Leyendo cuadros. Mirando historias


>> Listado de todos los relatos publicados 

Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
Postludio
VER

Documentos de introducción
 Introducción de Javier Martín 
 Introducción de Ana Álvarez 
 Listado de autores 

Login

Ars Citerior

Julián Casado. Humanismo y Abstracción Geométrica


Museo Francisco Sobrino. c/ Cuesta del Matadero, 5. Guadalajara

Inauguración viernes 5 de octubre a las 19h. Hasta el 25 de noviembre.


Julián-casado-abstraccion geometrica-humanismo

Espacio para Lady Macbteh, 1994. Acrílico sobre lienzo, 135 x 135  cm.


La presente exposición nos muestra una serie de trabajos en acrílico sobre lienzo, realizados desde 1972 hasta 1994, y que abarcan buena parte de la evolución pictórica de Julián Casado.

La técnica, aprendida de niño con el gouache en la Real Fábrica de Tapices, sería más tarde trasladada por Casado a la pintura acrílica. Delgadas líneas rectas de color, casi milimétricas, a las que añadía sucesivamente una gota más para conseguir la transición cromática y lumínica buscada

La elaboración de los cuadros comenzaba con una concienzuda planificación. Dotaba así de sentido a las distintas evoluciones cromáticas, inscribiendo figuras geométricas en el espacio plástico acotado, y que en función de la incidencia de la luz, conformarían espacios visivos distintos. Todo ello inferido a través de un discurso espiritual y filosófico complejo, con sentido pleno, y que convertiría toda su obra en una continua investigación sobre la luz.

Nos hayamos pues, ante un artista exquisito, con una elaboración extremadamente refinada y perfeccionista, capaz de mostrarnos con sus obras un inmenso espacio espiritual abstracto, de lógica filosófica bien fundamentada, de enorme conocimiento, y en definitiva, de excepcional e indiscutible belleza. 

  Javier Plaza Márquez

Julián-casado-abstraccion geometrica-humanismo


Add a comment (0)

Juan Cuélllar. HEIMLICH


Galería My Name's Lolita Art

Inauguración 27 de septiembre a las 20h


juan cuellar.heimlich.coleccion ars citerior

Heimlich N1. 2018. Óleo / lienzo. 130 x 130 cm.

(imagen cortesía del artista)


Nota de Prensa

La Galería My Name´s Lolita Art expone, en su inicio de temporada,  el último trabajo del pintor Juan Cuéllar (Valencia, 1967). Bajo el título HEIMLICH, el artista presenta una serie de obras, realizadas en óleo sobre lienzo, las cuales son consecuencia directa de su trabajo anterior, que titulado DISTOPÍA, fue exhibido en La Nau, Sala Oberta, de la Universitat de València.

En HEIMLICH, el artista se adentra en el concepto de “extrañeza inquietante”. Según Freud, la palabra alemana Unheimlich (siniestro) es la negación de heimlich, que significa íntimo, familiar, hogareño, amable, refiriéndose a la sensación de espanto que puede provenir de las cosas conocidas y familiares. Por ello, las imágenes que componen la muestra pueden resultar usuales y corrientes, pero a su vez aportan un desasosiego al observar ciertos elementos visuales que rompen, desplazan bruscamente e, incluso, deforman la lógica habitual, dirigiéndola hacia un efecto narrativo opuesto.

 

juan cuellar.heimlich.coleccion ars citerior

La noche blanca. 2018. Óleo / lienzo. 130 x 130 cm.

(imagen cortesía del artista)



En la muestra que presentamos, el espectador observará escenas cotidianas, como un día de feria, o escenas familiares íntimas junto a invitados con capuchas que nos recuerdan al Ku Klux Klan y que refuerzan el sistema de despersonalización. En estas obras, la identidad grupal sustituye y suprime a la individual, en la que Juan Cuéllar consigue transmitir una sensación inquietante e incómoda.
Junto a estos temas también nos encontraremos con paisajes donde, mediante recortes de la imagen tradicional, el pintor nos ofrece una visión incompleta que nos altera su representación, la cual  se reconoce imperfecta e ineficaz, desde el punto de vista de la lógica usual e infrecuente, pero que le imprime un efecto estético excepcional.

Juan Cuéllar representa el complicado mundo freudiano con su tono de humor característico y en su renovado estilo “pop” valenciano, del que es uno de sus herederos más insólitos.
 

 


 

 


Add a comment (1)

Adjuntos:
Descargar este adjunto (catálogo.pdf)catálogo.pdf[ ]349 Kb

Robert Ferrer i Martorell. El proceso de la forma


Robert Ferrer i Martell. el proceso de la forma



Robert Ferrer i Martell. el proceso de la forma

VISLUMBRAR UN PROCESO

Jacobo Fitz James Stuart


Laberinto

Como galerista soy testigo de la enorme distancia que hay entre un artista y su público, entre el que fabrica y el que contempla o adquiere.

El artista vive en un perpetuo proceso, una vez la obra está acabada, la incubación concluye momentáneamente y la obra cobra una vida propia, contingente, ajena a las intenciones de su creador. La obra puede ser enaltecida, banalizada, maltratada, compartida, puede ser fuente de pensamiento, disfrute, vanidad o especulación financiera. Para mantener la cordura un artista debe soltar a sus hijos y aceptar que una vez han alcanzado la madurez comienzan una nueva vida, un nuevo laberinto.

Cuando una obra se termina lo importante es la semilla de la siguiente y es ese camino de pensar, hacer y crear donde palpita la medula de aquello que, a falta de un término mejor, llamamos arte.

 

El Silencio

Hace ya seis años del Silencio de la luz, la primera exposición de Robert Ferrer en Espacio Valverde. Conocer a Robert en profundidad me llenó de asombro y un leve asomo de terror; todo lo tenía medido, pensado, previsto, desde la ubicación de las obras en el espacio, las herramientas necesarias, las cartelas cortadas a láser… Todo estaba hecho a mano por Robert pero el acabado era tan pavorosamente impecable que uno era incapaz de encontrar un defecto, una bolita de pegamento, un nudo mal atado, el resultado era sencillamente perfecto. (Más tarde Robert me contó que pertenecía a una estirpe de gente ultra-meticulosa, una familia de ópticos, orfebres y cirujanos de la materia que durante mucho tiempo le consideraron el chapuzas de la familia, el desviado, el artista.)

En cierto sentido Robert Ferrer estuvo tan pendiente de todo durante el montaje de El Silencio de la luz que me hizo sentir superfluo. Y, sin embargo, una vez colgada la exposición dentro de la galería comenzamos a armar una instalación que recorría todo el edificio y que requería de grandes artilugios suspendidos del balcón del vecino junto con millones de pequeñas partículas, del tamaño de un posavasos, que flotaban con miles de hilos invisibles a lo largo del paso de carruajes y el patio de Valverde.

Fueron tres días de escaleras, resolución de problemas y muchos, muchos nudos y yo pensé que en aquel momento estaba viviendo algo especial, algo que solamente yo tenía el privilegio de recibir; estaba participando del proceso de materialización de una gran obra.

Soy consciente de que lo que vivía era el último paso de una larga secuencia, (ideación, maquetas, preparación de materiales, etc., etc.) pero esos tres días, codo con codo con Robert, atando y desatando nudos, me ayudaron a vivir la exposición de otra manera, me hicieron vislumbrar el proceso.

 

El Proceso

Vislumbrar el proceso de una gran obra es lo que Robert Ferrer tan generosamente nos brinda en esta exposición: mostrando los planos, las maquetas e instantáneas de distintos momentos en los que se puede apreciar como los aluminios se van desplegando hasta alcanzar su equilibrio y potencia poética.

Una de las particularidades de Robert Ferrer es la importancia que le da al trabajo manual. Esa frescura tan singular que tiene su obra dentro de una tradición tan analítica como la geometría está directamente relacionada con el pensamiento de la mano, con esa férrea voluntad de manufacturar él mismo todas y cada una de sus obras.

Por eso invito a todo aquel que tenga la fortuna de estar disfrutando de esta exposición a contemplar todas y cada una de sus partes no solamente como las fases abstractas de un proyecto sino como el desenvolvimiento manual de alguien que dobla, apunta, corrige, compara, sujeta, pega y manipula el espacio.

Nuestra mente cada vez más informatizada olvida aquellos ámbitos en los que el resultado no es la mera ejecución de un plan. Al igual que un ser vivo es algo más que el desarrollo matemático de sus genes, en el arte es muy importante todo lo que ocurre en medio.

Es ese lugar misterioso que hay entre la intuición y la manipulación, entre el plan y el resultado donde nacen y se despliegan nuevos mundos, es ahí donde radica la diferencia entre técnica (τέχνη) y tecnología.

Robert trabaja siempre mediante el desarrollo de familias en las que una nueva idea aparece, permuta, se multiplica, se desarrolla y da lugar al nacimiento de una nueva familia. Todo esto ocurre con un tempo muy particular, con sus variaciones, escalas y leitmotivs.

Tras un recorrido multidimensional sobre las diferentes procesos creativos concluimos el recorrido con la obra, la única obra sobre la que órbita esta exposición en concreto. Contemplándola, uno se imagina que alguien ha abierto un espacio en la pared para mostrar aquello que estaba oculto. Junto a las aberturas espaciales y cromáticas, unas finas líneas de aluminio oscilan en equilibrio inestable con la lentitud e intensidad de una perpetua búsqueda de significado.

La geometría, al igual que la música, cifra a mí entender un gran misterio que pone en juego matemática, percepción, sentimiento e intelecto; quizá por eso Schopenhauer argumenta que si lográramos resolver el enigma de la música, resolveríamos el enigma del universo.

Comprender por qué la ligera inclinación de un cuadrado sobre otro puede hacernos vibrar está más allá de nuestro alcance y quizá es mejor que así sea. Las manos de Robert como las de un pianista, saben, exploran y comparten un universo en el que podemos, temporalmente y en silencio, repensarlo todo de nuevo.

Un cordial saludo desde Madrid.

(Agradecemos a Jacobo Fitz James Stuart la autorización para reproducir el presente texto)


 


Add a comment (1)

Monika Buch en R.O Proyectos

 

Monika Buch. Rafael Ortiz. R.O Projets

S/T. Acrílico / tabla. 1976. 48 x 48 cm.

 

MONIKA BUCH 70´s

 Lugar:  R.O Proyectos. c/ Huertas 61. Madrid

Inauguración: Jueves 13 de septiembre a las 19,30 h.

Hasta el 15 de diciembre de 2018.

 

Para el espacio RO Proyectos, el galerista Rafael Ortiz ha querido centrarse en la producción que Buch realizó en la década de los setenta, época de trabajo intenso, cuando, tras diez años sin pintar, la artista tenía inquietudes investigadoras, siempre dentro de la abstracción geométrica y contando con el poso que dejó su paso por la Escuela de Ulm. La obra más antigua que se presenta en esta muestra data de 1973 y se trata de una tabla donde Buch se centra en el estudio de la interrelación forma-color. La verdadera gran eclosión de su trabajo fue en 1975, con una amplia realización de tablas de 48 x 48 cm., algunas de ellas de carácter óptico-cinético. El papel es el segundo de los soportes sobre el que trabajó durante estos años, principalmente de 1976 a 1979, en composiciones realizadas con acrílico muy diluido donde consigue un trabajo exquisito de formas modulares, algunas de ellas cinéticas y otras dentro de las denominadas figuras imposibles. Monika Buch explica del siguiente modo la producción realizada en esos años: “En el trabajo que hago desde 1972 (desde que terminé mis estudios en la universidad de Utrecht) son sobre todo las gamas de colores las que predominan. Los colores pasan casi siempre de claro a oscuro o viceversa. La diferencia entre un color y el siguiente no se pueden percibir directamente, ya que la diferencia es mínima. Si hay algún salto este se puede ver solamente cuando has hecho los pasos siguientes. Para determinar la diferencia entre un color y el siguiente utilizo un elemento geométrico pequeño con el que construyo una estructura o un diseño geométrico, para esto encuentro inspiración en la geometría dinámica de Hermann von Baravalle”.

 

 

Monika Buch. Rafael Ortiz. R.O Projets

S/T. Acrílico / papel. 1975. 50 x 50 cm.

 

La obra de Monika Buch se fundamenta en lo que aprendió en la HfG. En palabras de la propia artista: “Siempre parto de una idea o una pregunta que quiero resolver. Me interesa la percepción: qué es lo que veo y porqué, por eso me gusta trabajar en un tema con variaciones. La estética es importante pero muchas veces más en un segundo plano. Una obra puede ser bella o agradable de ver, pero para mí tiene que tener algo más, algo interesante que te llama la atención o que atrae tu mirada cada vez y quieres descubrir lo que te inquieta”.

 Javier Martín

 

 

Add a comment (0)

No somos todas las que estamos, ni estamos todos los que somos

Nota de la oragnización

Sábado 20 de octubre. 12:00-20:00 h

El estudio de la artista Montse Gómez Osuna abre sus puertas para acoger la primera edición del Gabinete de Resistencia: una propuesta artística colectiva pensada desde lo fragmentario, lo experimental y lo emocional. Reformulando el concepto tradicional de gabinete artístico, se pretende mostrar un cierto mapa de la creación contemporánea española actual donde, de forma intencionada, se invita a adentrarse en un contexto de múltiples visiones creativas.

Sin más baluartes que la calidad y la diversidad artísticas, se parte de una actitud elástica y una concepción libre y práctica, alejadas de los relatos firmes, apriorísticos o sistemáticamente ordenados, con el único condicionamiento del pequeño o medio formato listo para colgar. 22 mujeres y 22 hombres, casi medio centenar de artistas que presentan sus imaginarios e investigaciones particulares, insistiendo en el respeto a su marco de trabajo previo y sin pretender adaptar o encajar las obras en discursos impostados. Si se buscan más referencias, este gabinete quizá podría sentirse próximo al “caos estructurado” y a la importancia de la exposición como experimento vivo de H. Szeemann, subrayándose que no están todas ni todos los creadores porque precisamente es un proyecto dinámico con vocación de continuidad y crecimiento, basado en la creencia de la riqueza que aporta la heterogeneidad compartida.

Una cita excepcional con la participación de Ángeles Agrela, Alfredo Alcaín, Gerardo Aparicio, Illán Argüello, María Ángeles Atauri, Javier Ayuso, Eduardo Barco, Marta Barrenechea, Sebastián Beyro, Isidro Blasco, Carlos Cartaxo, Clara Carvajal, María Chaves, Julio Falagán, Le Frère, Miguel Ángel Fúnez, Guillermo Lledó, Chus García-Fraile, Esther García Urquijo, Matilde Gómez Osuna, Montse Gómez Osuna, David Heras Verde, Sofía Jack, Elena Jiménez, Diana Larrea, José Luis López Moral, Raquel Lorente, Che Marchesi, Patricia Mateo, Patricia Mayoral, Alicia Moneva, Teresa Moro, Rosa Muñoz, Ángela Nordenstedt, Jonathan Notario, Guillermo Peñalver, Sandra Rein, Rubén Rodrigo, Julio Sarramián, Óscar Seco, José Luis Serzo, Alfonso Sicilia Sobrino, Mar Solís y Cristina Toledo.

Próximamente, se irán mostrando las obras seleccionadas por los artistas.

La resistencia la aportan los propios artistas, por continuar creando pese a la precariedad que caracteriza al sector cultural, por seguir proyectando declaraciones artísticas a pesar de los mecanismos de los circuitos del arte contemporáneo donde, las numerosas imposiciones del poder, lo hacen tan complejo; resistencia entendida como voluntad creadora. Igualmente, la iniciativa que motiva el propio gabinete proclama la resistencia, aspirando a constituirse en un enclave nuevo de promoción y difusión del arte, un espacio propicio para el tan escaso y anhelado coleccionismo de nuestro país; resistencia, ahora, entendida como la acción colectiva ante la adversidad.

Cuestionar lo que somos y cómo vivimos gracias a una suerte de reunión de complicidades, donde caben las confluencias, las tensiones y las contradicciones, y de las que seguro nacen nuevos diálogos: feliz cruce de caminos. En este extraño tiempo de postverdades infinitas, del ingente y siempre insatisfactorio consumo de imágenes, el Gabinete de Resistencia es una propuesta donde se despliegan los relatos libres de los artistas, bajo una invitación, tan sencilla como honesta, a descubrirlos, y disfrutarlos, sin guiones.

Un proyecto de Montse Gómez Osuna, Fueradcarta ediciones (Patricia Mateo y José Luis López Moral) y FAC Feria de Arte en Casa (David Heras y Sara Zambrana). Patrocinado por PAC Plataforma de Arte Contemporáneo, Revista BEIS y 100% México.

I Gabinete de Resistencia

Sábado 20 de octubre de 2018 – 12:00 a 20:00 h

Estudio de Montse Gómez Osuna

Ronda de la Avutarda, 17, Madrid (28043)

Add a comment (0)

Federico Herrero-Joan Hernández Pijuan

 

joan hernandez pijuan-federico herrero

Add a comment (0)

HUELLAS. Homenaje a Albert Agulló

 

Huellas. Homenaje a Albert Agulló

 

Add a comment (0)

Adjuntos:
Descargar este adjunto (Jorge Oteiza-Catalogo.pdf)Jorge Oteiza-Catalogo.pdf[ ]3829 Kb

Jorge OTEIZA. 1908-2003

 

Add a comment (0)

Madrid, Octubre 68.

La escena experimental española

Lugar: Frac Centre-Val de Loire,  88 rue du Colombier, 45000 Orléans (Francia)

Fechas: Inauguración 11 de octubre de 2018. Permanecerá abierta hasta el 24 de   febrero de 2019.

Comisarios: Abdelkader Damani  y Mónica García

Mesa redonda en Blois con la presencia de Florentiono Briones, Javier Seguí y José Luis Alexanco.

 

Breve reseña histórica de las muestras dedicadas en su totalidad o en parte a lo acontecido en el Centro de Cálculo

"Formas computables". Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, Madrid, 1969.

"Generación Automática de Fromas Plásticas". Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, Madrid, 1970.

"The computer assisted art exhibition". Palacio Nacional de Congresos, Madrid, 1971.

"El número y la mirada. Barbadillo y el Centro de Cálculo de la Univerisdad de Madrid". Salas Vimcorsa, Córdoba. 2002. Comisarios: José Soto Reyes y Juan Bosco Díaz-Urmenta.

"El Centro de Cálculo 30 años despues", Museo de Arte Contemporáneo de Elche, Museo de la Universidad de Alicante y Museo de Arte Contemporáneo de Ibiza, 2003. Comisarios: Javier Badenes, José Luis Martínez Meseguer y Elena Ruíz Sastre.

"Del Cálculo numérico a la creatividad abierta". Centro de Arte Complutense, Madrid y Universidad Politécnica de Valencia,  2012. Comisario: Aramis López.

"Pseudodimensión y misterio: Enrique Salamanca, en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid". Galería José de la Mano, Madrid, 2014. Comisario: Alfonso de la Torre.

"Formas computables. García Asensio en el Centro de Cálculo (1969-1970)". Galería José de la Mano, 2016.

"Pintura y Perceptrónica". Galería José de la Mano, Madrid, 2016-2017.

"Momentos 1969"..."2017". Galería Masterravalbuena, Madrid, 2017.

 

   

Add a comment (1)

RÉQUIEM A CAPELA PARA JOSÉ LUIS SÁNCHEZ

 

Se ha extinguido la vida de José Luís Sánchez, ante un silencio estremecedor de los medios de comunicación, lo que no es ajeno a la vida del insigne escultor. La mayor parte de los ataques actuales a la cultura no provienen del sectarismo, que lo hay, sino de la ignorancia cualificada.

José Luis, Pepus para familiares y amigos, fue un fabro incansable, y quien trabaja con constancia suele estar lejos del ruido mediático y de la corte de los trepas. José Luis Sánchez eligió el silencio- “estoy detrás de la columna”, decía- y, por sobre todo, es un referente ético, un hombre decente, sosegado, limpio, cuya limpidez ha iluminado su vida personal de claridad, como le ocurre a su íntimo amigo Francisco Farreras.

José Luis Sánchez Fernández, Almansa 1926, tras los avatares de la guerra, vino a Madrid con la pretensión de ser arquitecto, pero hizo Derecho, mientras trabajaba en una empresa mercantil para pagarse los estudios, aunque estaba abocado al mundo del arte al que se acercó con decisión.

Ángel Ferrant fue su faro y las becas para Milán y París le abrieron los ojos para indagar lo que perseguía. Sintió el perfume de la Bauhaus y se convirtió en pionero de la integración de las artes, insuflando modernidad a la escultura en España.

Profesor de Bellas Artes de la Complutense, numerario de la Real Academia de San Fernando, Primer Premio de Diseño industrial, Medalla de Oro de la Bienal de Arte Cristiano,  de la Bienal de Budapest y de la Bienal de Salzburgo en 1962, por el retablo para las esclavas del sagrado Corazón.

En un principio estuvo ligado al diseño: los catálogos del Ateneo de Madrid, años sesenta, son una muestra excepcional. Realizó cincuenta y cinco individuales en capitales de Europa y es autor de sesenta y cinco obras monumentales en diferentes lugares del mundo. Su exposición más reciente, “Itinerario de un escultor”, en dos partes, Museo de Ciudad Real y MIRA de Pozuelo, en enero de 2017: una muestra diseñada por él y que compendiaba su trayectoria creativa.

José Luis Sánchez es un eslabón determinante en el desarrollo de la escultura española del s. XX, por su método de trabajo, su proceso, su austeridad formal, por anteponer el equipo al logro personal, por su ambición en integrar naturaleza y vida, por su imbricación de formas clásicas y modernas, por su concepción de lo sagrado, por su determinación en las artes aplicadas, habiendo colaborado con más de un centenar de arquitectos.

Trabajó el barro- exquisitas terracotas en retratos familiares-, el yeso, el cemento, el bronce, el corten, el hierro, el papel sueco para dar vida a una obra, que transita todas las corrientes vanguardistas; panteísta, emotiva, mágica, concisa, spinoziana. En el catálogo-libro “José Luis Sánchez. Trayectoria de un escultor”, Toledo 2010, autoría coral, se reúne lo más brillante de su trabajo y de la bibliografía que generó.

Sin dejar nunca a los griegos, ni a la Bauhaus, conceptualiza formas con alta elegancia. Su figuración- retratos- es esencialista, brillante, íntima, italiana. Su escultura religiosa, gestual, poética, lírica, trágica o nefelibata, pero siempre renovadora. Su canto al paisaje castellano y manchego, único, hondo, diferencial, hermoso como un soneto de Garcilaso.

Lector infatigable; severo y pulcro jurado de Premios; francófilo y desértico, frugal y esceptico, lúcido hasta el último momento, las dolencias físicas terminaron con una vida, entregada a la escultura como símbolo de renovación y de cultura, el pasado miércoles, 8 de agosto, a los 92 años.

Es una vergüenza para el Premio Nacional de Bellas Artes, para la Medalla de Oro a las Bellas Artes, para el Premio Velázquez, que su nombre no figure entre los que han sido reconocidos con ellos. No se trata de recriminar algunos agraciados-lo que no estaría de sobra-, sino de considerar en qué manos está la cultura en España, con independencia de quién gobierne.

Quedará en su obra su escultura religiosa como un naife en la oscuridad-sus obras en la iglesia de Santa Ana de Moratalaz estaban entre sus predilectas-, aunque era agnóstico, un hombre de pensamiento- recuerdo con gratitud su ciclo de Conferencias en la Fundación March-, un ilustrado, probo, fiel, auténtico. Reciban Jacqueline, sus hijas y sus nietos, este réquiem a capela, de eco gregoriano, para un hombre libre, bueno, estoico, humilde, secluso, silente, irónico y gran escultor.

 

                                                                                                                   Tomás Paredes

                                                                                                   Presidente de AICA Spain

(Agradecenos a Tomás Paredes la autorización para reproducir el presente texto)

Add a comment (1)

Ha fallecido el escultor José Luis Sánchez

El pasado 8 de agosto falleció en Pozuelo de Alarcón el escultor José Luis Sánchez nacido en Almansa en 1926.

Adjuntamos la entrevista que realizó para esta revista en 2016 con motivo de su exposición José Luis Sánchez. Casi 90.

http://www.javierbmartin.com/index.php/expone/2571-expone-jose-luis-sanchez


Add a comment (0)

Ha fallecido Darío Villlalba

Nació en San Sebastián en 1939. Su familia tuvo una larga tradición artística. Con 18 años realizó su primera exposición en la galería Alfil de Madrid y comienzó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, al mismo tiempo estudió Derecho, que abandona, y Filosofía y Letras. También practicaba dibujo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

En París pintó en el taller de André Lhote durante unos meses. En 1962 recibió una beca para estudiar en la Universidad de Harvard, lo que supone una serie de exposiciones en USA, así dió a conocer sus series: La Duquesa de Alba y Fósiles, torsos y huellas. En 1967 comienzó sus viajes a Londres que se convierte en una excelente fuente de imágenes fotográficas urbanas. Su serie Los Encapsulados le proporcionó un gran éxito internacional.

Obtuvo el Premio Internacional de Pintura en 1973 en la XII Bienal de Sao Paulo. En 1979 recibió el Premio Internacional del Jurado en la XIII Bienal de Arte Gráfico en Liubliana. En 1983 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas. El 17 de noviembre de 2002 ingresó como miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; su discurso de entrada: “En torno al acto creativo: Nuevas reflexiones”. En 2003 se le impuso la Medalla al Mérito en las Bellas Artes.

Una característica de su obra fue el empleo de la fotografía en sus investigaciones plásticas. Sus trabajos fueron pioneros en este tipo de expresión y le permitieron ser representante en la Bienal de Venecia en 1970. Sus fotografías se convierten en base pictórica, como un soporte de elementos pictóricos; se trata de fotos que obtenía de diversos medios o realizaba él mismo que son como una fuente de iconos, al descontextualizarlas, defomarlas, etc. En una declaración señaló: "En mi obra la pintura es fotografía y la fotografía es pintura".

 

Add a comment (1)

Subcategorías