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Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
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Documentos de introducción
 Introducción de Javier Martín 
 Introducción de Ana Álvarez 
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Ars Citerior

UN LUGAR INVENTADO-AN INVENTED PLACE


Un lugar inventado. Waldo Balart. Monika Buch

Inauguración: lunes 25 de Febrero a las 19h


Deriva o, tal vez, exilio, un lugar inventado para la geometría.    Antes que líneas o planos, formas o colores, ilusiones de la materia, Un lugar inventado presenta una singular reunión de artistas de diversas generaciones y países cuyo encuentro propone una reflexión sobre la poética del espacio o, en un sentido más amplio e intenso, en torno a los signos, una meditación de las formas y el espacio. “Bajo el signo del rigor geométrico”, en palabras de Juan Manuel Bonet, una cierta metafísica de la geometría, el gran espacio cósmico, en palabras de Paul Klee.  En todo caso, el arte, un diálogo misterioso con el Universo, merece, también, el enigma como respuesta.

Son los artistas: Waldo BALART (Banes, Cuba, 1931); Monika BUCH (Valencia, 1936); José María CRUZ NOVILLO (Cuenca, 1936); Sabine FINKENAUER (Rockenhausen, Alemania, 1961);  Beatriz OLANO (Medellín, 1965) y Cesar PATERNOSTO (La Plata, Argentina, 1931).

Es la propuesta que el comisario, Alfonso de la Torre, promueve para la 15ª edición de este consolidado programa de intervenciones en los escaparates de “El Corte Inglés” promovido por “Ámbito Cultural” y que cuenta con la colaboración del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte (Promoción del Arte), Ayuntamiento de Madrid y Comunidad de Madrid.    Contará con la colaboración en la escritura de Juan Manuel Bonet.

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MONIKA BUCH 70´s

Galería Rafael Ortiz, Sevilla

Inauguración 17 de enero de 2019 a las 20h30.

Abierta hasta el 7 de marzo


La Galería Rafael Ortiz presenta algo más de una veintena de obras de la artista geométrica Monika Buch (Valencia, 1936) realizadas en la década de los setenta. Época de trabajo intenso, cuando, tras diez años sin pintar, la artista tenía inquietudes investigadoras, siempre dentro de la línea y el módulo y contando con el poso que dejó su paso por la Escuela de Ulm. La obra más antigua que se presenta en esta muestra data de 1973 y se trata de una tabla donde Buch se centra en el estudio de la interrelación forma-color. La verdadera gran eclosión de su trabajo fue en 1975, con una amplia realización de tablas de 48 x 48 cm., algunas de ellas de carácter óptico-cinético. El papel es el segundo de los soportes sobre el que trabajó durante estos años, principalmente de 1976 a 1979, en composiciones realizadas con acrílico muy diluido donde consigue un trabajo exquisito de formas modulares, algunas de ellas cinéticas y otras dentro de las denominadas figuras imposibles. Monika Buch explica del siguiente modo la producción realizada en esos años: “En el trabajo que hago desde 1972 (desde que terminé mis estudios en la universidad de Utrecht) son sobre todo las gamas de colores las que predominan. Los colores pasan casi siempre de claro a oscuro o viceversa. La diferencia entre un color y el siguiente no se pueden percibir directamente, ya que la diferencia es mínima. Si hay algún salto este se puede ver solamente cuando has hecho los pasos siguientes. Para determinar la diferencia entre un color y el siguiente utilizo un elemento geométrico pequeño con el que construyo una estructura o un diseño geométrico, para esto encuentro inspiración en la geometría dinámica de Hermann von Baravalle”.

 

 

Sin título, Gouache / papel, 1976. 50 x 62 cm.

 

La obra de Monika Buch se fundamenta en lo que aprendió en la HfG. En palabras de la propia artista: “Siempre parto de una idea o una pregunta que quiero resolver. Me interesa la percepción: qué es lo que veo y porqué, por eso me gusta trabajar en un tema con variaciones. La estética es importante pero muchas veces más en un segundo plano. Una obra puede ser bella o agradable de ver, pero para mí tiene que tener algo más, algo interesante que te llama la atención o que atrae tu mirada cada vez y quieres descubrir lo que te inquieta”.

 Javier Martín

 

 

Sin título, Gouache / papel, 1979. 50 x 50 cm.


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Pedro José Pradillo. Ecce-Homo. A propósito de F. Nietzsche

 

Biblioteca Pública de Guadalajara

Plaza de Dávalos

Del 4 al 31 de enero de 2019

 

Pedro josé Pradillo.Ecce-Homo. A propósito de F. Nietzsche

La Gaya Ciencia (Die Fröhliche Wissenschaft)
Caja-collage, 31,4 x 25 x 9,5 cm.
Técnica mixta y objetos encontrados, 2017

 

Miércoles 9 de enero, 19,15 horas, conversación con el artista: Fernando Toquero moderará el encuentro entre Pedro José Pradillo y José Miguel Muñoz Jiménez, especialista en arte contemporáneo.

La Biblioteca Pública de Guadalajara presenta ECCE–HOMO, una muestra de ensamblajes –esculturas, cajas y relieves– de Pedro José Pradillo inspirados en las ideas y en la poética del filósofo alemán.

 

La Historia Oficial (Die Offizielle Geschichte)
Relieve-collage, 122 x 83 x 4,5 cm.
Técnica mixta y objetos encontrados sobre tablex, 2017

 

Nota de Prensa

Friedrich Nietzsche es uno de los sabios más influyentes en el pensamiento occidental y que más ha impactado en el desarrollo de las tendencias estéticas a lo largo de todo el siglo pasado. Quizás, por ello, en los albores de la nueva centuria es preciso acercarse una vez más a sus escritos para redescubrir caminos ya trazados, pero, ahora, ocultos tras la espesura de la maleza criada bajo el sol resplandeciente de la sociedad neoliberal: “El juicio bueno no emana de ningún modo de aquellos a quienes se prodigó la bondad”.

Pradillo, como Zaratustra –alter ego de Nietzsche–, se ha instalado en un desierto imaginario rodeado de objetos encontrados para crear una colección de obras de pequeño formato –cajas-relicarios– y de grandes dimensiones –collages-relieves– en la que, como aquél, propone la negación del sentido transcendente de los grandes ideales de la sociedad de consumo, formulando metáforas iconográficas con un marcado carácter a-racional. Así, aún pareciendo composiciones de filiación surrealista, prevalece el sentido narrativo y el enunciado retórico desacralizado.

Estas cajas y relieves, resultado de la adición de objetos dentro y sobre contenedores elaborados por él, nos invitan una vez más a citar a Nietzsche: “El autor debe callarse [y nosotros] cuando su obra empieza a hablar”.  

 

Gloria y Eternidad (Ruhm und Ewigkeit)
Relieve-collage, 122 x 122 x 23 cm.
Técnica mixta y objetos encontrados sobre tablex, 2017

(Imágenes cortesía del artista)

 


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Estimados amigos:

Desde la revista digital Conservar el arte contemporáneo español te deseamos felices fiestas y un venturoso 2019, en el que seguiremos informándote de lo acontecido en el panorama de las artes plásticas. Recibid un cordial saludo de todo el equipo.


Abel Martín. Familia de curvas empolares, 1969

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SEMPERE ÚLTIMO

 

Por Javier Martín

(Texto publicado con motivo de la edición de la revista Canalobre 69. Atlas Sempere)

 

Intentar dar un poco más de luz de los últimos años (1980-1985) que vivió Eusebio Sempere, es hablar de una vuelta a la temática del paisaje, de la edición de su carpeta de serigrafías más luminosa, y de escultura en diferentes formatos. Todo ello marcado por su enfermedad y la toma de conciencia de su propio final.

Abel Martín fue el único testigo que a diario acompañó y colaboró con Sempere, tanto por ser el amigo fiel durante más de veinticinco años, como por propia decisión del pintor de Onil, al no querer que nadie más se ocupase ni de su obra ni de los cuidados que a diario necesitaba a consecuencia de su enfermedad. En el presente texto haré referencia a aspectos  vividos en propia persona y a hechos que me fueron narrados por el propio pintor o por Abel Martín.

 

1980

Los reconocimientos oficiales por su trayectoria comenzaron en la nueva década al serle concedida la Medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes, que le fue impuesta el 29 de mayo, en el Museo del Prado, por el rey Juan Carlos I.

Se publicó la obra «Sempere», escrita por su amigo y crítico Julián Gállego. Edición a cargo de la Galería Theo, libro referente para conocer los trabajos semperianos realizados en la década de los setenta, gracias a las numerosas reproducciones que contiene.

El cinco de marzo se inauguró, en la Biblioteca Nacional de Madrid, dependiente de la Dirección General del Patrimonio Artístico, Archivos y Museos del Ministerio de Cultura, la «Exposición antológica (1946 -1979)», una muestra con ciento setenta piezas. Coincidiendo con esta exposición retrospectiva-antológica, escribió Sempere:Ha de pasar mucho tiempo para que la pintura pueda ser juzgada con un mínimo de ecuanimidad. Y hasta es posible incluso que la gente del mañana sea muy benévola con mis creaciones.[1]

En lo referente a su producción, el artista de Onil tuvo un año intenso principalmente en el campo de la serigrafía. Tras una selección de las lecturas del salterio, edita la carpeta «La luz de los Salmos», donde el misticismo alcanza altas cuotas gracias a la maestría en el manejo de la luz que sale del interior de cada una de las estampaciones.

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Fallece el artista geométrico Manuel Calvo

Manuel Calvo Abad (Oviedo, 1934 - Madrid 2018), pintor y escultor geómetra, falleció el pasado 25 de octubre.

La Galería José de la Mano se ha ocupado en estos últimos años de exponer y difundir su obra. Los interesados en la abstracción geométrica recordamos la muestra que dicha galería realizó en 2014: "El silencio. La pintura en blanco y negro de Manuel Calvo (1958-1964)".

 


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Sempere en el CADA

 

Eusebio Sempere. coleccion ars citerior

El Centre d'Art d'Alcoi (CADA), sede del IVAM en Alcoi, inaugura el próximo viernes 16 de noviembre la retrospectiva de Eusebio Sempere (Onil, 1923-1985), organizada por el Museo Reina Sofía de Madrid.  Para esta ocasión se mostrarán al público unas 170 obras del artista cinético. La exposición está comisariada por Carmen Fernández Aparicio, Belén Díaz de Rábago y Manuel Borja-Villel. Permanecerá abierta hasta el 3 de febrero de 2019.


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Waldo Balart. Estética de la existencia

Obra de cuatro décadas

Galería Roy , Felanitx (Mallorca)

Inauguración sábado 24 de noviembre a las 17h

Exposición abierta hasta el 10 de febrero de 2019

Waldo Balart. Estética de la existencia

 

 

Waldo Balart define su obra como “sistemática y concreta”. Considera que el arte es un compromiso ético con la vida a través de la estética, en la cual la forma y la estructura en la obra de arte ofrecen el rigor y el color, la fantasía.

Artista de series desarrolladas a lo largo de más de cinco décadas, su actividad plástica es inconsciente y compulsiva. A posteriori, y tras un tiempo de reflexión sobre la obra ya terminada, es capaz de reconstruir el proceso ideológico que ha seguido su mente.

Su idea concreta es una manera de concebir el mundo en el que quiere vivir, por lo que ha despojado de su vida y de sus obras todo lo accesorio y banal, para quedarse solamente con lo esencial, adquiriendo un compromiso ético con la vida basado en el rigor.

Llama a sus lienzos  “Proposiciones” en consonancia a las ideas de Wittgenstein y ha trabajado siempre en series, entre otras: “Lienzos sobre lienzos”, “Paisajes urbanos”, “Cajas”, “Conjuntos no vacíos”, “Injerencias” y “Nudos”. Siempre dentro de la abstracción concreta, alejada de cualquier referencia a nuestro entorno.

Para su trabajo ha creado un sistema basado en un “orden axiomático” del 1 al 8, en el que cada número representa a un color del espectro de la luz y que denomina “Desarrollo cromático del código del espectro de la luz (CEL)” y que utiliza en la confección de cada serie.

 

Waldo Balart. Estética de la existencia. ars citerior. una manera de veure

Longing for the Caribbean. 1998. Acrilico / lienzo. 150 x 150 cm.

 

Exiliado de Cuba tras el ascenso al poder de Fidel Castro, se traslada a Nueva York, donde se relaciona con el mundo cultural más emergente. A principios de los sesenta realiza importantes exposiciones individuales, en la Studio Gallery de Washington DC, en la Galerie Iris Clert de París y en la Graham Gallery de Nueva York, entre otras. Más tarde se traslada a  Madrid, donde entra en contacto con los pintores geométricos del momento, y expone en 1972 en el Museo Español de  Arte Contemporáneo.

Con los años, su proyección internacional ha ido en aumento, tras haber expuesto en centros de arte y museos como el Centro Cultural Mies van der Rohe (Berlín), Paksi Képtár de Paks (Hungría), Vasarely Museum (Hungría), Museum Modern Art Hünfeld (Alemania), Museum für Konlret Kunst Ingolstadt (Alemania) y Art Museum at Florida International University de Miami (Florida, EE.UU.).

Sus investigaciones sobre la luz y el color en la plástica le han proporcionado un espacio propio dentro de la historia del arte concreto.

Javier Martín

 

Waldo Balart. Estética de la existencia. ars citerior. una manera de veure

C.IV., 1.4.6.7., 55º. 2007. Acrílico / lienzo. 60 x 60 cm.

 

 

 


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En el jardín. Javier Victorero

 

Museo de Bellas Artes de Asturias. Palacio de Velarde (Planta 0)

Abierta del 20 de septiembre – 23 de diciembre de 2018,

 

javier victorero.en el jardin

En el jardín V. 2016. 195 x 114cm.

 

Nota de Prensa del Museo de Bellas Artes de Asturias

En el jardín reúne un conjunto de  obras realizadas en los últimos años por el artista Javier Victorero (Oviedo, 1967), a través de las cuales trata de establecer una analogía entre el arte y el jardín pero, también, entre el pintor y el jardinero. La característica principal que relacionaría ambos mundos sería la capacidad del  arte para ordenar el caos, al igual que hace el jardinero en su jardín conteniendo la naturaleza salvaje.

La muestra aglutina una veintena de pinturas, varias cerámicas, obra escultórica y sonido. Una experiencia, por lo tanto, completa para adentrarse en este mundo coincidente del arte y el jardín.

Javier Victorero es una de las revelaciones de la pintura española de los últimos quince años. Además de haber recibido el elogio de importantes críticos, Victorero ha sido seleccionado en los principales certámenes españoles obteniendo, entre otros, el Premio de la Junta General del Principado. Su obra está presente en importantes colecciones públicas y privadas.

 

Javier Victorero: en la noche resiste (fragmento)

Por Alfonso de la Torre

Tienta Victorero una pintura que es siempre de vocación trascendente, poblada ahora por una cierta oblicuidad de la mirada, mundo de fugas angulares a lo Olle Bærtling, formas desplazadas entre celosías, redes o tramas (en la serie “El sueño del jardinero”) y grafías zigzagueantes de “En el jardín”, restallantes tal peces dorados, como haciendo patente la necesidad de detenernos para contemplar. Con aire de fuga, como en el hermoso políptico movido “En el jardín VI” (2018). Racimos de líneas que parecen siempre brotar, erigirse desde el fondo de la pintura antes que representar formas trazadas sobre la superficie. Como espejos que se alejan, en ocasiones sus formas adquieren complejidad, todo contenido en todo lo demás, como buscadoras del lineaje de su sistema de signos10, emuladoras del brote de formas hasta alcanzar la tentativa tridimensional.

Leer texto completo


 (Agradecemos a Alfonso de la Torre la autorización para reproduir su texto)

 

javier victorero

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UN LUGAR INVENTADO-AN INVENTED PLACE


Organiza: Ámbito Cultural - El Corte Inglés

Comisario: Alfonso de la Torre

Inauguración: lunes 25 de febrero 2019, 20 h. Se podrá visitar hasta el 4 de marzo 2019

Nota de Alfonso de la Torre

AN INVENTED PLACE-UN LUGAR INVENTADO, es una propuesta sobre la geometría, sobre ese espacio inasible que genera la geometría. Deriva o, tal vez, exilio, un lugar inventado para la geometría. Antes que líneas o planos, formas o colores, ilusiones de la materia, Un lugar inventado presenta una singular reunión de artistas de diversas generaciones cuyo encuentro propone una reflexión sobre la poética del espacio o, en un sentido más amplio e intenso, sobre los signos, una meditación sobre las formas y el espacio. Una cierta metafísica de la geometría, el gran espacio cósmico, en palabras de Paul Klee. En todo caso, el arte, un diálogo misterioso con el Universo, merece, también, el enigma como respuesta.

Los artistas participantes son: Waldo BALART (Banes, 1931); Monika BUCH (Valencia, 1936); José María CRUZ NOVILLO (Cuenca, 1936); Sabine FINKENAUER (Rockenhausen, 1961); Beatriz OLANO (Medellín, 1965) y Cesar PATERNOSTO (La Plata, 1931). “Dos universos paralelos de rayos de energía cromática comunicados”, es el título de la intervención de Waldo Balart. Perteneciente a su serie “Nudos”, “parte de una reflexión sobre los Universos paralelos que quizás existan y que para mí representa una fantasía dentro del ámbito intelectual por lo que la he integrado en mi quehacer cotidiano porque llena todas mis expectativas sensibles y cumple con mis necesidades racionales”. Monika Buch, titula “Viceversa”, observando “en la vida cotidiana estoy mirando continuamente a mi alrededor, descubriendo sombras y reflejos, y me pregunto ¿de dónde vienen?, ¿qué es lo que veo?, ¿Cómo interpretamos lo que ven nuestros ojos?. Podríamos decir que una cosa es mirar y otra es ver. Los ojos miran y el cerebro interpreta las señales que recibe de los ojos. En mi trabajo como artista intento trabajar con estos dos aspectos. Utilizo la geometría haciendo un dibujo lineal, este casi nunca ofrece problemas de interpretación, pero cuando añado los colores, casi siempre una gama de colores, el dibujo adquiere un aspecto tridimensional con el cual puede surgir una ambigüedad en la interpretación de la imagen”. José María Cruz Novillo muestra una propuesta en torno a su obra (casi infinita) “La cuadratura del círculo”. Sabine Finkenauer presenta “Entre paredes”, un proyecto que representa una construcción modular que forman una especie de muro o arquitectura: “un pequeño escenario que nos ofrece la visión simbólica de una pared entre paredes”. Finalmente, “DISTORSIO”, de Beatriz Olano refiere un lugar inventado en distorsión. Un lugar imaginado. Un lugar encantado. Concluye César Paternosto mostrando “Tectónica del espacio pictórico”, un relieve en duplo representativo de su exploración en torno “a las diversas posibilidades de ángulos de lectura del espacio pictórico. Desde que, en 1969, llevé el acento de lo pintado hacia los costados del bastidor, dejando el espacio frontal de la tela en blanco para luego ir gradualmente retornando al frente con breves notaciones, he venido invitando al espectador a leer el objeto pictórico en su totalidad, es decir, la visión integral de la pintura”, a la par que realizando “aperturas en el espacio pictórico que no solo le agrega una  dimensión ambigua, sino que  también  los planos que se proyectan al espacio real remiten a mis experiencias escultóricas”.



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Eutiquio Estirado. No llega el lenguaje a las palabras


eutiquio estirado. no llega el lenguaje a las palabras. coleccion ars citerior


Sala de Exposiciones del Palacio Provincial, Alicante

Inauguración, jueves 22 de noviembre a las 12h.

La muestra permanecerá abierta hasta el 5 de enero de 2019


El quimérico museo de formas inconscientes

 Javier Martín

  

"Todos los materiales del pensar se derivan de nuestra sensaciones
externas o internas. Sólo la mezcla y la composición de éstas
pertenece al espíritu y a la voluntad".

David Hume 

 

La personalidad es lo que hace que un individuo sea él mismo y no otro, es lo que pertenece esencialmente a una persona. La noción de individuo no aparece como tal hasta la cultura grecorromana, al convertir a la persona en un ser consciente, libre y responsable. Posteriormente el cristianismo otorgará una base metafísica a la noción de persona. Y durante los siglos XVI y XVII los filósofos debatirán sobre si el alma es una sustancia o está soportada por una sustancia. En la sociedad actual, donde se dan tantas ideas por aceptadas y verdaderas sin saber bien quién, cómo y cuando lo ha establecido, no nos preocupa tanto el significado de las nociones de individuo y personalidad sino más bien la perdida de ambas, lo que nos conduce al miedo a dejar de ser uno mismo, el no tener conciencia de saber quiénes somos y el no reconocer a aquellos que nos han acompañado en el tránsito por la vida.

Con la pérdida progresiva de la memoria vamos perdiendo los sentimientos, y por tanto las respuestas emocionales que conllevan frialdad afectiva al replegarse el individuo en sí mismo. Esta contención de emociones también va produciéndose en aquellos que acompañan a la persona que va perdiendo la memoria de manera progresiva e irreversible, llegando poco a poco entre ambos a desaparecer la comunicación verbal e incluso la del contacto físico. Todo ello tendrá que ser “digerido” por la persona consciente, que tampoco ve ya al que tiene enfrente como a un ser querido sino como a alguien extraño. Todo este proceso, más o menos largo, tendrá como resultado una catarsis tras el fallecimiento del la persona demenciada, y tendrá que saber encauzar esa angustia para saberse finalmente liberado. En el plano que nos ocupa, que es la expresión plástica, quiero recordar al artista norteamericano William Utermohlen, quien tras ser diagnosticado de alzheimer trató de entender la enfermedad pintándose a sí mismo. De esta manera, el pintor fue realizando autorretratos en los que su cara era el mapa de cómo él veía la progresión de la demencia en su cerebro, como en un intento de no perder sus recuerdos.

De todo lo anteriormente dicho nos habla Eutiquio Estirado en su nueva exposición “No llega el lenguaje a las palabras”, una nueva serie pensada y “digerida” durante los últimos cuatro años y finalmente “regurgitada”. En ella los cambios de las formas y la composición van evolucionando al mismo tiempo que la asimilación de un sentimiento afectivo de pérdida, pero sin abandonar una de las constantes en su obra y en su vida, la ironía con la que trata todo. En la elaboración de sus obras, y tras una primera intervención, las deja apoyadas unas sobre otras para retomarlas semanas o meses más tarde. En este estado de espera, en algunas ocasiones se producen transferencias entre ellas, al estar en contacto unas con otras,  y en ese segundo momento reanuda su acción pictórica destruyendo parte de ellas para volver sobre la idea inicial. Así entra en un proceso de destrucción-reconstrucción en el que crea algo nuevo sin perder su primera esencia.

eutiquio estirado. no llega el lenguaje a las palabras

Arrecife. 2018 Técnica mixta sobre madera. Medidas variables

             

En las veinticuatro piezas que nos presenta, Eutiquio nos habla de todo aquello que ha tenido el peso suficiente para hacer mella en su sensibilidad y entrar a formar parte de un cúmulo de imágenes, palabras, números y conceptos que ha ido almacenando no siempre de modo consciente, y que con el tiempo han visto de nuevo la luz. Eso sí, una luz tamizada por los sentimientos acumulados por el artista en este caminar de cuatro años. De este modo han surgido composiciones en las que se observa una evolución en su paleta de colores, donde los azules, verdes y rojos han ido desapareciendo para dar paso al negro en toda su rotundidad, su elegancia y su misterio. Obras que nos hablan del lugar donde se nutre el arte, como “Arrecife”, o de recuerdos e imágenes escondidas por el miedo, como en el caso de Requeriment to correct”. También de sentimientos contradictorios y de palabras nunca dichas, en “Debate de idiotas”, para finalizar con la pieza donde se produce la catarsis ansiada, con esa palabra que todos, tantas veces, hemos pronunciado: “MADRE”.

En definitiva, como escribió Jorge Luis Borges en el poema “Cambridge”, del libro Elogio de la sombra, ”Somos nuestra memoria, somos ese quimérico museo de formas inconstantes, ese montón de espejos rotos”.


eutiquio estirado. no llega el lenguaje a las palabras

Requeriment to corret. 2018. Técnica mixta. 120cm x 165cm

                                             

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La "Serie Malevich" de Julián Casado regresa a Cuenca

 

La obra “Serie Malevich. Variaciones de una misma estructura”, de Julián Casado, será expuesta con carácter permanente a partir del mes de noviembre en el claustro del Parador de Cuenca. La pieza, donada por su viuda, Elia Fernández, a Paradores de Turismo, está Julián Casado regresa a Cuenca considerada como su obra maestra y uno de los trabajos más complejos y profundos del artista. Con esta iniciativa, Paradores se suma al programa de actividades culturales de Cuenca. Precisamente, la creación de Casado retorna a uno de los lugares que más influyeron en la vida del artista. En 1969 trabó amistad con Fernando Zobel y el grupo de pintores abstractos de Cuenca, comenzando así su etapa profesional dentro de la pintura en clave abstracta. La ciudad es sede de uno de los más destacados museos de arte contemporáneo del país.

 

julian casado, serie malevich. coleccion ars citerior

Agradecemos a Javier Plaza Márquez la autorización para reproducir el texto.

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