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Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
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Documentos de introducción
 Introducción de Javier Martín 
 Introducción de Ana Álvarez 
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Ars Citerior

UN LUGAR INVENTADO-AN INVENTED PLACE


Un lugar inventado. Waldo Balart. Monika Buch

Inauguración: lunes 25 de Febrero a las 19h


Deriva o, tal vez, exilio, un lugar inventado para la geometría.    Antes que líneas o planos, formas o colores, ilusiones de la materia, Un lugar inventado presenta una singular reunión de artistas de diversas generaciones y países cuyo encuentro propone una reflexión sobre la poética del espacio o, en un sentido más amplio e intenso, en torno a los signos, una meditación de las formas y el espacio. “Bajo el signo del rigor geométrico”, en palabras de Juan Manuel Bonet, una cierta metafísica de la geometría, el gran espacio cósmico, en palabras de Paul Klee.  En todo caso, el arte, un diálogo misterioso con el Universo, merece, también, el enigma como respuesta.

Son los artistas: Waldo BALART (Banes, Cuba, 1931); Monika BUCH (Valencia, 1936); José María CRUZ NOVILLO (Cuenca, 1936); Sabine FINKENAUER (Rockenhausen, Alemania, 1961);  Beatriz OLANO (Medellín, 1965) y Cesar PATERNOSTO (La Plata, Argentina, 1931).

Es la propuesta que el comisario, Alfonso de la Torre, promueve para la 15ª edición de este consolidado programa de intervenciones en los escaparates de “El Corte Inglés” promovido por “Ámbito Cultural” y que cuenta con la colaboración del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte (Promoción del Arte), Ayuntamiento de Madrid y Comunidad de Madrid.    Contará con la colaboración en la escritura de Juan Manuel Bonet.

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MONIKA BUCH 70´s

Galería Rafael Ortiz, Sevilla

Inauguración 17 de enero de 2019 a las 20h30.

Abierta hasta el 7 de marzo


La Galería Rafael Ortiz presenta algo más de una veintena de obras de la artista geométrica Monika Buch (Valencia, 1936) realizadas en la década de los setenta. Época de trabajo intenso, cuando, tras diez años sin pintar, la artista tenía inquietudes investigadoras, siempre dentro de la línea y el módulo y contando con el poso que dejó su paso por la Escuela de Ulm. La obra más antigua que se presenta en esta muestra data de 1973 y se trata de una tabla donde Buch se centra en el estudio de la interrelación forma-color. La verdadera gran eclosión de su trabajo fue en 1975, con una amplia realización de tablas de 48 x 48 cm., algunas de ellas de carácter óptico-cinético. El papel es el segundo de los soportes sobre el que trabajó durante estos años, principalmente de 1976 a 1979, en composiciones realizadas con acrílico muy diluido donde consigue un trabajo exquisito de formas modulares, algunas de ellas cinéticas y otras dentro de las denominadas figuras imposibles. Monika Buch explica del siguiente modo la producción realizada en esos años: “En el trabajo que hago desde 1972 (desde que terminé mis estudios en la universidad de Utrecht) son sobre todo las gamas de colores las que predominan. Los colores pasan casi siempre de claro a oscuro o viceversa. La diferencia entre un color y el siguiente no se pueden percibir directamente, ya que la diferencia es mínima. Si hay algún salto este se puede ver solamente cuando has hecho los pasos siguientes. Para determinar la diferencia entre un color y el siguiente utilizo un elemento geométrico pequeño con el que construyo una estructura o un diseño geométrico, para esto encuentro inspiración en la geometría dinámica de Hermann von Baravalle”.

 

 

Sin título, Gouache / papel, 1976. 50 x 62 cm.

 

La obra de Monika Buch se fundamenta en lo que aprendió en la HfG. En palabras de la propia artista: “Siempre parto de una idea o una pregunta que quiero resolver. Me interesa la percepción: qué es lo que veo y porqué, por eso me gusta trabajar en un tema con variaciones. La estética es importante pero muchas veces más en un segundo plano. Una obra puede ser bella o agradable de ver, pero para mí tiene que tener algo más, algo interesante que te llama la atención o que atrae tu mirada cada vez y quieres descubrir lo que te inquieta”.

 Javier Martín

 

 

Sin título, Gouache / papel, 1979. 50 x 50 cm.


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Monika Buch 70´


Monika Buch 70´

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Marlon de Azambuja. Medio Cuerpo

 

MARLON DE AZAMBUJA
Medio Cuerpo
curated by Agata Rodríguez
11.01 - 3.03.2019
Arsenal Municipal Gallery, Poznan
 
Marlon de azambuja. medio cuerpo
(Imagen cortesía del artísta)
 

 

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CARLES SANTOS en la Sala S. Miguel

 

 

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Pedro José Pradillo. Ecce-Homo. A propósito de F. Nietzsche

 

Biblioteca Pública de Guadalajara

Plaza de Dávalos

Del 4 al 31 de enero de 2019

 

Pedro josé Pradillo.Ecce-Homo. A propósito de F. Nietzsche

La Gaya Ciencia (Die Fröhliche Wissenschaft)
Caja-collage, 31,4 x 25 x 9,5 cm.
Técnica mixta y objetos encontrados, 2017

 

Miércoles 9 de enero, 19,15 horas, conversación con el artista: Fernando Toquero moderará el encuentro entre Pedro José Pradillo y José Miguel Muñoz Jiménez, especialista en arte contemporáneo.

La Biblioteca Pública de Guadalajara presenta ECCE–HOMO, una muestra de ensamblajes –esculturas, cajas y relieves– de Pedro José Pradillo inspirados en las ideas y en la poética del filósofo alemán.

 

La Historia Oficial (Die Offizielle Geschichte)
Relieve-collage, 122 x 83 x 4,5 cm.
Técnica mixta y objetos encontrados sobre tablex, 2017

 

Nota de Prensa

Friedrich Nietzsche es uno de los sabios más influyentes en el pensamiento occidental y que más ha impactado en el desarrollo de las tendencias estéticas a lo largo de todo el siglo pasado. Quizás, por ello, en los albores de la nueva centuria es preciso acercarse una vez más a sus escritos para redescubrir caminos ya trazados, pero, ahora, ocultos tras la espesura de la maleza criada bajo el sol resplandeciente de la sociedad neoliberal: “El juicio bueno no emana de ningún modo de aquellos a quienes se prodigó la bondad”.

Pradillo, como Zaratustra –alter ego de Nietzsche–, se ha instalado en un desierto imaginario rodeado de objetos encontrados para crear una colección de obras de pequeño formato –cajas-relicarios– y de grandes dimensiones –collages-relieves– en la que, como aquél, propone la negación del sentido transcendente de los grandes ideales de la sociedad de consumo, formulando metáforas iconográficas con un marcado carácter a-racional. Así, aún pareciendo composiciones de filiación surrealista, prevalece el sentido narrativo y el enunciado retórico desacralizado.

Estas cajas y relieves, resultado de la adición de objetos dentro y sobre contenedores elaborados por él, nos invitan una vez más a citar a Nietzsche: “El autor debe callarse [y nosotros] cuando su obra empieza a hablar”.  

 

Gloria y Eternidad (Ruhm und Ewigkeit)
Relieve-collage, 122 x 122 x 23 cm.
Técnica mixta y objetos encontrados sobre tablex, 2017

(Imágenes cortesía del artista)

 


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Estimados amigos:

Desde la revista digital Conservar el arte contemporáneo español te deseamos felices fiestas y un venturoso 2019, en el que seguiremos informándote de lo acontecido en el panorama de las artes plásticas. Recibid un cordial saludo de todo el equipo.


Abel Martín. Familia de curvas empolares, 1969

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SEMPERE ÚLTIMO

 

Por Javier Martín

(Texto publicado con motivo de la edición de la revista Canalobre 69. Atlas Sempere)

 

Intentar dar un poco más de luz de los últimos años (1980-1985) que vivió Eusebio Sempere, es hablar de una vuelta a la temática del paisaje, de la edición de su carpeta de serigrafías más luminosa, y de escultura en diferentes formatos. Todo ello marcado por su enfermedad y la toma de conciencia de su propio final.

Abel Martín fue el único testigo que a diario acompañó y colaboró con Sempere, tanto por ser el amigo fiel durante más de veinticinco años, como por propia decisión del pintor de Onil, al no querer que nadie más se ocupase ni de su obra ni de los cuidados que a diario necesitaba a consecuencia de su enfermedad. En el presente texto haré referencia a aspectos  vividos en propia persona y a hechos que me fueron narrados por el propio pintor o por Abel Martín.

 

1980

Los reconocimientos oficiales por su trayectoria comenzaron en la nueva década al serle concedida la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, que le fue impuesta el 29 de mayo, en el Museo del Prado, por el rey Juan Carlos I.

Se publicó la obra «Sempere», escrita por su amigo y crítico Julián Gállego. Edición a cargo de la Galería Theo, libro referente para conocer los trabajos semperianos realizados en la década de los setenta, gracias a las numerosas reproducciones que contiene.

El cinco de marzo se inauguró, en la Biblioteca Nacional de Madrid, dependiente de la Dirección General del Patrimonio Artístico, Archivos y Museos del Ministerio de Cultura, la «Exposición antológica (1946 -1979)», una muestra con ciento setenta piezas. Coincidiendo con esta exposición retrospectiva-antológica, escribió Sempere:Ha de pasar mucho tiempo para que la pintura pueda ser juzgada con un mínimo de ecuanimidad. Y hasta es posible incluso que la gente del mañana sea muy benévola con mis creaciones.[1]

En lo referente a su producción, el artista de Onil tuvo un año intenso principalmente en el campo de la serigrafía. Tras una selección de las lecturas del salterio, edita la carpeta «La luz de los Salmos», donde el misticismo alcanza altas cuotas gracias a la maestría en el manejo de la luz que sale del interior de cada una de las estampaciones.

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Fallece el artista geométrico Manuel Calvo

Manuel Calvo Abad (Oviedo, 1934 - Madrid 2018), pintor y escultor geómetra, falleció el pasado 25 de octubre.

La Galería José de la Mano se ha ocupado en estos últimos años de exponer y difundir su obra. Los interesados en la abstracción geométrica recordamos la muestra que dicha galería realizó en 2014: "El silencio. La pintura en blanco y negro de Manuel Calvo (1958-1964)".

 


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Sempere en el CADA

 

Eusebio Sempere. coleccion ars citerior

El Centre d'Art d'Alcoi (CADA), sede del IVAM en Alcoi, inaugura el próximo viernes 16 de noviembre la retrospectiva de Eusebio Sempere (Onil, 1923-1985), organizada por el Museo Reina Sofía de Madrid.  Para esta ocasión se mostrarán al público unas 170 obras del artista cinético. La exposición está comisariada por Carmen Fernández Aparicio, Belén Díaz de Rábago y Manuel Borja-Villel. Permanecerá abierta hasta el 3 de febrero de 2019.


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Waldo Balart. Estética de la existencia

Obra de cuatro décadas

Galería Roy , Felanitx (Mallorca)

Inauguración sábado 24 de noviembre a las 17h

Exposición abierta hasta el 10 de febrero de 2019

Waldo Balart. Estética de la existencia

 

 

Waldo Balart define su obra como “sistemática y concreta”. Considera que el arte es un compromiso ético con la vida a través de la estética, en la cual la forma y la estructura en la obra de arte ofrecen el rigor y el color, la fantasía.

Artista de series desarrolladas a lo largo de más de cinco décadas, su actividad plástica es inconsciente y compulsiva. A posteriori, y tras un tiempo de reflexión sobre la obra ya terminada, es capaz de reconstruir el proceso ideológico que ha seguido su mente.

Su idea concreta es una manera de concebir el mundo en el que quiere vivir, por lo que ha despojado de su vida y de sus obras todo lo accesorio y banal, para quedarse solamente con lo esencial, adquiriendo un compromiso ético con la vida basado en el rigor.

Llama a sus lienzos  “Proposiciones” en consonancia a las ideas de Wittgenstein y ha trabajado siempre en series, entre otras: “Lienzos sobre lienzos”, “Paisajes urbanos”, “Cajas”, “Conjuntos no vacíos”, “Injerencias” y “Nudos”. Siempre dentro de la abstracción concreta, alejada de cualquier referencia a nuestro entorno.

Para su trabajo ha creado un sistema basado en un “orden axiomático” del 1 al 8, en el que cada número representa a un color del espectro de la luz y que denomina “Desarrollo cromático del código del espectro de la luz (CEL)” y que utiliza en la confección de cada serie.

 

Waldo Balart. Estética de la existencia. ars citerior. una manera de veure

Longing for the Caribbean. 1998. Acrilico / lienzo. 150 x 150 cm.

 

Exiliado de Cuba tras el ascenso al poder de Fidel Castro, se traslada a Nueva York, donde se relaciona con el mundo cultural más emergente. A principios de los sesenta realiza importantes exposiciones individuales, en la Studio Gallery de Washington DC, en la Galerie Iris Clert de París y en la Graham Gallery de Nueva York, entre otras. Más tarde se traslada a  Madrid, donde entra en contacto con los pintores geométricos del momento, y expone en 1972 en el Museo Español de  Arte Contemporáneo.

Con los años, su proyección internacional ha ido en aumento, tras haber expuesto en centros de arte y museos como el Centro Cultural Mies van der Rohe (Berlín), Paksi Képtár de Paks (Hungría), Vasarely Museum (Hungría), Museum Modern Art Hünfeld (Alemania), Museum für Konlret Kunst Ingolstadt (Alemania) y Art Museum at Florida International University de Miami (Florida, EE.UU.).

Sus investigaciones sobre la luz y el color en la plástica le han proporcionado un espacio propio dentro de la historia del arte concreto.

Javier Martín

 

Waldo Balart. Estética de la existencia. ars citerior. una manera de veure

C.IV., 1.4.6.7., 55º. 2007. Acrílico / lienzo. 60 x 60 cm.

 

 

 


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En el jardín. Javier Victorero

 

Museo de Bellas Artes de Asturias. Palacio de Velarde (Planta 0)

Abierta del 20 de septiembre – 23 de diciembre de 2018,

 

javier victorero.en el jardin

En el jardín V. 2016. 195 x 114cm.

 

Nota de Prensa del Museo de Bellas Artes de Asturias

En el jardín reúne un conjunto de  obras realizadas en los últimos años por el artista Javier Victorero (Oviedo, 1967), a través de las cuales trata de establecer una analogía entre el arte y el jardín pero, también, entre el pintor y el jardinero. La característica principal que relacionaría ambos mundos sería la capacidad del  arte para ordenar el caos, al igual que hace el jardinero en su jardín conteniendo la naturaleza salvaje.

La muestra aglutina una veintena de pinturas, varias cerámicas, obra escultórica y sonido. Una experiencia, por lo tanto, completa para adentrarse en este mundo coincidente del arte y el jardín.

Javier Victorero es una de las revelaciones de la pintura española de los últimos quince años. Además de haber recibido el elogio de importantes críticos, Victorero ha sido seleccionado en los principales certámenes españoles obteniendo, entre otros, el Premio de la Junta General del Principado. Su obra está presente en importantes colecciones públicas y privadas.

 

Javier Victorero: en la noche resiste (fragmento)

Por Alfonso de la Torre

Tienta Victorero una pintura que es siempre de vocación trascendente, poblada ahora por una cierta oblicuidad de la mirada, mundo de fugas angulares a lo Olle Bærtling, formas desplazadas entre celosías, redes o tramas (en la serie “El sueño del jardinero”) y grafías zigzagueantes de “En el jardín”, restallantes tal peces dorados, como haciendo patente la necesidad de detenernos para contemplar. Con aire de fuga, como en el hermoso políptico movido “En el jardín VI” (2018). Racimos de líneas que parecen siempre brotar, erigirse desde el fondo de la pintura antes que representar formas trazadas sobre la superficie. Como espejos que se alejan, en ocasiones sus formas adquieren complejidad, todo contenido en todo lo demás, como buscadoras del lineaje de su sistema de signos10, emuladoras del brote de formas hasta alcanzar la tentativa tridimensional.

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 (Agradecemos a Alfonso de la Torre la autorización para reproduir su texto)

 

javier victorero

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