Leyendo cuadros. Mirando historias


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Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
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Ars Citerior

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Eusebio Sempere  en el MNCARS

Del 9 de mayo al 27 de septiembre de 2018

Comisarios: Belén Díaz de Rábago, Carmen Fernández Aparicio, Manuel Borja-Villel

Nota del MNCARS

El Museo Reina Sofía presenta una retrospectiva de Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923-1985), una de las figuras más significativas del arte español del siglo XX, que comparte escenarios e ideas del arte cinético y se caracteriza por una poética basada en la luz y el color; como escribió el crítico de arte y ensayista Vicente Aguilera Cerni, el suyo: “es un arte a la vez concreto, poético, lógico e incluso, urbanístico”. La muestra reúne alrededor de 170 obras: acuarelas, gouaches, relieves luminosos, collages, pinturas, móviles, esculturas y proyectos interdisciplinares, además de un apartado documental que abarca desde 1949 a principios de la década de 1980. En la trayectoria artística de Sempere su larga estancia en París durante la década de los cincuenta marca un punto de inflexión. Allí participa en varias ediciones del Salon des réalités nouvelles, donde en el verano de 1955 expone sus relieves luminosos móviles y un manifiesto en el que se refiere a la luz como el elemento con el que construir un diálogo poético a través del tiempo. El mismo año de la presentación de estas obras claramente cinéticas, había tenido lugar la exposición Le mouvement en la galería Denise René, considerada el origen del arte óptico y cinético. Su progresivo interés por el arte de vanguardia en España y las dificultades de la vida en París, llevan a Sempere a instalarse en Madrid en enero de 1960, en pleno auge del informalismo. Como integrante del Grupo Parpalló expone ese año en la Primera exposición conjunta de arte normativo español y tiene en el mencionado Aguilera Cerni uno de sus primeros apoyos; participa también en la XXX Bienal de Venecia (1960) y en la VI Bienal de São Paulo (1961); en 1963, con una beca de la Fundación Ford, viaja por Estados Unidos, exponiendo en 1964 y 1966 en la galería Bertha Schaefer de Nueva York. Durante esos años, la Galería Juana Mordó le representa y le dedica una muestra retrospectiva en 1965; Fernando Zóbel le incluye en la inauguración del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, en 1966. Esta exposición comienza con un conjunto de acuarelas abstractas relacionadas con la obra de Vassili Kandinsky y Paul Klee, que dan paso a una amplia representación de los gouaches realizados en París, obras geométricas de expresividad contenida en el trazo y una especial sensibilidad por la luz y el espacio; junto con una selección de los relieves luminosos en los que empezó a trabajar en 1955. Más adelante, se atiende a los diferentes intereses que centran el trabajo de Sempere desde su regreso a España a través de una selección de pinturas al gouache sobre tabla y papel, collages realizados con cartulinas y escultura en metal, desarrollada desde mediados de los años sesenta. Asimismo, se muestran sus trabajos interdisciplinares, como Proyecto de música electrónica (1967), que realiza con el grupo ALEA de Luis de Pablo; los seminarios de Análisis y Generación Automática de Formas Plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, entre 1969 y 1972; las exposiciones Antes del Arte. Experiencias ópticas perceptivas estructurales, que organiza Aguilera Cerni en Valencia y Madrid en 1968, y Proyecto IBM, planteado como una escultura de arte total, en colaboración con Cristóbal Halffter y Julio Campal.


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Antoni Miró. La mirada rebel

Antoni miro

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José Luis Alexanco. Momentos "1969"...."2017


Galería Maisterravalbuena, Madrid

Del 25 de noviembre de 2017 al 3 de febrero de 2018

José Luis Alexanco (Madrid, 1942), figura clave en la colaboración entre arte y tecnología en España y el resto de  Europa, revolucionó la escena artística del tardofranquismo organizando los Encuentros de Pamplona (1972)  y contribuyó a sentar las bases de lo que posteriormente sería el uso de ordenadores en el ámbito artístico en Europa.


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Monika Buch. Línea y Módulo

Lugar: Museo de la Universidad de Alicante (MUA). Sala Sempere

Fechas: Del 26 de enero al 28 de febrero de 2018

Inauguración: Viernes 26 de enero a las 18h.

Comisario: Javier Martín



La familia, procedente de la ciudad alemana Halle an der Saale, se trasladó a finales del siglo XIX a Valencia, donde fundó la empresa Máximo Buch, dedicada a la fabricación de cepillos. Monika Buch nació en esta ciudad el 5 de marzo de 1936. Meses más tarde, debido a la Guerra Civil, toda la familia fue evacuada a Alemania. En palabras de Monika Buch, “así nos convertimos en una familia de refugiados”. Tras tres años residiendo en Bad Godesberg, cerca de Bonn, nada más finalizar la contienda española, la familia decide volver a Valencia, pero cuando el barco estaba pasando por el canal de la Mancha, el Reino Unido declaró la guerra a Alemania y el barco tuvo que retornar a  Hamburgo. Los Buch, en su afán por volver a España, viajaron en tren a Italia y en Génova se embarcaron con destino Barcelona, donde les recibió el padre de Monika que ya había regresado previamente.

Finalizados sus estudios en los Colegios Alemanes de Valencia y de Barcelona, y tras realizar el servicio social femenino, que le resultó obligatorio para obtener el pasaporte, su madre le animó a que se trasladase a la ciudad alemana de Ulm, donde en enero de 1956 Monika ingresó en la Hochschule für Gestaltung (HfG) de Ulm (Escuela Superior de Gestaltung o Escuela de Ulm). Esta institución estaba dirigida por Max Bill e incorporó como docentes, además del propio Bill, a Josef Albers, Johannes Itten y Walter Peterhans. Todos ellos procedían de la mítica Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal), fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar y cerrada por las autoridades nazis en 1933.

 

Monika Buch. Línea y Módulo. Colección Ars Citerior

Sin título. 1956. Gouache sobre cartulina. 51 x 73 cm.

 

Monika Buch relata sus primera impresión de la Escuela: “En enero de 1956 un día esplendido y frío vi por primera vez el magnífico edificio de la Hochschule, en mi vida había visto algo parecido, este acontecimiento cambió toda mi vida. Lo llevo clavado en mi mente”.

Los estudios en la HfG estaban basados en la percepción visual según la psicología de la Gestalt (o psicología de la forma), cuyo lema es que El todo es mayor que la suma de sus partes. Es decir, que la figura en que nos fijamos está formada también por el fondo en que se encuentra, por lo que la suma de todas esas formas (figura y fondo) es mayor que la figura inicial en la que nos hemos fijado. En aquel centro, Tomás Maldonado puso en práctica el curso “visuelle methodologie” en el cual se realizaban ejercicios sobre temas como: Figura/fondo, efecto espacial, ambigüedad, exacto/inexacto o el negro como color”. Otros estudios impartidos en Ulm fueron el de las perspectivas lineales a cargo de Albers,  la geometría como lenguaje de las formas por el profesor Hermann von Baravalle y Helene Nonne Schmidt (asistente de Paul Klee en la Bauhaus), de la que Buch aprendió el trabajo con los matices de colores. Y todo ello bajo la dirección del artista y arquitecto suizo Max Bill, comprometido con el arte concreto y que consideraba la obra de arte como un objeto para el uso espiritual.

 

 Monika Buch. Línea y Módulo. Colección Ars Citerior

Hochschule für Gestaltung  

 

Durante los dos cursos que permaneció Monika Buch en la HfG, el estudio de la geometría y sus posibilidades fueron una de sus pasiones, lo que dio lugar al carácter de las obras que llevó a cabo en estos años y que fueron la base de gran parte del desarrollo de sus investigaciones plásticas: las posibilidades que ofrece la línea y el módulo y las formas que pueden derivarse de ambas, gracias a los giros y traslaciones. Unas de las formas resultantes fueron las llamadas figuras imposibles, porque no pueden existir en realidad, surgen cuando se pretende obtener una figura tridimensional con datos bidimensionales provocando en el espectador una tensión emocional al crearse un enigma visual. El color fue también muy característico de las formas que Buch realizó en estos años, tanto que la propia autora los denomina como “unos colores muy Ulm”.


Monika Buch. Línea y Módulo. Colección Ars Citerior

Sin título. 1958. Gouache sobre cartulina. 48,5 x 50 cm.


Tras su etapa en Ulm, en 1958 se trasladó a Utrecht, ciudad donde sigue ahora residiendo y  donde cursó los estudios universitarios de pedagogía y psicología infantil. Durante dos años centró su actividad en el campo del diseño de juguetes en la fábrica holandesa ADO. Desde 1972 se dedicó a su trabajo artístico, con investigaciones centradas en la interrelación forma-color.

La obra de Monika Buch se fundamenta en lo que aprendió en la HfG. En palabras de la propia artista: “Siempre parto de una idea o una pregunta que quiero resolver. Me interesa la percepción: qué es lo que veo y porqué, por eso me gusta trabajar en un tema con variaciones. La estética es importante pero muchas veces más en un segundo plano. Una obra puede ser bella o agradable de ver, pero para mí tiene que tener algo más, algo interesante que te llama la atención o que atrae tu mirada cada vez y quieres descubrir lo que te inquieta”.

 

Monika Buch. Línea y Módulo. Colección Ars Citerior

Sin título. 1975. Acrílico sobre tabla. 49 x 49 cm.

 

Javier Martín

- CATÁLOGO DIGITAL-

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Dis Berlin. Canciones y Silencios


Galería Siboney

Del 10 de noviembre al 14 de diciembre de 2017


Dis berlin. canciones y silencios


CATALOGO DIGITAL

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La Colección Arte Siglo XX. 1977-2017

EL MUSEO DE ARTE CONTEMPORÁNEO DE ALICANTE (MACA) CELEBRA EL 40 ANIVERSARIO DE LA COLECCIÓN ARTE SIGLO XX CON UNA GRAN EXPOSICIÓN.

INAUGURACIÓN VIERNES 3 DE NOVIEMBRE A LAS 19 HORAS.

 

coleccion arte siglo XX. eusebio sempere

 

Colección ARTE SIGLO XX. Donación de Esusebio Sempere a la ciudad de Alicante

 

La mayor preocupación de Sempere durante la primera mitad de la década de los setenta fue la donación de su colección a la ciudad de Alicante. Su querida colección  personal, formada con significativas piezas de aquellos artistas a los que admiraba. Obras que Sempere consiguió por intercambio de sus gouaches, en algunos casos directamente con sus propios amigos y en otros canjeados con marchantes y herederos. Podemos citar el ejemplo del lienzo de Joan Miró, que intercambió por siete tablas de su propia producción. O el caso de la adquisición del Juan Gris, primer cuadro de este pintor que entró a formar parte de una colección pública de arte español. Por esta Nature morte a la serviette de 1924, Sempere pagó a principios de los años setenta 74.000 dólares.

El pintor de Onil tenía estudiados a fondo todos los aspectos sobre las obras que iba a donar, las cuestiones legales, incluso detalles como los carteles que debían anunciar la existencia del museo, o cuándo tenía que ser la apertura. El ayuntamiento propuso realizar la inauguración el día principal de la fiestas de la ciudad, a lo que Sempere les contestó: “es una fiesta muy especial (refiriéndose a les Fogueres de Sant Joan) y en cierto modo reñida con el silencioso mundo del arte. Me gustaría que la inauguración fuese un acto muy sencillo y sin discurso por mi parte”[1].

Gracias a la correspondencia entablada en esa época con los representantes del Ayuntamiento de Alicante, podemos conocer los temores que el autor albergaba. En una carta dirigida a Ambrosio Luciañez, el que luego sería Alcalde de la ciudad, le dijo: “El Ayuntamiento de Alicante debe ser depositario de esta colección y deseo que se pueda encontrar el edificio digno para albergarlo… Debe ser la mejor instalación de nuestro país sin egoísmos por parte de nadie. Sin nombre pues tampoco el mío quiero que figure en el título del Museo o Colección[2].

En lo referente a las cláusulas legales de la donación, estableció que sería válida mientras se siguiese viviendo en un país con un sistema democrático, y que su colección era cerrada, no pudiendo incorporarse otras obras. Esto lo realizó para que una vez desaparecido él, nadie pudiera hacer presión para incorporar a otros artistas que pudieran no estar a la altura de la colección. La cláusula que resultó en su día más polémica fue que Sempere se reservaba la propiedad de cinco obras. Estas eran La Montserrat de Julio González, Nature morte a la serviette de Juan Gris, dos obras de Miró -el lienzo Femme et oiseaux y la escultura-, y la escultura de hormigón de Chillida. Ante las críticas por estas reservas Sempere respondió: “Yo tengo que tener conocimiento en mi subconsciente de que no me voy a morir de hambre”[3], acordándose de los años de penuria económica que había conocido.

El proyecto culminó un 5 de noviembre de 1977, con la inauguración del Museo de la Asegurada.

(Extracto del texto de Javier Martín: "Sempere, sempre... entre nosaltres", 2015.)



 

[1] Dionisio Gázquez Méndez: “Sempere y Alicante. Crónica de un legado”. En Op. cit. AAVV: Eusebio Sempere una antológica 1953-1981,  p. 101.

[2] Dionisio Gázquez Méndez: “Sempere y Alicante. Crónica de un legado”. En Op. cit. AAVV: Eusebio Sempere una antológica 1953-1981, p.100.

[3] Diario “La Verdad”, de Alicante, 11 de noviembre de 1977.

 

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Eusebio Sempere. Obra gráfica


Sala Ignacio Zuloaga, Fuendetodos, Zaragoza

Inauguración el 18 de octubre de 2017.

Comisaria: Rosa Mª Castell


La exposición muestra 21 serigrafías y cinco litografías del artista Eusebio Sempere (Onil, 1923-1985). Además, incluye un retrato que le hizo a Abel Martín (Mosqueruela, 1931-Madrid, 1993) y una escultura y varias serigrafías realizadas por el artista turolense.

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Misterioso Espacio


Galería Ansorena, Madrid

Del 17 de octubre al 24 de noviembre de 2017

Texto de Alfonso de la Torre (en fichero adjunto)

(Agradecemos a Alfonso de la Torre la autorización para reproducir el texto)


Misterios Espacio


 

Misterios Espacio


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Waldo Balart. Propositions on color, rhythm and light

 

Waldo Balart.

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José Manuel Broto  Premio Nacional de Arte Gráfico 2017

Coincidiendo con la inauguración de la exposición  de Gustavo Torner (Premio Nacional de Arte Gráfico en 2016) en la Calcografía Nacional, se anunció que el Premio para el presente año recaía en el pintor José Manuel Broto.

El jurado, ha estado compuesto por Antonio Bonet Correa (presidente), Juan Bordes (secretario), Gustavo Torner, Chema de Francisco y Juan Carrete Parrondo (vocales).

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Gustavo Torner. Exposición en la Calcografía Nacional

 

Gustavo Torner. Premio nacional arte grafico 2016

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HACER AMAR. PLANTAR ÁRBOLES

Colección VALZUELA

Centro de Arte de Alcobendas

Del 14 de septiembre al 18 de noviembre de 2017

 

hacer amar. plantar arboles. coleccion valzuela

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