estos pintores, que aunque no son de la misma generación, sí que compartieron etapas creativas, como apunta Javier Martín: "Los dos vivieron el momento de la abstracción y la época en que se estaba gestando el Museo de Cuenca".

Al menos siete de las 24 obras nunca han sido expuestas ni tampoco se han reunido conjuntamente, sin embargo, como señala Javier Martín "queríamos rendir un homenaje en el Museo de Salvador Victoria, que fue compañero de ambos, ya que en 2015 se cumplieron 30 años del fallecimiento de Sempere y 10 años del de Hernández Pijuan". 

La viuda de Salvador Victoria y gestora del legado del pintor de Rubielos de Mora, Marie Claire Decay, destaca la gran calidad de las obras expuestas: "Lo bonito de estos pintores es que puedes ver sus cuadros tanto de lejos como de cerca, porque estaban perfectamente pintados, eran artistas con una formación técnica exquisita", señala.

Joan Hernández Pijuan (Barcelona 1931-2005) escribió en el año de su fallecimiento "que se trata de convertir el paisaje en algo que uno mira", algo que el miró desde niño en la comarca de La Segarra y años más tarde, en la de la Noguera leridana. Esas vistas marcaron la estética del artista, hoy presente en los principales museos de España, como el Reina Sofía, el MACB y el Museo Abstracto de Cuenca, y en otros espacios como el Guggenheim de Nueva York, en museos europeos y japoneses.

Para Eusebio Sempere (Onil 1923-1985), escultor y pintor, el paisaje también fue una materia prima indispensable para su inspiración. Así, las huertas y las palmeras de su Alicante natal se fueron sucediendo con los horizontes castellanos y también con los aragoneses, que conocía bien gracias a su amigo y colaborador, el serígrafo turolense Abel Martín, con quien recorrió la sierra de Gúdar, el Maestrazgo... Sempere a pesar de su ceguera de un ojo, supo plasmar las infinitas tonalidades de la monocromía, como muestran algunas de las obras de esta exposición. Entre los muchos reconocimientos que recibió está el Premio Príncipe de Asturias a las Bellas Artes, y hoy su obra es referencia en museos como el Reina Sofía, el IVAM, el Museo de Arte Moderno de Barcelona, el de Arte Abstracto de Cuenca, el MOMA de Nueva York o el Museo de Hamburgo, entre otros.

 

Disfrutar del paisaje abstracto en el museo Salvador Victoria

Monocromías, líneas con una perfección ajustada a la intención del artista, trazos que son lirios entre la masa y el vacío, mallas, campos de cereal, los campos y la vida reflejada a lo largo de las cuatro estaciones... Paisajes que Hernández-Pijuán y Sempere capturaron en los 24 cuadros expuestos, obras que hoy siguen capturando también la mirada de quien los observa.

Esta muestra temporal, la número 36 del Museo Salvador Victoria de Rubielos de Mora (Teruel), puede visitarse los sábados en horario de 11 a 14 horas y de 16.30 a 19.30 horas, y los domingos, de 11 a 14 horas, hasta el 2 de julio.

 

 

 

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En un silenci quiet. Paisatges


en un sileci quiet. paisatges

“Hay otros mundos, pero están en este”

Paul Éluard


En torno al paisaje contemporáneo hemos reunido obras de treinta y nueve pintores que han tratado este tema tan clásico. En algunos autores ha sido de manera puntual, como es el caso de Gerardo Aparicio, Víctor Cámara, Eutiquio Estirado, Lidó Rico o Ramón Urbán. Para otros ha sido una investigación constante: Calo Carratalá, Dis Berlin, Damián Flores, Emilio González Sainz o Joan Hernández Pijuan.

En la muestra En un silenci quiet. Paisatges, están representados artistas de larga trayectoria, como Francisco Farreras o Ramón Cascado. Y autores jóvenes como Albano, Elena Alonso o Rafa Macarrón.

La datación de las obras va desde 1961 (el óleo de Manuel H. Mompó), hasta 2015 (el aluminio de Marlon de Azambuja). También es muy variado el estilo pictórico: el lirismo de Salvador Victoria, la geometría de Robert Ferrer i Martorell, la objetualidad de Guillermo Lledó, la espacialidad de José María Yturralde.

Para esta ocasión hemos contado con los fondos de la Colección Ars Citerior Comunidad Valenciana. De ella hemos escogido paisajes sosegados y tranquilos, aunque en alguna de las obras haya quien encuentre elementos que puedan inquietarle.

Para leer más : Texto completo

en un silenci quiet. paisatges. inauguracion coleccion ars citerior. llotja sant jordi

 

Lugar: Llotja de Sant Jordi, Alcoi

Inauguración: Jueves 7 de abril de 2016 a las 20h.. Abierto hasta el 29 de mayo.

Comisario: Javier Martín


Artistas participantes:

José AGULLÓ - ALBANO - Elena ALONSOGerardo APARICIO - Marlon de AZAMBUJA Tania BLANCO - Alejandro BOTUBOL - Joan BOY - Víctor CÁMARA - Calo CARRATALÁ - Ramón CASCADO - DIS BERLIN - Lourdes CASTRO CERÓN - Eutiquio ESTIRADO - Francisco FARRERAS - Juan Manuel FERNÁNDEZ PERA - Robert FERRER i MARTORELL - Damián FLORES - Diana GARCÍA ROY - Pep GARRO - Gerardo GIMONA - Emilio GONZÁLEZ SAINZ - Joan HERNÁNDEZ PIJUAN - José LEGUEY - LIDÓ RICO - Guillermo LLEDÓ - Rafa MACARRÓN - Antoni MIRÓ - Manuel H. MOMPÓ - Pedro MUIÑO - Amadeo OLMOS - Sara QUINTERO - Alberto REGUERA - SEÑOR CIFRIÁN - Beatriz SAENZ - Ramón URBÁN - Salvador VICTORIA - José María YTURRALDE - Jesús ZURITA.


en un sileci quiet. paisatges

Llotja de Sant Jordi, Alcoi

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Hernández Pijuan - Sempere. Signo y Línea en el Paisaje


Hernandez Pijuan-Sempere. Signo y linea en el paisaje. coleccion ars citerior

Hernández Pijuan - Sempere. Signo y Línea en el Paisaje

 

“Pintar la naturaleza no es copiar un objeto,
 es la realización de una sensación”
Paul Cézanne

 

Para Joan Hernández Pijuan y Eusebio Sempere, el paisaje siempre estuvo fuertemente unido a su trayectoria artística. Durante sus primeras etapas figurativas, el pintor barcelonés realizó obras como Paisatge d´Horta de 1950; el de Onil paisajes de palmeras y en 1949 la acuarela Paisaje, con claras influencias de Paul Klee.

En la década de los sesenta, ya dentro de la abstracción lírica, Sempere profundiza en el tema del paisaje, castellano principalmente. También hizo referencia a las tierras aragonesas, como consecuencia de sus visitas veraniegas a la población turolense de Mosqueruela, lugar de origen de Abel Martín, pintor, amigo y serigrafísta de la obra gráfica de Sempere. Paisaje Aragonés, de 1964, sería un ejemplo. Solo en 1962  llegó a realizar más de veinte paisajes. Tres años más tarde pintó Paisaje lluvioso, Paisaje de junio y Campo de mimbre[1], donde podemos apreciar la bella gama cromática utilizada, esos verdes de los que habló el pintor Fernando Zóbel:”Sempere consigue unos verdes saturados, húmedos, que no tienen precedente en toda la historia de la pintura[2]. Es la época de sus viajes a la ciudad de la Casas Colgadas, de los preparativos para la inauguración del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca[3], y de la adquisición de una casa en la parte alta de la ciudad natal de su buen amigo Gustavo Torner. También en 1965 ingresó en la galería Juana Mordó, y para ella realizó su primera carpeta de serigrafías: Las cuatro estaciones, estampada por Abel Martín, quien llegó a realizar para el pintor cinético más de doscientas serigrafías durante toda su trayectoria artística. La carpeta, editada por Mordó, estaba acompañada por textos de Pedro Laín Entralgo[4].

A partir de 1966 comenzó una larga etapa en la que la geometría toma posesión de la obra, en detrimento de aspectos más líricos y poéticos, aunque con paréntesis como el de 1969 con la carpeta Cuando estuvo en Cuenca D. Luis de Góngora, donde podemos apreciar los colores del paisaje conquense.

En los años setenta realizó una decena de obras de carácter paisajista, todas ellas sobre tabla, en las que predomina el formato cuadrado, dividido ópticamente en cuatro cuadrantes delimitados por las rayas finas del gouache; son composiciones con líneas de horizontes claros, colores terrosos y cálidos en la parte inferior, y claros en la superior, en las que en ocasiones aparecen formas que recuerdan el Sol, la Luna o el Arco Iris, un buen ejemplo son Paisaje amarillo (1976); Horizontes y El día, la noche, la tierra (1978); y El día y la noche (1979).  También vemos las líneas del horizonte en composiciones monocromas, como en Espacio Ocre de 1977, donde nos sugiere un paisaje más geometrizado. En diciembre de ese mismo año termina la carpeta de serigrafías La Alhambra. Durante su estancia por unos días en el Carmen de la Fundación Rodríguez-Acosta de Granada, pensó cómo iba a ser la edición, y una mañana le comunicó a su director: “Ya sé que voy pintar: La Alhambra por dentro y por fuera[5]. De las nueve serigrafías que confroman la carpeta,  cuatro están inspiradas en los entrecruzados múltiples de la ornamentación árabe de lacería, las cinco restantes son interpretaciones de paisajes, son campos de la Vega y jardines y fuentes del Generalife. El título de las mismas son esclarecedores: Estanque, Generalife, La Vega, Sierra Nevada y Nocturno.

Un año más tarde realizó otra carpeta con referencias al paisaje: Homenaje a Gabriel Miró[6], de la que presentamos en esta exposición De los valles y mesetas del horizonte montañoso. También en los gouaches de carácter místico inspirados en los escritos de Juan de la Cruz, como en la tabla Y no queráis tocar nuestros umbrales de 1979, está presente el paisaje, en este caso más luminoso, más atmosférico y espiritual.

Hernández Pijuan, tras dejar atrás una etapa de investigación pictórica basada en la relación espacio-objeto, en la que convirtió en imagen elementos como el huevo, las tijeras, la regla o la cinta métrica, llegó al paisaje a principios de los setenta. Realizó la serie Acotacions, obras monocromas de sutiles gradaciones verdes, paisajes de la población de Folquer[7] que el autor interiorizó y plasmó sobre la tela de manera minuciosa, con pinceladas cortas y sucesivas, llegando a provocar la sensación de la insignificancia que tiene del hombre ante la naturaleza. En alguna de las composiciones pintó en su centro una centenaria encina, la que podía ver desde su estudio a través de la pequeña ventana que daba a la Sierra de Comiols[8]. En 1976 estampó Proyectos para un paisaje[9] y diez aguafuertes y aguatintas para La Polígrafa, donde el color es capaz de crear  una atmósfera cálida y profunda, al igual que en el aguafuerte y aguatinta Doble paisatge de 1977[10].

En el verano de 1980, en su estudio de la Casa Gran de Folquer, realizó dos pequeños óleos preparatorios para el gran formato Tríptic de Montargull, a los que tituló Colors per tríptic de Montargull (1) y (2), piezas que hacen clara referencia al paisaje de la pequeña localidad leridana del mismo nombre. Paisajes de pinceladas de óleo de color amarillo-ocre, como los campos de cereales presentes en esta comarca de la Noguera, que nos hipnotizan hasta hacer difícil apartar la mirada.

Durante los años 1981 y 1982 desarrolló una serie donde la verdadera preocupación del autor fue la disposición del color sobre el soporte. Estas composiciones, realizadas con un gesto contenido, las englobamos bajo el nombre de Bougainvilleas. Son años donde la familia Hernández-Maluquer pasó parte de los meses estivales en la población mallorquina de Son Servera[11]. Los azules y violetas típicos de esta planta están en íntima relación con la paleta del pintor.

En los años que transcurrieron de 1980 a 1983, Sempere pintó otras dos series de Las cuatro estaciones, la primera entre 1980 y 1981 sobre tabla y raya fina de gouache. La segunda hacia 1982-1983,  última obra que realizó en su vida sobre cartulina Canson, de raya ancha, con los colores característicos que las diferentes temporadas dan a los campos y al cielo. Las líneas horizontales, con sus formas rítmicas unidas a los cambios cromáticos, nos hacen intuir el horizonte; y la sucesión zigzagueante de las líneas nos insinúa los campos cubiertos de trigo en verano. Los colores van desde el blanco-gris del firmamento en invierno, al verde húmedo de la primavera[12].

Si para Sempere los primeros años de la década de los ochenta son el fin de su carrera debido a su enfermedad y fallecimiento en 1985, para Hernández Pijuan es el arranque de una nueva etapa, tal vez la más conocida por el gran público. El pintor de Folquer en los veranos de principios de los ochenta desplazó su estudio a una de las plantas inferiores de la Casa Gran, donde ya no le era posible observar el paisaje de manera directa. Desde este nuevo emplazamiento nos habló de la memoria de un paisaje sintetizado en signos. Las mallas, los caminos, la morera, el ciprés o las nubes serán sus referentes. Y el Iris de Pascua, que el pintor realizaba cada primavera, coincidiendo con la floración de este lirio en las laderas de los caminos durante los meses de abril y mayo, siendo la serie más íntima del pintor. En 1984 realizó la serigrafía para la carpeta homenaje a Fernando Zóbel, fallecido en junio de ese mismo año[13]. El signo utilizado fue una flor de un solo trazo. A la obra estampada la tituló En gris para Fernando.

Con la llegada de los noventa, el pintor silencioso y de silencios trabajó sobre grandes superficies y sin apenas elementos iconográficos. A partir de una masa central de óleo y esmaltes industriales, el autor esparcía la materia y la modulaba sobre la tela, dejando zonas muy densas en el centro y otras sin apenas textura, en los bordes del lienzo. La luz y la oscuridad se disputan el espacio ocupado y el vacío. Toda esta superficie es surcada por líneas que se entrecruzan a modo de malla metálica o de caminos encontrados. La memoria del paisaje dominó en su producción hasta el final de sus días, siendo imposible desligarla de las comarcas de la Noguera y la Segarra. “Diría que un paisaje debe comportar  ya una forma de ser y por tanto una manera de vivir”[14], declaró a mediados de esta década. Hernández Pijuan supo transmitirnos como nadie su memoria del paisaje, de tal modo que muchos de sus estudiosos han descubierto el suyo propio después de haber conocido su obra. “No conocía esas tierras y viniendo, pasada Cervera, es como si me encontrase dentro de tus cuadros[15], con estas palabras transmitió Remo Guidieri la sensación experimentada en su viaje a la Segarra.

En 2005, año de su fallecimiento, pintó obras que denominó Acotacions, como una mirada  atrás, volviendo a los títulos de los setenta. En sus  últimos óleos utilizó el color blanco como fondo, y sobre éste extendió una mancha negra, rotunda y dramática, como presagio de un final próximo. En una de sus últimas reflexiones escribió: “podría decir también que se trata de convertir el paisaje en algo que uno mira“[16].

Javier Martín



[1] Pertenecientes los tres a la Fundación Juan March.

[2] Cuadernos Guadalimar, nº 1, Madrid, 1977, p.70.

[3] Inaugurado el 1 de julio de 1966.

[4] La edición es de 50 ejemplares sobre cartulina Canson de color negro de 59 x 44 cm. La galerista Juana Mordó se comprometió a pagar los estuches de las carpetas. Pero al enterarse del precio, se negó y Sempere tuvo que correr con el coste de las tintas, las cartulinas Canson y finalmente los estuches, con lo que no le quedó dinero para pagar el trabajo de estampación a Abel Martín. El título de la carpeta viene dado por el recuerdo de la obra homónima del compositor Antonio Vivaldi.

[5] Conversación con Miguel Rodríguez-Acosta, el 27 de enero de 2006, en la Fundación Rodríguez- Acosta, Granada. Carpeta de nueve serigrafías con una tirada de 110 ejemplares, con nueve fragmentos de casidas arábigoandaluzas. Estampadas por Abel Martín, la edición corrió a cargo de la Fundación Miguel Rodríguez-Acosta. Según el autor era la mejor carpeta que había realizado hasta ese momento. Diseño y encuadernación a cargo de Jaume y Jordi Blassi. En la edición colaboró la Fundación Juan March.

[6] Carpeta compuesta de ocho serigrafías, texto de Gabriel Miró y poema de Gerardo Diego, con una tirada de 99 ejemplares. Editada por la Galería Italia de Alicante. Sus títulos: De los valles y mesetas del horizonte montañoso, Casa grande y blanca, Crecieron llamas nuevas y libres, Ya tenían los almendros hoja nueva, El ciprés más recto y sensitivo, Allí el paisaje es muy quebrado, Aparece un árbol y Quedó la noche desolada.

[7] Folquer es una población al norte del término municipal de Artesa del Segre, en la comarca de la Noguera (Lleida).

[8] Espai 1:80 y Espai verd amb un arbre, ambos de 1974, son dos buenas representaciones de estos años.

[9] Litografías editadas por el Grupo 15 de Madrid.

[10] Estampada por Pere Puiggros en Taller 74 de Barcelona.

[11] Bougainvillea, Recorreguts o Bougainvillea a Son Servera, se encuentran entre los lienzos de gran formato más destacables de esta época.

[12] Estos últimos gouaches sirven para la edición póstuma de la obra grafica Las cuatro estaciones, editada por Abel Martín en 1988. Edición de 175 ejemplares en números árabes y 175 en números romanos, acompañados de cuatro serigrafías con la partitura de la obra homónima de Vivaldi. La estampación se realiza en Serigrafía Ibero-Suiza de Valencia, bajo la supervisión de Abel Martín. Realizadas sobre papel acuarela de 65 x 49 cm. La carpeta incluye un texto de Vicente Aguilera Cerni.

[13] Carpeta compuesta por ocho serigrafías de los autores Guerrero, Hernández Pijuan, Laffón, Lorenzo, Mompó, Rueda, Sempere y Torner. Editada por la Fundación Juan March. Tirada de 250 ejemplares.

[14] Conferencia de Hernández Pijuan en Les Pallargues, Segarra, 1994.

[15] Texto elaborado a partir de unas palabras pronunciadas en Les Pallargues, en La Segarra, con motivo de unas jornadas sobre arte durante el otoño de 1994.

[16] Joan Hernández Pijuan: “El Paisaje que uno mira”, Folquer, 2005.

 

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Michavila: geometria i ecologia

Exposición retrospectiva sobre Joaquín Michavila ( L´Alcora, Castellón, 1925), comisariada por Pascual Patuel. Sala Martínez Guerricabeitia del Centre Cultural La Nau, del 16 de febrero al 22 de mayo 2016.
 
La Nau inaugura, el martes 16 de febrero, a las 19 horas, la exposición ‘Michavila: Geometría y Ecología’, una monográfica que recoge una selección de 30 obras, de instituciones públicas y colecciones privadas, que abarcan los dos periodos principales del artista valenciano: la geometría y el paisajismo protagonizado por la serie del Lago.
 
 
michavila. geometria i ecologia
El Llac. 2004. 81 x 100 cm.

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Hernández Pijuan - Sempere. Signo y Línea en el Paisaje

 

Hernandez Pijuan-Sempere. Signo y linea en el paisaje. coleccion ars citerior. coleccion ars citerior

Petit blanc i arbre. 2002. Joan Hernández Pijuan

(imagen gentileza familia Hernández-Maluquer)

 

Lugar: Museo Salvador Victoria, Rubielos de Mora (Teruel)

Fecha de inauguración: sábado 9 de abril de 2016 a las 20h

Comisario:  Javier Martín

Mesa redonda el día de la inauguración formada por Elvira Maluquer y Javier Martín

 

 

 

 

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Adjuntos:
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Desde el jardín

Como cada primavera he brotado para acompañar durante unas semanas al pintor que tanto me ofreció. Esta Pascua he sido el primero en salir, en pocos días toda mi familia llenará los laterales de los caminos de este valle y, como no, este pequeño recinto de paredes de piedra donde me encuentro año tras año. Mientras la naturaleza sea benigna conmigo, seguiré a los pies de esta sencilla estela que recuerda a aquel que hizo de mí una flor inmortal. Tal vez menos conocida que la morera, el ciprés, el cerezo o la encina, pero con el honor de poder decir que fui su flor más íntima, la que menos llegó al gran público, pero la que pintó con trazos más sensibles y delicados.

Desde el recinto sin techo que habito, con estas líneas, he querido homenajear a un hombre tímido, pero valiente, que no dejó de buscar su camino hasta que lo encontró aquí, en esta pequeña población de Folquer.

Javier Martín
Abril 2015

 

 iris de pascua. joan hernandez pijuan. javier martin. coleccion ars citerior

Iris de Pascua. 1994

Joan Hernández Pijuan

(Barcelona, 5 de febrero de 1931 – 28 de diciembre de 2005).

(imagen gentileza familia Hernández-Maluquer)

 

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Tomás García Asensio. Nueva página web

El pintor geométrico Tomás García Asensio ha renovado su página web, donde se puede apreciar la evolución y trayectoria del artista.

http://www.tomasgarciaasensio.com/

 

 

Tomás García Asensio nació en Huelva, en 1959 se trasladó a Madrid para cursar estudios en Bellas Artes. A finales de los sesenta participó, en el inaugurado Centro de Cálculo de la Complutense, en los Seminarios de Generación Automática de Formas Plásticas junto a José Luis Alexanco, Manuel Barbadillo, Eusebio Sempere y  José María Yturralde, entre otros. Ha sido profesor titular en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid, donde se doctoró en 1992. Ejerció de dibujante humorístico a principios de los setenta principalmente en la revista Triunfo, bajo el seudónimo de Saltés, en recuerdo de la pequeña isla fluvial localizada en la ría de Huelva. Actualmente, además de seguir ejerciendo de pintor, escribe sus reflexiones sobre la vida que le rodea en http://salterio.blogspot.com.es/.

Estudioso del color, ha trabajado en las denominadas estructuras cromáticas paradigmáticas, donde la combinación de los 6 colores paradigmáticos da lugar a 64 combinaciones o estructuras paradigmáticas: 1 Nulocromía, 6 Monocromías, 15 Bicromías, 20 Tricromías, 15 Tetarcromías, 6 Pentacromías y 1 Exacromía.

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Elena Asins. Pintora de Canons  y Cuartetos


fallece elena asins. pintora de cuartetos y canons. coleccion ars citerior

(Madrid, 1940 - Azpíroz, Navarra, 2015)


La empresa IBM en España, en su afán de extender el uso de la computadora a diversos campos de la ciencia, a mediados de los años sesenta del pasado siglo pensó que el mejor lugar para la investigación era una universidad. Por su importancia y por la centralización existente en  aquellos años, se decidió que fuera la Central -futura Complutense- la que llevase a cabo el proyecto. La intención de realizar aquellos seminarios era la de encontrar nuevos campos de aplicación de los ordenadores. El que más importancia y trascendencia adquirió fue el de Formas Plásticas.

Si bien los seminarios duraron desde el año 1968 a 1974, la actividad más interesante se desarrolló hasta 1970, por un grupo formado por catorce pintores: Manuel Barbadillo, Tomás García Asensio, Gerardo Delgado, José Luis Gómez Perales, Luis Lugan, Soledad Sevilla, Ana Buenaventura, Elena Asins, Javier Seguí, Manuel Quejido, José Luis Alexanco, Abel Martín, Eusebio Sempere y José María Yturralde.

En mi afán por recuperar del olvido histórico esta experiencia, pionera en nuestro país, decidí conocer de primera mano las opiniones de sus protagonistas. Entre ellos Elena Asins, con quien contacté gracias al pintor de arte concreto Waldo Balart, quien ya me habló del fuerte carácter de Elena y de su extraordinaria obra.

En abril de 2002 viajé a Azpíroz para conocer a Asins. Durante el viaje me sorprendieron la vigilancia de carreteras con tanquetas, el ambiente de tensión política que se respiraba, la aldea donde vivía Elena. Y sobre todosu personalidad.

Durante los tres días que compartí con Elena y su gata, estuvimos hablando del Centro de Cálculo, donde tuvo su primer contacto con los ordenadores y pudo relacionarse con artistas ya reconocidos, como Sempere; de la obra que su amigo Lugan desarrolló en esos años; del serigrafísta Abel Martín, quien le estampó varias serigrafías y del que decía que casi todos habían olvidado tras la muerte de Sempere; y sobre política, de la que mostró una postura radical. Hay que tener en cuenta que el motivo de que Elena Asins, nacida en Madrid, viviese tan alejada de la capital de España, se debió a su interés por seguir las enseñanzas y el pensamiento de Jorge Oteiza. Una relación que posteriormente se rompió, pero ella decidió quedarse para siempre en tierras navarras.

En este primer encuentro elegimos un Cuarteto prusiano y un Canon para que estuvieran presentes en la exposición El Centro de Cálculo 30 años después, que itineró durante 2002 y 2003 por el Museo de Arte Contemporáneo de Elche, el Museo de la Universidad de Alicante (M.U.A) y el Museu d´Art Contemprani d´Eivissa.

En la casa-estudio de Elena Asins se percibía la noción de que el tiempo se había detenido, la sensación de que había decidido terminar con su carrera artística de papel y tiralíneas. Y así fue. Con posterioridad solo realizó obra digital. La sensación de aislamiento y las pocas ganas de relacionarse con el mundo externo, hacían que fuese una artista olvidada en vida. Sólo un reducido número de coleccionistas seguía su obra. Pero todo cambió, aunque fuera por un breve tiempo, cuando en 2011 se le concedió el Premio Nacional de Artes Plásticas.

Mi segunda y última visita a Azpíroz, en 2010, fue para conocer su nuevo estudio, “La Borda” como ella lo denominaba. Fue una tarde repleta de buenos recuerdos, de papeles milimetrados llenos de trazos sublimes que ella me ordenaba sacar y meter de las diferentes cajoneras, y de música de Bach.

Javier Martín




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Software y Hardware a disposición de la creación

En los primeros años de la década de los sesenta entraron en España los primeros “robots” con el fin de facilitar a la sociedad científica un modo más rápido y eficaz en resolver sus problemas.

Sería en 1965 cuando la primera computadora entró  en una universidad de España. La empresa IBM cedeió a la Universidad de Madrid, un equipo integrado por un IBM 7090 y un IBM 1401. Estos dos equipos se instalaron en un nuevo edifico de la actual Complutense diseñado por el arquitecto Miguel Fisac.

Durante los años que transcurrieron de 1965 a 1982, se crearon diferentes seminarios en dicha universidad con el fin de acercar el ordenador a diferentes campos como el de la arquitectura, la música, las matemáticas, lamedicina o las artes plásticas. Siendo este último el de mayor trascendencia gracias entre otras cosas a las creación de becas para facilitar el acercamiento y uso del ordenador a pintores de la talla de Eusebio Sempere.

En el último capítulo de este trabajo trataremos de una serie de aspectos morales o filosóficos en relación a ciertos cambios en la moralidad derivados de los posibles avances en las ciencias informáticas.

Para leer más: http://www.javierbmartin.com/index.php/pintores-javier-b-martin/40-centro-calculo-pintores-javier-b-martin


Software y Hardware a disposición de la creación.centro de calculo. Javier martin

 

 

 

 

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Guillermo Lledó. cul-de-sac

El  viernes 18 de diciembre a las 19h se inaugura la exposición  Guillermo Lledó. cul de sac.

Lugar: Sala Cool del Museo de la Universidad de Alicante (MUA).

Fechas: del 18 de diciembre de 2015 al 23 de enero de 2016.

Comisario: Javier Martín



guillermo Lledó. Cul de sac. MUA. javier martin.ars citerior

Estancia 17.4. 2009
Paneles sándwich de aglomerado cemento
30 x 180 x 332 cm.

 

Guillermo Lledó. cul-de-sac

(texto para el catálogo)

Las obras de Guillermo Lledó se parecen a cosas que podemos encontrar en el entorno próximo. Pueden aparecer en un espacio expositivo limpio y neutro que las realce o en otro no preparado para exponer que las hace mimetizarse con el lugar. En ambos casos las obras dialogan con el espacio en las que aparecen instaladas. Han sido concebidas como objetos independientes, con identidad propia, pero adquieren pleno significado a través de las relaciones que establecen entre sí con el resto del ambiente circundante.

Son obras que se imponen por su presencia al mismo tiempo que evocan la realidad que las ha hecho posibles. La configuración de las piezas nos remite a los métodos de elaboración y sus características formales a una funcionalidad que, no por desconocida, sugieren con claridad. Elaboradas como en la industria o en la construcción, con criterios racionales y economía de medios, la contundente presencia física de las obras se transforma en vehículo de asociaciones relacionadas con la forma de ocupar el espacio y el papel que juegan ciertos objetos en él.

El tamaño de las obras, basado en una escala cuyo referente es el propio observador, trata de implicar a este dramáticamente, haciéndole experimentar emociones que ya conoce. En Cul-de-sac, obra que da título a la exposición, un cubo de aspecto minimalista y dos metros de altura, la ausencia de una de las caras lo convierte en un lugar umbrío cuya abertura solo ofrece al fondo un lugar cegado. De forma parecida, Confinamiento, con dos espacios enrejados idénticos trata de evocar en el espectador la sensación que este podría tener si estuviera recluido en su interior, aunque se halle paseando tranquilamente alrededor. Estancia 17, en cambio, se limita a sugerir con su estructura un recorrido muy limitado, porque una especie de pasillo escalonado conduce a otro pequeño pasillo que no lleva a ningún sitio, algo que el espectador debe completar en su imaginación porque las paredes, a diferencia de Cul-de-sac, sólo aparecen insinuadas. Las otras obras de tipo escultórico abundan, con diferentes recursos, en esa idea de clausura o cierre, como ejemplifica ST (Entrada 1/3), que simula funcionar en el espacio en el que se encuentra como una puerta herméticamente cerrada.

Las pinturas, por el contrario, introducen otro elemento bien distinto. En el contexto de la exposición actúan poniendo un contrapunto de color a la gravedad que imponen las esculturas, y funcionan en el montaje como lo hacen los paréntesis o entradas en un texto que sirve para introducir un discurso paralelo. Dichas pinturas, realizadas monótonamente sobre papel con pinturas industriales, figuran como una especie de carta de colores que tiene como referente a esa industria de la que parte y a la funcionalidad que los propios colores tienen en la sociedad que los usa. No obstante, las pinturas y las esculturas tienen en común el hecho de que, a pesar de la radical abstracción que muestran y su apariencia minimalista, esconden otros significados que puede aparecer sólo cuando el espectador deambula entre ellas y piensa acerca de las sensaciones que le producen y los recuerdos que provocan.

Javier Martín

 

Datos biográficos

Guillermo Lledó (1946), inició estudios de Pintura en la Escuela Superior de Bellas Artes de San Fernando (Madrid, 1964), es Doctor en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid y Catedrático EU del Departamento de Didáctica de la Expresión Plástica en la misma Universidad. Vive y trabaja en Madrid.

Obtuvo becas de creación artística de la Fundación Juan March (1979) y del Ministerio de Cultura (1981) y los primeros premios de pintura en la XIII Bienal Internacional de Alejandría (1979) y el III Concurso Francisco de Goya del Ayuntamiento de Madrid (1980).

Ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas. Entre las individuales cabe destacar las realizadas en la Galería Egam (Madrid, 1980, 1996 y 2005) y las del Palacio de los Condes de Gabia (Granada, 1987), Galería Carles Poy (Barcelona, 1991 y 1994), Sala CAI Luzan (Zaragoza, 1995), Museo Barjola (Gijón, 1997), y Centro de Arte CAB (Burgos, 2006).  Y entre las colectivas: Ars’74, Museo de Arte del Ateneum (Helsinki, 1974); Drawings by Ten Contemporary Spanish Artists, Galería Marlborough (New York, 1974); Salón de los 16, Museo Español de Arte Contemporáneo (Madrid, 1981); Arte Español Contemporáneo, Fundación Juan March (Madrid, 1982); Contrastes, Círculo de Bellas Artes (Madrid, 1985); El Espacio y la Idea, Fundación “la Caixa” (Barcelona, 1991); Los 80 en la Colección de la Fundación “la Caixa”, Comisaría de la Ciudad de Sevilla para 1992 (Sevilla, 1992); Entre la Presencia y la Representación, Centro Atlántico de Arte Moderno (las Palmas de Gran Canaria, 1994); Forma y Figuración, Museo Guggenheim Bilbao (Bilbao, 1998); Arte Español de los 80 y 90 en el MNCARS (Galería de Arte Contemporáneo Zacheta (Varsovia, 2001); Esculturas en el Retiro, Parque del Retiro (Madrid, 2001); Enlaces, Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo (Valladolid, 2004-2005); Basado en hechos reales, ARTIUM (Vitoria, 2010).

Su obra esta representada en varias colecciones públicas, como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museum of Fine Arts de Boston, el Museo de Arte Contemporáneo del País Vasco ARTIUM, el Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo (Valladolid), la Fundación “la Caixa” (Barcelona) y la Fundación Juan March (Madrid) entre otras.

 

 

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