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Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
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Documentos de introducción
 Introducción de Javier Martín 
 Introducción de Ana Álvarez 
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Ars Citerior

Monika Buch. Trayectoria 1956-2018


Lugar: Palau Joan de Valeriola, Valencia

Inauguración, viernes 4 de mayo a las 20h.

Exposición abierta hasta septiembre de 2018.

Comisario: José Luis Martínez Meseguer


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Eusebio Sempere y Abel Martín.

La música de los números que no existen


eusebio sempere y abel martin. la musica de los numeros que no existen

Inauguración, jueves 5 de abril a las 12h.

Nota de Prensa

Las creaciones gráficas de Eusebio Sempere se aproximan a doscientas obras. El MACA posee una colección importante de estampas calcográficas, litográficas y serigráficasde Eusebio Sempere, estampadas por su compañero Abel Martín.

En la Calcografía Nacional se presentan nueve carpetas de serigrafías de Eusebio Sempere, que recorren la trayectoria vital del artista y de Abel Martín, y ponen de manifiesto la colaboración, la unión y la comunicación espiritual de ambos. Sempere fue el creador de las formas y de los colores que Abel Martín, excelente estampador, plasmaba sobre el papel mediante la superposición de pantallas de seda, una por cada uno de los colores empleados, a veces más de cuarenta.

Las Cuatro Estaciones de 1965, Álbum Nayar de 1967, Libro Alarma, Transparencia del tiempo o La Alhambra de 1977, Homenaje a Gabriel Miró de 1978, La luz de los salmos de 1980, Cántico espiritual de 1982 o la carpeta póstuma de Las cuatro estaciones de 1988, que acabará Abel Martín en solitario, conjugan la magia de los números que no existen con la literatura precisa para cada línea. Todas las carpetas se acompañaron de textos literarios, experimentales, vanguardistas, clásicos o místicos. Pedro Laín Entralgo, Julio Campal, José Miguel Ullán, Edmond Jabés, los poetas árabes de Granada, Gabriel Miró, los salmos bíblicos o san Juan de la Cruz, presentados a su vez por Rafael Alberti, Gerardo Diego, Vicente Aleixandre o Juan Cantó, palabras prendidas en las formas y colores que inspiran a las almas el deseo de quedarse allí y tomar asiento.

Las cuatro estaciones (1965)
Primera de las carpetas gráficas de Eusebio Sempere, Las cuatro estaciones fue editada por la galería Juana Mordó de Madrid, con una tirada limitada de 50 ejemplares. Se compone de cuatro serigrafías estampadas por Abel Martín y el propio autor, acompañadas cada una de ellas por un poema de Pedro Laín Entralgo. La carpeta se presentó por primera vez en la exposición individual de Eusebio Sempere en la galería Juana Mordó del 27 de abril al 15 de mayo de 1965 y posteriormente en Alicante, en la sala de Arte de la Caja de Ahorros del Sureste de España. 

Álbum Nayar (1967)
Esta segunda carpeta fue editada por la galería Juana Mordó con una tirada de 50 ejemplares. Consta de cuatro serigrafías de Eusebio Sempere estampadas por Abel Martín y cuatro poemas de Julio Campal, poeta uruguayo afincado en España y fallecido al año siguiente de la edición de la carpeta.

Libro Alarma (1976)
Se trata de un proyecto peculiar concebido por José-Miguel Ullán, Eusebio Sempere y Abel Martín, según una idea del primero. Sin llegar a ser una carpeta, pero tampoco una serie exenta, ocho serigrafías de Sempere ilustran los poemas visuales de Ullán que, como las serigrafías, fueron estampados por Abel.

Transparencia del tiempo (1977)
Esta cuarta carpeta de la obra gráfica de Eusebio Sempere fue editada por la galería Carmen Durango de Valladolid, como segundo número de la colección “Marzales. Monografías de artistas contemporáneos”.
Las cinco serigrafías que la componen fueron estampadas por Abel Martín entre los meses de febrero y abril de 1977, presentándose en otoño de ese mismo año en la galería editora. La edición constó de una tirada de 95 ejemplares, agrupados en carpetas que presentan las serigrafías junto con once páginas de texto que contienen cuatro poemas en prosa del poeta egipcio Edmond Jabès en versión castellana de José-Miguel Ullán.

La Alhambra (1977)
La quinta carpeta de obra gráfica de Sempere se comenzó a estampar en Madrid en 1972 y se dio por terminada en Barcelona, el 23 de diciembre de 1977. Fue editada por las fundaciones Rodríguez-Acosta de Granada y Juan March de Madrid, con la colaboración de la Fundación de la Alhambra de Granada. Consta de nueve serigrafías de Sempere estampadas por Abel y trece hojas de texto que incluyen el Pórtico del poeta Rafael Alberti y nueve fragmentos de casidas arábigo-andaluzas escritas por Ibn ‘Atiyya, Ibn Bayyā’, Ibn Sāra, Abū Bakr B. Hišām, Ibn Zamrak, Ibn Razin, Ibn al-Zaqqāq (con dos) e Ibn Šuhayd; en versión castellana realizada por los arabistas Emilio García Gómez y Emilio de Santiago Simón. La tirada fue de 110 ejemplares. Junto con las serigrafías se encartaron nueve diseños geométricos impresos a una tinta sobre papel vegetal realizados por Sempere en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, en 1972.

Homenaje a Gabriel Miró (1978)
Editada por la galería Italia de Alicante, la sexta carpeta de obra gráfica de Sempere se compone de ocho serigrafías estampadas por Abel Martín, un poema introductorio escrito por Gerardo Diego y ocho fragmentos de textos de Gabriel Miró, extraídos de sus obras Las cerezas del cementerio (1910), Niño grande (1922), Dentro del cercado (1916), Corpus y otros cuentos (1951), Nuestro padre san Daniel (1921), El humo dormido (1919, dos fragmentos) y La novela de mi amigo (1908), escogidos por Elena Escolano y Eusebio Sempere. La edición consta de una tirada de ciento diez ejemplares. 

La luz de los salmos (1980)
La luz de los salmos fue editada por el propio artista e incluye siete serigrafías que Abel Martín estampa sobre papel pergamino, un comentario de Juan Cantó Rubio y siete fragmentos bíblicos impresos en hebreo y en castellano, extraídos respectivamente de los Salmos número 17 (29), 18 (6), 28 (8), 49 (1), 77 (14), 111(4) y 134 (7), seleccionados por Sempere y Juan Cantó. Se realizó una tirada de noventa y siete ejemplares.

Cántico espiritual (1982)
Esta octava y última carpeta de la obra gráfica de Eusebio Sempere en vida, fue editada como la anterior por el propio artista. Concebida como un álbum que ilustra los textos de san Juan de la Cruz, está compuesta por siete serigrafías, con una presentación de Vicente Aleixandre (reproducción de una carta del poeta dirigida a Sempere y fechada en Madrid, 2 de junio de 1982) y siete fragmentos extraídos de las Canciones espirituales de fray Juan de la Cruz, en concreto de las Canciones 4, 11, 14, 15, 21, 32 y 35. Los textos de las canciones reproducen el manuscrito del poeta. Cántico espiritual se presentó al público el 17 de febrero de 1983, en el Museo de Bellas Artes de Santander, y el 31 de mayo, en la galería Tórculo de Madrid, coincidiendo con la presentación del catálogo razonado de la obra gráfica de Sempere que elaboró Fernando Silió.

 


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Evolución artística e influencias en Julián Casado

Por Javier Plaza Márquez

 

 Julian Casado

La Gran Cruz. 1998

 

Julián Casado fue teólogo, filósofo y artista constructivista. Si queremos comprender su evolución artística e influencias, tendríamos que destacar algunas etapas claras:

La primera es su niñez y cómo aprendió su depurada técnica con el gouache.

La siguiente comenzaría con su ingreso en el seminario y su vida como sacerdote, en la que se produciría el primer hecho fundamental que le obligaría a abandonar la pintura figurativa de carácter religioso, para posteriormente retomar la pintura religiosa en clave abstracta.

Una nueva etapa se iniciaría con el éxito en sus exposiciones. Su pintura ya no es de temática exclusivamente religiosa. Gracias a este éxito se traslada a Estados Unidos, donde  aprende a utilizar acrílicos con la misma técnica del gouache. El acrílico permanecería ya en toda su obra posterior.

Más adelante comenzará sus trabajos en forma de estudios sobre la luz y la variación del espacio pictórico, en las que tendrán una influencia decisiva tanto la filosofía de Xavier Zubiri como los postulados de Malevich.

 

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(Imágenes cortesía Javier Plaza Márquez y Elia Fernández)


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Joan Hernández Pijuan. Imatges del silenci- Bilder del Stille

Galerie Boisserée. Colonia

Del 21 de marzo al 28 de abril de 2018

Catálogo digital


Joan hernandez pijuan. imatges del silenci

Casa núvols i pluja sobre blau. 1990, Óleo sobre lienzo, 150 x 225 cm

(Imagenes cortesia familia Hernández Maluquer)

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Ha fallecido Venancio Blanco

El escultor Venancio Blanco (Matilla de los Caños del Río, Salamanca, 1923-Madrid, 2018) falleció el pasado 22 de febrero. Su obra se enmarca dentro de la corriente escultórica neofigurativa.

Fue director de la Academia Española de Bellas Artes en Roma, miembro de la  Real Academia de Bellas Artes de San Fernando,  de la Pontificia e Insigne Academia Artística dei Virtuosi al Panteón de Roma y de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla, entre otras.

Sus obras forma parte de las colecciones del Museo del Vaticano, Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, Museo Nacional de Arte Contemporáneo Reina Sofía de Madrid, Museo de Bellas Artes de Salamanca, Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, Museo de Bellas Artes de Amberes, Museo Nacional de El Cairo, Museo Nacional de Oslo, entre otras.

Su buen hacer en la docencia ha hecho que artistas de diferentes generaciones lamenten la desaparición de uno de sus maestros.

Más información:

Entrevista 10+UNA a Venancio Blanco

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Retospectiva de Jaume Rocamora

Proposta per a una col·lecció


jaume rocamora. proposta per una coleccio

 

La exposición, organizada y producida por el Museo de Tortosa,  presenta unas cuarenta obras fechadas entre los años 60 del siglo pasado y la actualidad. La selección, fruto de una mirada expectante al conjunto de la obra de Jaume Rocamora, presenta una serie de piezas que, a manera de colección, configuran la muestra.

La disposición de las obras en el espacio expositivo, distribuidas en pequeños conjuntos, tiene como objetivo propiciar el diálogo entre piezas de diferente cronología, y nos permite reflexionar sobre algunos de los aspectos que configuran el singular lenguaje artístico de Jaume Rocamora. Revisar  su obra  más allá de los parámetros temporales desvela algunos de los patrones de creación que se encuentran latentes a lo largo de su trayectoria.

Es este diálogo el hilo conductor que guía la el discurso expositivo y crea los diferentes ejes que estructuran la muestra: La esencialidad de la línea, El color como código constructivo, El trazo desnudo, Identidad, El arte de la combinatoria y Tratados de Artífice.

Las obras expuestas son propiedad del artista, algunas pero pertenecen a colecciones particulares y al mismo Museo de Tortosa. La pintura, el collage, el dibujo, el grabado y los libros de artista forman parte de la muestra, que presta una atención especial a las obras inéditas o menos conocidas. Todas ellas nos invitan a reflexionar y redescubrir aspectos poco conocidos del mundo creativo de Jaume Rocamora.

 

Jaume Rocamora nació el 6 de julio del año 1946 en Tortosa, donde ha vivido y trabajado de forma continuada a lo largo de su vida. En 1956, inició su formación artística en la Escuela Taller de Arte de Tortosa.

El año 1966 realizó su primera exposición individual al Círculo Artístico de la misma ciudad y llevó a cabo el primer viaje en París, que lo conectó con el mundo del arte internacional. Su formación se complementó en 1969 en las clases del Círculo Artístico Santo Lluc de Barcelona. El instinto y la motivación guiarán el aprendizaje con que Jaume Rocamora creará de manera continuada el poso de referentes culturales que lo han enriquecido y formato como persona y como artista.

Desde el año 1978 en qué presentó en el Ateneo de Barcelona Los Cartones y Rocamora, ha desarrollado, con lenguaje propio y desde la abstracción geométrica, una importante trayectoria artística. Ha expuesto en importantes salas, museos y espacios de arte de Cataluña como Arts Santa Mònica, al Museo de Montserrat o la Fundación Vila Casas y también al resto del Estado español. No ha dejado de lado la proyección internacional de su obra exponiendo en Francia, Italia, Estados Unidos, Inglaterra, Alemania u Holanda entre otros países.

De él afirma el comisario y crítico de arte francés Bernard Fauchille: "Son travail démontre une volonté rigoureuse d'explorer des domaines a l’écart des modes actuelles. Refusant de s'enfermer dans des recettes faciles, il a su varier son travail tout en restant fidèle à ses principes plastiques fondamentaux. De ce fait, par sa richesse, sa sensibilité subtile et sa précision, J. Rocamora m'apparaît comme une des meilleurs artistes espagnols contemporains." (Rytmhe & geometrie, 2016 Convent Cordeliers Châteauroux)

Texto facilitado por el Departamento de Cultura del Ayuntamiento de Tortosa


Jaume Rocamora

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Monika Buch. Movimiento Línea Color


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El pintor Albert Agulló ha fallecido

El pasado día 4 de febrero a los 86 años falleció el artista Albert Agulló (Elche, 1931). Su obra es un referente dentro del arte contemporáneo de la Comunidad Valenciana.

Formó parte del Grup d’Elx junto a los pintores Sixto Marco, Antoni Coll y Joan Castejón, un colectivo de artistas que surgió en Elche en 1965.

Como defensor de la pintura contemporánea siempre levantó su voz en favor del "ARTE con mayúsculas", como bien le gustaba nombrarlo y luchó contra todos aquellos poderes que quisieron desoír lo que su ciudad necesitaba en lo referente a la cultura.

Descansa en paz Albert.

albert agullo. coleccion ars citerior comunidad valenciana

Albert Agulló
Leve rumor de unas rayitas.
Homenaje a Eusebio Sempere
2004

 

Javier Martín

5 de febrero de 2018

 

 

 

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MONIKA BUCH. LÍNEA I MÒDUL


Sala Sempere. Museo de la Universidad de Alicante (MUA)

Inauguración: viernes 26 de enero de 2018 a las 18h.


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El principio Asia. China, Japón e India y el arte contemporáneo en España (1957-2017)

Del 8 de marzo al 24 de junio en la Fundación Juan March, Madrid.

Según nota de prensa de la Fundación Juan March la "exposición rastrea de un modo completo y sistemático el influjo de las culturas de China, Japón e India en el arte de la segunda mitad del siglo XX en España".  Esta exposición ha sido el resultado de un proyecto de investigación curatorial de la Fundación Juan March.

Se creará un portal digital para ver y consultar las entrevistas realizadas a una docena de artistas representados en la muestra, como Alfonso Albacete, Federic Amat, Enrique Brinkmann, Francisco Farreras, Luis Feito, Mitsuo Miura o José María Yturralde, entre otros.

 

Enrique Brinkmann. Estampa Japonesa, 2002.

(Imagen cortesía del artista)

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COLOR, COLOR, COLOR.

Del Manierismo al Arte Concreto

Pinturas de WALDO BALART


Museo del Greco. Toledo. Del 27 de enero al 1 de abril de 2018

 

 

Waldo Balart. color, color, color

 

La muestra estará formada por veintiuna obras del pintor Waldo Balart, y en ella podremos disfrutar de varios cuadros fundamentales dentro de la trayectoria del pintor de origen cubano instalado en Madrid desde los años sesenta.

Será una ocasión única para ver obras que hace muchos años que no han sido expuestas al público, entre ellas una serie de seis lienzos para la que el autor ha encontrado en el Museo del Greco el espacio adecuado.

Waldo Balart apunta un aliciente añadido para acudir a esta exposición: “Mi confrontación con los Grecos que estarán en el Museo en relación a cómo los artistas hemos utilizado la luz en nuestro trabajo, y la diferencia en el planteamiento de cómo la utilizamos como herramienta y como inspiración.”

 

 

Del Manierismo al arte concreto. Waldo Balart

Proposición: del azul al violeta: cuadrados naranja y marillo

Serie Estructura de luz. 1985

Acrílico sobre tabla.  79 x 123 cm.

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Eusebio Sempere  en el MNCARS

Del 9 de mayo al 27 de septiembre de 2018

Comisarios: Belén Díaz de Rábago, Carmen Fernández Aparicio, Manuel Borja-Villel

Nota del MNCARS

El Museo Reina Sofía presenta una retrospectiva de Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923-1985), una de las figuras más significativas del arte español del siglo XX, que comparte escenarios e ideas del arte cinético y se caracteriza por una poética basada en la luz y el color; como escribió el crítico de arte y ensayista Vicente Aguilera Cerni, el suyo: “es un arte a la vez concreto, poético, lógico e incluso, urbanístico”. La muestra reúne alrededor de 170 obras: acuarelas, gouaches, relieves luminosos, collages, pinturas, móviles, esculturas y proyectos interdisciplinares, además de un apartado documental que abarca desde 1949 a principios de la década de 1980. En la trayectoria artística de Sempere su larga estancia en París durante la década de los cincuenta marca un punto de inflexión. Allí participa en varias ediciones del Salon des réalités nouvelles, donde en el verano de 1955 expone sus relieves luminosos móviles y un manifiesto en el que se refiere a la luz como el elemento con el que construir un diálogo poético a través del tiempo. El mismo año de la presentación de estas obras claramente cinéticas, había tenido lugar la exposición Le mouvement en la galería Denise René, considerada el origen del arte óptico y cinético. Su progresivo interés por el arte de vanguardia en España y las dificultades de la vida en París, llevan a Sempere a instalarse en Madrid en enero de 1960, en pleno auge del informalismo. Como integrante del Grupo Parpalló expone ese año en la Primera exposición conjunta de arte normativo español y tiene en el mencionado Aguilera Cerni uno de sus primeros apoyos; participa también en la XXX Bienal de Venecia (1960) y en la VI Bienal de São Paulo (1961); en 1963, con una beca de la Fundación Ford, viaja por Estados Unidos, exponiendo en 1964 y 1966 en la galería Bertha Schaefer de Nueva York. Durante esos años, la Galería Juana Mordó le representa y le dedica una muestra retrospectiva en 1965; Fernando Zóbel le incluye en la inauguración del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, en 1966. Esta exposición comienza con un conjunto de acuarelas abstractas relacionadas con la obra de Vassili Kandinsky y Paul Klee, que dan paso a una amplia representación de los gouaches realizados en París, obras geométricas de expresividad contenida en el trazo y una especial sensibilidad por la luz y el espacio; junto con una selección de los relieves luminosos en los que empezó a trabajar en 1955. Más adelante, se atiende a los diferentes intereses que centran el trabajo de Sempere desde su regreso a España a través de una selección de pinturas al gouache sobre tabla y papel, collages realizados con cartulinas y escultura en metal, desarrollada desde mediados de los años sesenta. Asimismo, se muestran sus trabajos interdisciplinares, como Proyecto de música electrónica (1967), que realiza con el grupo ALEA de Luis de Pablo; los seminarios de Análisis y Generación Automática de Formas Plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, entre 1969 y 1972; las exposiciones Antes del Arte. Experiencias ópticas perceptivas estructurales, que organiza Aguilera Cerni en Valencia y Madrid en 1968, y Proyecto IBM, planteado como una escultura de arte total, en colaboración con Cristóbal Halffter y Julio Campal.


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