Leyendo cuadros. Mirando historias


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Entrega número 47

Joan Hernández Pijuan
Iris Blau
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Documentos de introducción
 Introducción de Javier Martín 
 Introducción de Ana Álvarez 
 Listado de autores 

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Ars Citerior

1.000.000 de VISITAS

Recientemente hemos llegado en nuestra web a  1.000.000 de visitas. Damos las gracias a todos aquellos que lo habéis hecho posible.

Para celebrarlo os remitimos los enlaces de cada uno de los artículos que dentro de cada sección han tenido un mayor número de visitas en el último año y medio, tiempo transcurrido desde nuestras 500.000 visitas hasta la actualidad.

- Exposición Hernández Pijuan - Sempere. Signo y Línea en el Paisaje ( 2500 visitas)

http://www.javierbmartin.com/index.php/anuncios/2443-hernandez-pijuan-sempere-signo-y-linea-en-el-paisaje-invitacion

- Leyendo cuadros. Mirando historias: Los coleccionistas ( 1600 visitas)

http://www.javierbmartin.com/index.php/leyendo-cuadros-mirando-historias/1826-entrega-33-victor-camaralos-coleccionistas

- Entrevista 10+UNA al coleccionista Juan REDÓN ( 1450 visitas)

http://www.javierbmartin.com/index.php/entrevistas-10una/2338-entrevista-10una-al-coleccionista-juan-redon

Recién Pintado. Eutiquio Estirado ( 1900 visitas)

http://www.javierbmartin.com/index.php/recien-pintado/2300-eutiquio-estirado-recien-pintado

- Expone: Susana Guerrero ( 1100 visitas)

http://www.javierbmartin.com/index.php/expone/2622-expone-susana-guerrero

 

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Papers i collages per a Joan Valls


Lugar: Llotja de Sant Jordi, Alcoi

Exposición: del 6 de abril hasta el 28 de  mayo de 2017.

Inauguración: Jueves 6 de abril a las 20h.

Comisario: Javier Martín


Artistas participantes:

ALBANO  - Aina ALBO - Andreu ALFARO - Elena ALONSO -  Josep ANZO - Elena ASINS - Marlon de AZAMBUJA -  Waldo BALART - Nestor BASTERETXEA - Arcadi BLASCO - Manuel BOIX - Enrique BRINKMANN - José Manuel BROTO - Monika BUCH - Víctor CÁMARA - Rafael CANOGAR - Carlos CARTAXO - Julián CASADO - DIS BERLIN - EQUIP REALITAT - EQUIP CRÓNICA  - Eutiquio ESTIRADO - Francisco FARRERAS  - Robert FERRER i MARTORELL - Tomás GARCÍA ASENSIO - Pep GARRO - Joan GENOVES - José Luis GÓMEZ PERALES - Josep GRAU-GARRIGA - José GUERRERO - Josep GUINOVART - Joan HERNÁNDEZ PIJUAN - José LEGUEY - Guillermo LLEDÓ - Antonio LORENZO - Rafa MACARRÓN - Aurèlia MASSANET - Tomás MENDOZA - Antoni MIRÓ - Joan MIRÓ  - Pedro MUIÑO - Juan OLIVARES - José Miguel PEREÑIGUEZ - Guillermo PÉREZ VILLALTA - Águeda de la PISA - Jaume ROCAMORA - Gerardo RUEDA - Manuel SALINAS - Maya SARAVIA - Josep SOU - Antoni TÀPIES - Joan Josep THARRATS - Lidia TOGA - Gustavo TORNER - Ramón URBÁN - José VENTO - Daniel VERBIS - Salvador VICTORIA - José María YTURRALDE - Fernando ZÓBEL.


Papeles y Collages

 

“Sols hem après la dura noció
de saber l'escassesa del bé propi”

(Solo hemos aprendido la dura noción de la escasez del bien propio)

Joan Valls

 

Cuando hablamos de obra sobre papel, la primera imagen que nos suele venir a la mente es la de un dibujo, porque esta manifestación artística ha sido desde hace siglos una de las maneras más utilizadas por el hombre. En el Renacimiento los dibujos sobre papel no se llegaban a considerar como obra, sino como un ejercicio de mano o como un boceto para posteriormente materializar la idea en una gran obra sobre un soporte más “noble”. De este modo la obra sobre papel carecía de un fin en sí mismo y en muchos casos acababa siendo destruida.

Poco a poco la obra sobre papel fue ganando mayor relevancia, pues las nuevas técnicas de pintura utilizadas fueron conviviendo dentro de la misma pieza y se iban complementando, dando nuevas posibilidades pictóricas y una nueva relevancia y proyección a la composición creada sobre el papel.

Con la llegada del siglo XX y ciñéndonos a nuestro país, los pintores españoles llegaron a realizar gran cantidad de obra sobre papel, unos por la importancia que le conceden al dibujo (Luis Fernández, Dalí, Maruja Mallo), otros debido a la simple escasez de medios, como fue el caso de Julio González, quien utilizó dicho soporte para dibujar con grafito numerosos retratos de campesinas o de su compañera Marie Therese.

De la mano de Eusebio Sempere y Abel Martín llegó a España, a finales de la década de los cincuenta del siglo pasado, el método serigráfico. La obra seriada sobre papel interesó a muchos pintores y ayudó a difundir el arte contemporáneo en nuestra sociedad. La serigrafía fue el principio de muchas de las colecciones, que luego derivaron hacia la pieza única. Como dijo Fernando Zóbel, ”Una colección puede comenzar con un  grabado de Durero, y con el tiempo ir adquiriendo algún dibujo y así sucesivamente. Se trata de un proceso de aprendizaje”.

Sempere y Martín aprendieron la técnica serigráfica en los talleres del artista Wilfredo Arcay, en el París de los años cincuenta. El estampador cubano innovó la divulgación del arte con esta técnica, de origen americano y desconocida en Europa. Para Arcay, la serigrafía no era una reproducción de obra “sino una forma de reinventar junto al artista una obra en estampa que permita cambiar tamaño, color o soporte”. Durante el aprendizaje de esta técnica, Abel Martín ya realizó obras para artistas de la talla de Mortensen, Herbin, Vasarely o el arquitecto francés André Bloc.

En 1958, tras su vuelta definitiva a España, Martín y Sempere realizaron para Lucio Muñoz uno de los primeros trabajos serigráficos. A partir de ese momento y en los años siguientes comenzaron a producir estampaciones para la mayoría de los artistas de la época, muchos de ellos relacionados con el mundo artístico de la ciudad conquense: José Guerrero, Antonio Lorenzo, Manolo Millares, Manuel H. Mompó, Gerardo Rueda, Antonio Saura, Gustavo Torner o Fernando Zóbel. Abel Martín estampó las primeras ediciones para el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca por encargo de Zóbel: la primera fue de César Manrique fechada en 1963, aunque se realizó la serigrafía a principios de 1964.

Ha habido momentos puntuales donde la obra sobre papel, no fue una elección, sino una imposición debido al método utilizado. Hablo de finales de los sesenta en los Seminarios del Centro de Cálculo de la Complutense de Madrid (1968-1970). Los pintores que se acercaron a aquellas primeras computadoras (Manuel Barbadillo, Tomás García Asensio, Gerardo Delgado, José Luis Gómez Perales, Abel Martín, Manolo Quejido,  Eusebio Sempere, Soledad Sevilla, o José María Yturralde entre otros) realizaron sus obras modulares sobre papel plotter, y en algunos casos el resultado obtenido lo pasaron a serigrafías o  litografías.

Con la entrada del siglo XXI, el uso y valoración del papel ha tenido un gran resurgimiento entre los artistas, debido a factores como la facilidad en el manejo y el transporte del mismo, su bajo coste económico y el auge que el dibujo ha tenido en las generaciones más jóvenes como expresión artística en sí misma. En palabras del pintor de Guillermo Pérez Villalta en su libro “Melancólico Rococó”: “El dibujo está hoy en una nueva fase dorada. Parece que la ortodoxia moderna lo salva, quizás porque no es pintura y, si se hace sobre la pared o sobre un papel roto, parece menos clásico. Pero lo que sigue atrayendo del dibujo es esa fragilidad, esa casi nada, esa cosa directa del cerebro a la obra.”

Para hablar del collage tenemos que remontarnos a 1910 cuando Braque introdujo arena y serrín en sus cuadros cubistas, lo que dio lugar al antecesor del papier collé, que vería su primera luz el 13 de septiembre de 1912, cuando encontró en una droguería de Aviñón algunos papeles pintados imitando la madera. Al llegar a casa, en la localidad rosellonesa de Céret, cortó tres trozos de ese papel, los pegó sobre un papel Ingres, dibujó con carboncillo unos trazos que unían los pedazos y escribió las palabras BAR y ALE. A la obra la tituló Frutero y vaso. En octubre, Picasso realizó su escultura Guitarra utilizando recortes de cartón. Pero el primer cuadro considerado un collage, curiosamente fechado en mayo de 1912, es Bodegón con trenzado de silla. En el mismo, Picasso incorporó a uno de sus bodegones un hule de los utilizados como mantel de bar, con la peculiaridad de que el estampado de este hule es diseño de asiento de rejilla. Con esta acción revolucionaria para el arte, no solo hay que destacar la incorporación de un elemento no pictórico a la obra, sino también la incorporación de un objeto fabricado en serie (el hule) a un objeto artesanal hecho a mano (el cuadro).

Como defensor de la obra realizada sobre papel, he querido que la exposición “Papers i collages per a Joan Valls” sirva para acercar la frescura de las obras con este soporte. Por cronología los artistas seleccionados van desde Antonio Lorenzo (Madrid, 1922-2009) a Albano (Ávila, 1988), con piezas de diferentes tendencias plásticas y con distintas técnicas, que abarcan desde el grafito hasta el acrílico, pasando por el gouache o las ceras, pero siempre  utilizando el papel como soporte o con la técnica de collage. Una vez más deseamos aumentar el interés por este soporte y esta técnica y anhelamos desterrar para siempre la frase vigente durante muchos años escrita por  Fernando Zóbel, cuando allá por los años setenta habló del “El amable desprestigio del papel” en España.

                                                                                              Javier Martín

 


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Conciencia Perceptiva. Arte concreto español en la colección Escolano

“Conciencia Perceptiva. Arte concreto español en la colección Escolano”.

Salas Miquel Viladrich del Palacio Montcada de Fraga.

Se podrá visitar hasta el 22 d enero de 2017. De martes a sábados de cinco a ocho de la tarde y los domingos y festivos de 11,30 a 13,30 y de 17 a 20 por la tarde.

Entre los pioneros del arte óptico-cinético destaca Eusebio Sempere que se encuentra representado con la carpeta de serigrafías denominada "Alhambra". También estará respresentados Julio Plaza; la carpeta de aguafuertes “Lunaiae” de Pablo Palazuelo; y las “Figuras Imposibles” de Yturralde. Las piezas proceden de colecciones conservadas en el IAACC Pablo Serrano.

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La perspectiva constructivista del pintor Julián Casado

 

Julián Casado. Serie Malevitch

 

Lugar: Centro Cultural Isabel de Farnesio en C/Capitán, 39, Aranjuez.

Fechas: Exposición del 7 al 27 de noviembre de 2016.

Horario: De lunes a sábados de 17:00 a 21:00 horas.

La exposición estará compuesta por la serie de 42 lienzos dedicados a Malevitch realizada entre los años 1978 y 1982.


Julián Casado. Serie Malevitch


El pintor que había ido elaborando su pintura, desde el año 1969, en torno a la creación de un espacio lumínico partiendo de figuras geométricas muy sencillas, experimentó, entre los años 1978 a 1982, una orientación y un impulso nuevo.

En 1978 leía el libro de Giulio Carlo Argan “El Arte Moderno”.  Y en las páginas dedicadas a Casimir Malevitch, pintor y teórico de la pintura, encontraba formulado el principio motor que configurara la etapa “suprematista” de este pintor ruso: "la estructura funcional de la imagen crea el espacio, el cual se visualiza en un símbolo geométrico”.

 

Julián Casado. Serie Malevitch

 

Mediante este principio, se le planteó, al pintor, la cuestión siguiente: si se variaría la funcionalidad de la estructura de la imagen, permaneciendo idéntica ésta y su interna estructura ¿variaría el espacio plástico?

El problema consistía en cómo hacer variar la función de la estructura de la imagen. Dada la experiencia del pintor en el análisis y en la síntesis del efecto” luz”, a partir del color, experimentando en sus obras anteriores, la variación de la función de la estructura de la imagen tendría que venir determinada por la ilusión lumínica.

 

Julián Casado. Serie Malevitch

 

Quedaba así determinado el horizonte que habría de configurar su obra en lo sucesivo: los cuadros aquí presentes tratan, pues, de la verificación experimental de una hipótesis: mostrar, pictóricamente, que el espacio plástico-cualquier espacio- no es una realidad primaria, originaria, sino que se trata de una realidad derivada de la cualidad espaciosa, es decir, “matérica”, de la imagen. La prueba, por tanto, de esta afirmación teórica, la constituyen los cuadros aquí exhibidos.

La condición que se impuso el pintor era que la imagen y su estructura permanecieran idénticas en cada una de las posibles variaciones espaciales. Eligió, pues, lienzos de un mismo tamaño, O,8 x 100 cm., e imaginó un cubo escorzo, con dos pirámides inscritas en él, sobre un rectángulo por el que debería emerger la luz; este “elemento lumínico”, no perteneciente a la estructura de la imagen, permitiría la variación funcional, la cual vendría determinada por el diverso modo de quedar iluminados los distintos elementos estructurales de la imagen.

 

Julián Casado. Serie Malevitch

 

Dicho así, pudiera creerse que el pintor tenía claro, desde el inicio, la realidad variacional del espacio plástico. Y no era así. Tan sólo se trataba de una hipótesis que era necesario verificar. Y la única manera de verificación era ponerse a pintar: lo que era solamente ”previsión” teórica tenía que llegar a ser una “visión” empírica.

Tras los primeros balbuceos en el planteamiento de la variación, cuyos primeros pasos son patentes en los momentos iniciales de la “serie”, arribaba el pintor, cinco años después de iniciada la experiencia, a la plena posesión del principio que, partiendo de estos 42 cuadros que constituyen su análisis, rige su actual obra pictórica. El espacio plástico se encuentra, y por tanto, depende de la espaciosidad de la imagen plástica. Se constituye, pues, en unción de la respectividad posicional de los elementos que construyen estructuralmente la imagen para que, ipso facto, quedasen modificados a una todos los demás elementos, y, en su virtud, quedase modificado el espacio plástico mismo.

 

Julián Casado. Serie Malevitch

 

A partir de esta experiencia fundamental, la obra del pintor no es sino el moroso despliegue de esta verdad que le fue poseyendo según pintaba la “Serie Malevitch”. Sólo los últimos seis cuadros de la serie son la expresión plenaria del principio teórico que la dio origen; la luz, penetrando por seis diversos lados del rectángulo e iluminando los diversos elementos de la imagen, genera seis últimos cuadros el espacio y el tiempo se convierten, paradigmáticamente, en toda la realidad del cosmos. Espacio y tiempo quedan, pues, unidos en la realidad. Y, por tanto, sucede que toda la serie sea, en definitiva, una reflexión filosófica sobre el comportamiento de la materia en el cosmos.

Toda la serie, sin embargo, los 42 cuadros que la integran ( podrían haber sido muchos más), no son otra cosa que momentos secuenciales de una misma realidad plástica.

 

(Texto reproducido en "Julián Casado". Serie Malevitch. Ayuntamiento de Aranjuez, 2004)

(imágenes gentileza Elia Fernández y Javier Plaza)


Julián Casado. Serie Malevitch


Julián Casado. Serie Malevitch




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Escuchar con los ojos Arte sonoro en España, 1961-2016

Fundación Juan March, Madrid

14 octubre 2016 15 enero 2017

En las tres últimas décadas, el sonido presentado, usado, evocado o articulado en el medio artístico ha confluido en el aglutinante anglosajón Sound Art (y también en el alemán Klangkunst, con un significado algo distinto), y el así llamado arte sonoro ha ido consolidándose casi como una nueva categoría artística, gracias a exposiciones monográficas en museos y galerías, a la aparición de bibliografía especializada, el desarrollo de estudios específicos en el ámbito académico y la aparición de nuevas disciplinas relacionadas con el arte sonoro, como los llamados Sound Studies, la réplica sonora a los relativamente recientes Visual Studies.

La exposición Arte sonoro en España (1961-2016) pretende mostrar los orígenes, la diversidad de trayectorias y la vitalidad del arte sonoro realizado en nuestro país desde 1961 hasta nuestros días. Mediante la amplitud y variedad de las obras escogidas y un extenso material documental, la exposición quiere hacer visible (y sobre todo audible) el sonido organizado con criterios artísticos en nuestro país, incluso en unos tiempos (las décadas de los 60 y los 70) en los que el propio término "arte sonoro" no había sido aún enunciado como tal.

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Ruta Sempere

La Ruta Sempere reúne en un libro todos aquellos lugares de la ciudad de Alicante en los que el artista cinético Eusebio Sempere dejo su impronta, como en el MACA, las esculturas de la Pirámide y Como una estrella, el pavimento de la Avenida Óscar Esplá,  y el Relieve Metálico del aeropuerto de Alicante-Elche, entre otros.

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Francisco Farreras en el Museo Salvador Victoria

 

Farreras. Museo Salvador Victoria

688 A. Relieve de maderas. 2005. 80 x 100 cm.

 

Museo Salvador Victoria, Rubielos de Mora (Teruel)

Inauguración, sábado 22 de octubre de 2016, a las 20h.

Exposición abierta hasta el 29 de enero de 2017.

 

Francisco Farreras en el Museo Salvador Victoria de Rubielos

 

 

Farreras. Proporción y contención

 

Cada obra que se muestra en esta exposición va unida a una conversación, a un encuentro entre el pintor y el que escribe este texto, ávido de comprender y conocer no solo la obra si no al ejecutor de la misma. Han pasado quince años desde un primer encuentro, cargado de amabilidad por parte de Farreras y de timidez por la mía, algo que no impidió aceptar la invitación de conocer su estudio.

En la planta más baja de su casa, con salida al jardín, se encuentra su estudio-taller. Y digo taller porque desde que en 1987 comenzó sus “relieves de maderas”, numerosos materiales y herramientas son necesarios para transformar unos cartones, unas tablas y unas cuerdas en una composición ordenada, donde la proporción y la contención crean el perfecto equilibrio. El autor llegó a esta etapa tras la experiencia de los “coudrages”, donde trabajó con maderas y telas cosidas, que le daban a las obras un volumen que hasta entonces no existía como realidad palpable. De estas etapas previas hemos querido mostrar en esta exposición dos obras de pequeño formato (collage de 1975 y coudrage de 1985), que sirven para comprender esos dos grandes pasos que tuvo que realizar Farreras para que sus obras no quedaran ancladas a dos dimensiones.

La obra de Francisco Farreras está llena de tensiones y fuerzas, como si cada pieza de madera buscara su propio espacio para encontrar la estabilidad y el reposo definitivo. Efectos que se ven acentuados con la iluminación vertical, un baño de luz que deja salir las diferentes tonalidades que se encuentran escondidas en la superficie. Tan importante es el modo de iluminarlas que siempre deja escrito en la trasera el modo de hacerlo, y solo siguiendo esta recomendación sus composiciones alcanzan la máxima expresión plástica.

La presente muestra está formada por una veintena de obras de pequeño y mediano formato. A excepción de las dos piezas ya citadas, recorren veinte años de trayectoria de uno de los principales protagonistas de siete décadas de la pintura en nuestro país. En ellas podemos distinguir las diferentes etapas de sus relieves: los contrastes entre zonas claras y oscuras de mediados de los noventa; sus azules y blancos de comienzos de dos mil; sus posteriores maderas en tonos tostados, donde los relieves son más planos; al año dos mil diez, cuando construye composiciones más límpias, desnudas, con una clara influencia oriental. En los tres últimos años ha realizado una serie de formato reducido en un intento de mayor simplificación: un par de elementos son suficientes para dar expresividad estética a cada una de las composiciones.

Javier Martín

Comisario de la exposición

 

 Farreras. Museo Salvador Victoria. coleccion ars citerior

Relieve de madera nº 7. 1994. 50 x 40 cm.

 

Biografía

 

Francisco Farreras  nació en 1927. Tras la guerra civil, se trasladó con su familia desde Barcelona a Murcia y más tarde a Tenerife. En Murcia estudió bajo la tutela del pintor Antonio Gómez Cano (1940) y posteriormente de la de Mariano de Cossío en la Escuela de Artes y Oficios de Santa Cruz (1941). En 1943 se instaló en Madrid. Realizó los estudios de Bellas Artes en la Escuela de San Fernando de Madrid, donde obtuvo el título de Profesor de Dibujo en 1949.

Francisco Farreras fue seleccionado para la I Bienal Hispanoamericana en 1951.  Realizó varios viajes a París entre 1952 y 1954, hospedándose en el Colegio de España de la Ciudad Universitaria. También viajó por esta época a Bélgica y Holanda. En 1955 realizó su primera exposición individual en la galería Biosca de Madrid. En 1956 ganó por concurso el proyecto y la ejecución de trece pinturas al fresco para los muros de la Capilla del Castillo de las Navas del Marqués (Ávila). Tras este período descubre las posibilidades plásticas que le ofrece el papel de seda y su uso para la realización de collages.

Participó en la mayoría de las muestras itinerantes organizadas por el Ministerio de Asuntos Exteriores a través de Europa y América. Fue seleccionado por los Museos de Arte Moderno y Guggenheim de Nueva York, y la Galería Tate de Londres, para figurar en las muestras de pintura española que llevaron a cabo. En el año 1963 viajó a Escandinavia, a México, y más tarde se trasladó a Nueva York donde residió dos años.  Para el Pabellón Español de la Feria Mundial de Nueva York, realizó un gran mural-collage. Expuso en repetidas ocasiones en la galería Bertha Schaefer. Aunque ausente de España, se integró al grupo de artistas de la Galería Juana Mordó de Madrid, donde expuso repetidas veces. En 1966 regresó definitivamente a España.

Durante la década de los setenta participó en la muestra de artistas españoles que organizó el Museo de Arte Contemporáneo de México. Firmó contrato de exclusividad con la nueva galería Juana Mordó – Mendoza durante dos años (1975-1977). Expuso en la galería Trece de Barcelona y en el Museo de Arte Contemporáneo de la Jolla de California.

En el año 1982 realizó por encargo un gran mural-collage para el aeropuerto Madrid-Barajas. Este trabajo supuso la ruptura con el collage plano y la aparición de la tercera dimensión en sus obras. A mediados de la década de los ochenta confecciona los denominados “coudrages”, que fueron el paso intermedio para llegar a sus definitivos, reconocidos y reconocibles “Relieves de maderas”, que comenzó en 1986.

En 1990 realizó una exposición de relieves en la Galería Scheffel de Bad Homburg (Alemania). También llevó a cabo un mural-relieve para el Hotel Príncipe de Asturias en la Isla de la Cartuja de Sevilla. Durante la década de los noventa se sucedieron exposiciones individuales en Santander, Sevilla, Córdoba, Granada, Madrid, the Peyton Wright Gallery de Santa Fé (Nuevo México), Berlín, Munich y en el Viejo Ayuntamiento de Lahr (Alemania). En colaboración con la Galería Scheffel participó en 1994 en varias ferias internacionales: Colonia, Chicago, Frankfurt, etc. En 1995 su obra está presente en la feria de ARCO de Madrid con un relieve de gran formato, por el cual la Asociación de Críticos de Arte le concedió el segundo premio internacional como la mejor obra expuesta.

De octubre de 1999 a enero de 2000 realizó una retrospectiva en el Centro Cultural de la Villa de Madrid, por la que obtuvo la Medalla de La Asociación Madrileña de Críticos de Arte a la mejor exposición del año.

Con la entrada del nuevo siglo comenzó una nueva etapa, donde las piezas van perdiendo parte del volumen y abigarramiento central tan característicos de años anteriores. Expuso sus nuevos trabajos en Casa da Cerca-Centro de Arte Contemporáneo de Almada (Portugal), Museo de Arte Contemporáneo de Elche (Alicante), las Galerías Rayuela (Madrid), Echauri (Pamplona), Val i 30 (Valencia), Marita Segovia (Madrid), Van Dyck (Gijón), Prova de Artista de Lisboa (Portugal), Miguel Bombarda de Oporto (Portugal) y de nuevo con la Rieder de Munich.

En 2013 participó en los Escaparates de El Corte Inglés-Ámbito Cultural. Y un año más tarde expuso en las galerías madrileñas ArtePaso y Galería Odalys. En 2015 publicó un catálogo con los trabajos de pequeño formato realizados entre los años 2008 y 2014, usando los restos de cartones, cuerdas y maderas de otras obras ya realizadas en mayor formato en años precedentes, en un ejercicio de simplificación y reducción compositiva.

 

Farreras. Museo Salvador Victoria. coleccion ars citerior

1020 A. Técnica mixta. 2014. 17 x 15 cm.

 

imágenes gentileza del artista

 

 

 

 

 

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Joaquín Michavila: De los planos geométricos al contrapunto.

 

El pasado domingo 21 de agosto falleció el pintor Joaquín Michavila (l'Alcora, Castellón, 1926 – Albalat dels Tarongers, Valencia, 2016).

 

joaquin michavila. el pintor en su estudio. coleccion ars citerior

 

En el año 2003 y tras varias conversaciones telefónicas, acordé una visita al estudio de Ximo Michavila, quien hacía ya un tiempo, a raíz de la pérdida de su esposa, se encontraba con pocas fuerzas para seguir pintando. La sensación de vacío y soledad le acompañó el resto de su trayectoria, tal era el afecto que profesaba a la compañera de toda una vida.

Su estudio y casa se encontraban en Albalat dels Tarongers -pequeño pueblo cercano a Valencia de donde procedían sus padres-, un tranquilo lugar donde Ximo era querido y admirado. En aquel encuentro me mostró trabajos de varias épocas, desde los lienzos de planos geométricos con un punto de fricción entre sí, hasta obras de su última serie Contrapunto, pasando por su etapa más conocida dedicada al paisaje de l´Albufera. También me enseñó las obras que había intercambiado o comprado a pintores amigos, como Carmen Calvo, Miquel Navarro o José Mª Yturralde.

Esa tarde se encontraba trabajando en la restauración de una obra propiedad de un coleccionista que no había tenido los cuidados necesarios para su conservación, Michavila, ante la duda de obtener un resultado óptimo, prefirió desechar la pieza deteriorada y hacer una igual y regalársela. La generosidad de Michavila era una de las cualidades que le reconocemos todos los que le hemos tratado. De aquella visita, además de un grato recuerdo, conservo dos paisajes sobre papel inspirados en l´Albufera, que el pintor me regaló.

Al final de la tarde pude arrancarle el compromiso de que me pintara un cuadro, y me propuso que sería de la serie denominada El llac. A principios del año 2004 me llamó para decirme que mi encargo estaba terminado y que pasase a verlo. Se trataba de un lienzo de mediano formato con un paisaje claramente inspirado en el humedal valenciano. Tras confirmarle mi agrado, cogió un spray fijador, lo esparció sobre la tela y dio la obra por terminada. Al entregármela me indicó: “Es un paisaje con elementos constructivos. Ya me dirás cuanto quieres pagarme”.

Javier Martín.

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Vanidades - Intelecto - Espiritualidad

Exposición que tendrá lugar del 9 junio al 25 de septiembre de 2016 en el Centro del Carmen de Valencia.

Inauguración: Jueves 9 de junio  a las 20h.

Centro del Carmen, calle Museo, Valencia.

Comisario: Javier Martín.

Se editará un catálogo con el texto "Estirpe de coleccionista" escrito por el críitico e historiador Alfonso de la Torre.

"Existentes los coleccionistas desde tiempo inmemorial, no parece haber fuerza capaz de extinguirlos, antes aún: a pesar de ese estatus extraño, a medio camino entre la manía y la presumible locura por el objeto artístico, parecen ser considerados en nuestro tiempo con un aura especial.   Si en el pasado su existencia podía ser explicada como una rareza, casi como una anomalía, hoy su compañía parece aportar distinción a la monotonía de la rutinaria vida social". (Alfonso de la Torre: "Estirpe de colecccionista")


vanidades, intelecto, espiritualidad. ars citerior


Artistas participantes:

ALBANO - Mar ARZA - Elena ASINS - Marlon de AZAMBUJA - Waldo BALART - Manu BLÁZQUEZ - Bonifacio ALFONSO - Monika BUCH - Víctor CÁMARA - Rafael CANOGAR - Julián CASADO - Damián DÍAZ - DIS BERLIN - Eutiquio ESTIRADO - Carlos EVANGELISTA - Francisco FARRERAS - Inma FEMENÍA - Robert FERRER i MARTORELL - Hugo FONTELA - Pedro GARCÍA RAMOS - Pep GARRO - José Luis GÓMEZ PERALES - José GUERRERO - Josep GUINOVART - Joan HERNÁNDEZ PIJUAN - José María IGLESIAS - LIDÓ RICO - Guillermo LLEDÓ - Ángel LUQUE - Rafa MACARRÓN - Víctor MIRA - Antoni MIRÓ - Mitsuo MIURA - Manuel H. MOMPÓ - Pedro MUIÑO - Juan OLIVARES - Javier PALACIOS - José Miguel PEREÑIGUEZ - Guillermo PÉREZ VILLALTA - Ana PETERS - Águeda de la PISA - Manuel REY FUEYO - Manuel RIVERA - Jaume ROCAMORA - Javier ROMERO - Gerardo RUEDA - Ángeles SAN JOSÉ - Maya SARAVIA - Jordi TEIXIDOR - Gustavo TORNER - Joaquín VAQUERO TURCIOS - Vicente VELA - Salvador VICTORIA - Darío VILLALBA - José María YTURRALDE.


En la presente exposición hemos pretendido abarcar tres aspectos inherentes de la condición humana: las vanidades, el intelecto y la espiritualidad. 

El recorrido se ha dispuesto en tres secciones claramente diferenciadas. La primera es la del entorno del hombre, el paisaje de Folquer de Joan Hernández Pijuan  o Caja Rostroll de Josep Guinovart. Merece especial atención Fondo Mediterráneo VI, donde Vicente Vela nos muestra objetos que el hombre ha dejado a su paso.  Dentro de esta misma sección presentamos las obras dedicadas a las vanidades, donde queremos mostrar aquella parte más superficial de la condición humana, como en el lienzo Casanova de Dis Berlin

Si continuamos la exposición, llegamos a la manifestación más propia del hombre: la inteligencia. Aquí  apreciamos las obras monocromas de Ana Peters o la Praescriptura de Gustavo Torner.

El último trayecto de “Vanidades - Intelecto - Espiritualidad” finaliza como termina la vida del hombre: con la muerte y la esperanza. Estela de Rafael Canogar o la lumínica obra de José María Yturralde.

 


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NI CAUTIVOS NI DESARMADOS 

 

NI CAUTIVOS NI DESARMADOS

ARTE VERSUS POLÍTICA [o VIOLENCIA] EN LA ESPAÑA DEL SIGLO XX

(EN LAS COLECCIONES 9915 Y MARTÍNEZ GUERRICABEITIA)


COMISARIO: Alfonso de la Torre

Sala Martínez Guerricabeitia del Centre Cultural La Nau, junio - septiembre 2016
Inauguración: Martes 21 de Junio a las 19h

Centre Cultural La Nau, Sala Martínez Guerricabeitia

Fecha: Del 21 de junio de 2016 al 2 de octubre de 2016.

Horario:
De martes a sábado, de 10:00 a 14:00 horas y de 16:00 a 20:00 horas. Domingos y festivos, de 10:00 a 14:00 horas
  Lunes cerrado
 
Entrada libre
 
La exposición “Ni cautivos ni desarmados.  Arte, memoria y dolor (Versus política (o violencia) en/desde (la España del) siglo XX”, plantea, mediante este título largo y sonoro, reconocible aire de pasquín, un encuentro entre las colecciones de la Asociación de Coleccionistas Privados de Arte Contemporáneo, conocida como “9915” y la Colección Martínez Guerricabeitia.
 
 
A sabiendas de los contenidos de la colección que, pacientemente, fue reunida por el matrimonio Jesús Martínez Guerricabeitia y su esposa Carmen García Merchante,  una colección centrada en lo que entonces se llamaba “arte social”, expuesta hasta finales del mes de agosto en la Fundación Bancaja, esta exposición plantea una cierta evocación del espíritu de aquellos, una mirada, ahora desde nuestro tiempo, sobre algunas obras, nacionales e internacionales, que reflexionan sobre la violencia o el dolor contemporáneos.
 
En la sala de la Universitat de València, pueden contemplarse unas cuarenta obras (pinturas, esculturas, fotografía y vídeo) y un importante conjunto de fotografías que, procedentes de las colecciones antes citadas, plantean la vigencia de un arte que podría haberse seguido integrando en la colección Martínez Guerricabeitia.  A la par que subraya cómo el dolor, la reflexión en torno a la violencia, la atracción del horror, siguen siendos motores del arte en nuestro tiempo.  Cuatro capítulos presiden la exposición: “Silencio (y no)-Ir y venir”; “Historias”, “Eterno retorno y ahora” y “Capricho español (fotografía)”.
 
Algunas de las obras ahora expuestas en “Ni cautivos ni desarmados” son herederas directas del collage y el fotomontaje, que tan fértiles han resultado para el arte de nuestro tiempo, lográndose el encuentro de elementos poéticos dispares tanteando entre la oscuridad, sin esquivar el vértigo que se deriva de dichas asociaciones entre la irrealidad de lo concreto.  Palpando abismos.
 
 
Alfonso de la Torre
Comisario de la exposición
 

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HIPOCAMPS


Museo de la Universidad de Alicante (MUA), del 27 de octubre al 8 de enero de 2017

Inauguración jueves 27 de octubre a las 19h.

Comisarios: Cristina Agàpito y Javier Martín

 

Hipocamps. coleccion ars citerior. coleccion olorvisual

 

El proyecto expositivo Hipocamps reúne obras de arte contemporáneo unidas por recuerdos generados por el sentido del olfato. Las personas distinguimos más de 10.000 olores y recordamos el 35% de lo que podemos oler. Estamos hablando pues de un campo muy amplio de objetos y situaciones que nos pueden llevar a un recuerdo olfativo, frecuentemente atado a nuestra infancia y que a veces teníamos casi olvidado.

Son muchos los elementos anatómicos de nuestro cerebro que se encuentran relacionados con el recuerdo de un olor: en primer lugar, el bulbo olfativo distribuye la información olfativa al sistema límbico; el siguiente paso es la conexión del aroma percibido con una emoción, y de ello se encarga la amígdala cerebral; y por último se produce el proceso de relacionar este olor con un recuerdo en la memoria, función del hipocampo.

Con obras procedentes de los fondos de colección olorVISUAL y colección Ars Citerior, se ha llevado a cabo un meticuloso estudio de coincidencias olfativas en las obras pictóricas, que ha dado como resultado la selección de obras que podemos ver en esta muestra. En el caso del coleccionista y perfumista Ernesto Ventós, de colección olorVISUAL, las obras han sido adquiridas desde un principio porque le despiertan su memoria olfativa. Porque el hilo conductor de la colección es el olor y la capacidad de las obras de despertar un recuerdo. En el caso de Javier Martín, de Ars Citerior, el proceso ha sido a la inversa, es decir, el coleccionista ha realizado un visionado muy rápido, de un segundo por obra, para seleccionar aquéllas que relaciona con un recuerdo olfativo, algo a lo que ya había prestado atención por el hecho fisiológico de haber ido perdiendo parte del olfato, en el decurso de los años.

Finalmente, el nexo de unión de las obras es a través de las Notas Olfativas, el llamado “alfabeto” de los creadores de esencias, que a la vez se acompañan con su color representativo dentro del sistema de identificación cromática Pantone. A la vez, cada nota olfativa la describimos con las materias primas que la forman, siendo la composición y equilibrio de éstas las que dan lugar a un acorde. De la misma manera, la unión equilibrada y perfecta de las obras de las dos colecciones nos dan como resultado todos estos acordes que os presentamos a continuación.

 

Cristina Agàpito

Comisaria de la exposición

 

Exposición colectiva con la participación entre otros de:

Albano Hernández - Elena Alonso - José Luis Alexanco - Waldo Balart - Monika Buch - Miguel A. Campano - Anthony Caro - Calo Carratalá - Eduardo Chillida - Dis Berlin - Evru - Juan Manuel Fernández Pera - Robert Ferrer i Martorell - Hugo Fontela -  Cristina García Rodero - Pep Garro - Joan Hernández Pijuan - Alex Jasch - Antoine Laval - Antonio Murado - Maya Sarabia - Danie Verbis - José María Yturralde. 

 

 

 

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Arte sonoro en España, 1961-2016

Fundación Juan March.

Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca (16 de junio al 18 de septiembre de 2016).

Inauguración: jueves 16 de junio de 2016.

La exposición Arte sonoro en España (1961-2016) pretende mostrar los orígenes, la diversidad de trayectorias y la vitalidad del arte sonoro realizado en nuestro país desde 1961 hasta nuestros días. Mediante la amplitud y variedad de las obras escogidas y un extenso material documental, la exposición quiere hacer visible (y sobre todo audible) el sonido organizado con criterios artísticos en nuestro país, incluso en unos tiempos (las décadas de los 60 y los 70) en los que el propio término "arte sonoro" no había sido aún enunciado como tal.

Más de una veintena de instalaciones sonoras, esculturas, vídeo-instalaciones y obras de encargo (de Xabier Erkizia y Juanjo Palacios, quienes realizarán sendas "fonografías" en Palma y Cuenca, respectivamente), además de una cuidada selección documental que incluirá objetos, ediciones, vinilos, casetes y una variada documentación impresa y fotográfica.

Arte sonoro en España (1961-2016) tiene, pues, una peculiaridad: que las obras sonoras, piezas, instalaciones y la documentación audiovisual e impresa que la componen no se presentarán en espacios expositivos aislados (como los habitualmente dedicados a muestras temporales), sino que se insertarán primero en los espacios de los museos de Palma y Cuenca ocupados habitualmente por las obras de la colección de arte contemporáneo de la Fundación Juan March, con las que convivirán temporalmente. La exposición quiere mostrar así la práctica artística sonora de autores que fueron estrictamente contemporáneos a los artistas representados en ambas colecciones, así como la obra sonora, poco conocida, de alguno de estos últimos, y también la de creadores de las generaciones más recientes.

Si, en ciertos casos, el uso del sonido estuvo presente en la obra de algunos de los artistas de la colección de la Fundación Juan March, como Ferran García Sevilla (en el contexto del arte conceptual), en otros hubo una relación clara con la vanguardia musical experimental (como es el caso de algunas obras de Martín Chirino o el de los artefactos de Manuel Millares, expuestos en una muestra compartida con el grupo ZAJ en el año 1965). Por lo demás, otros casos, como los de Eusebio Sempere o José Luis Alexanco son paradigmáticos entre aquellos artistas de las décadas de los 60 y los 70 que, no entendiéndose como "artistas sonoros", sin embargo han formado parte de la historia del sonido y de su relación con las artes en España. Ellos iniciaron los primeros tanteos interdisciplinares con otras propuestas experimentales y, con el tiempo, posibilitaron el hábito y la comprensión del arte sonoro en el contexto de las instituciones y colecciones de arte contemporáneo. una línea en la que cabe incluir también algunos de los trabajos de Juan Navarro Baldeweg o Enrique Salamanca.

(nota de prensa de la Fundación March)



Luis Lugan. Grifos sonoros. 1972

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