Leyendo cuadros. Mirando historias


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Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
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 Introducción de Javier Martín 
 Introducción de Ana Álvarez 
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Ars Citerior

Ángel Gómez. Perspectivas

 

ángel gomez. Prespectivas

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Gonzalo Elvira. Nunca Real / Siempre Verdadero

Azkuna Zentroa

Comisario: Iván de la Nuez

DEL 14 DE MARZO DE 2019 AL 22 DE SEPTIEMBRE DE 2019

 

gonzalo elvira. nunca real, siempre verdadero

(Imagen y texto cortesía Gonzalo Elvira)



«Nunca real y siempre verdadero» es una frase de Artaud que funciona
como estandarte de esta exposición sobre la simbiosis entre el arte y la
literatura. Un lema que conecta a los trece artistas participantes, que
se mueven entre ambos mundos y cuyos trabajos tratan con naturalidad al
arte como un género literario y a la literatura como un proyecto
expositivo. Aquí queda marcada una crítica al statu quo de los sistemas
que gobiernan tanto el arte como la literatura, y a su tratamiento como
cotos cerrados. De ahí la apuesta por el traspaso de sus respectivas
fronteras y la intención de disolverlas.

Digamos que no es sólo un ‘arte’ para mirar, sino también para leer. Del
mismo modo que se ha producido una implosión del arte en la literatura,
ha tenido lugar una energía centrífuga que, en dirección opuesta, ha
colocado a la narrativa en el mundo del arte, ofreciéndole un campo en
el que progresar y renovarse. Así, en Nunca real / Siempre verdadero se
entiende que, ante la cascada visual que nos agobia, el arte ha de ser
capaz de acoger las palabras que expliquen esta Era de la Imagen.

Nunca real / Siempre verdadero es, al mismo tiempo, una exposición, una
reflexión sobre la posibilidad narrativa del arte y, finalmente, la
construcción de un espacio común para alojar esa aventura. Es un libro
de libros, un relato a la vista y en tiempo real. Una experiencia que
busca transparentar ese proceso en que el texto se convierte en textura,
la palabra en imagen, el libro en display, la exposición literaria en
exposición visual.

Iván de la Nuez. Comisario de la exposición.

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Salvador Victoria. La Edad de Oro


Lugar: Tiempos Modernos, c/ Arrieta, 17, Madrid

Inauguración: Miercoles 20 de marzo, 19h.

Exposición realizada en colaboración con la Fundación Museo Salvador Victoria


Nota de Tiempos Modernos
 
La exposición, que se ha realizado con la colaboración de Marie Claire Decay Cartier-viuda del artista- y la Fundación Museo Salvador Victoria, presenta una selección de obras históricas de los primeros años del pintor español, uno de los artistas más destacados de su generación.
 
La exposición ha seleccionado doce obras importantes desde mediados de los años 60 hasta principios de los 80. Y recoge tres periodos fundamentales en la edad de oro de Salvador Victoria: los relieves poéticos de mediados de los 60, los siguientes cuadros monocromos, que suponen una nueva etapa de su obra, y finalmente la aparición de la geometría en sus cuadros.
 

LOS AÑOS DE PARÍS

Salvador Victoria es uno de los artistas claves de su generación. Un grupo de artistas -desde Saura a Lucio Muñoz, pasando por Sempere o Millares- que han dado origen a una de las épocas más brillantes del arte español. Victoria, nacido en Rubielos de Mora en 1928 y formado en Valencia, sigue el canon de la época y en 1956 se instala en París donde permanecerá hasta 1964. Este paso es fundamental en su formación, por su contacto con los últimos movimientos artísticos y su relación con grandes pintores españoles e internacionales, como Dubuffet, Jean Baptiste Chereau, Pierre Soulages, Egon Nicolaus, Antonio Saura, Eusebio Sempere, Lucio Muñoz... Es su época informalista.
Desde París recorre Europa, expone en 1960 en la XXX Bienal de Venecia, en 1961 en la Bienal de París y funda el grupo Tempo con otros pintores internacionales.
 
 

Salvador Victoria. La edad de oro


Composición para noche de luna. Relieves poéticos, 1965. Óleo/tabla.

(imagen cortesía Marie Claire Decay)



REGRESO A ESPAÑA

Victoria vuelve a España. Se ha casado con Marie Claire Decay Cartier y se presenta en Madrid. No es un desconocido. Nada más llegar expone en la Sala del Prado del Ateneo de Madrid, tal vez el mejor espacio de la época. Carlos Edmundo de Ory, uno de los grandes intelectuales del momento, le recibe dedicándole un poema en el que habla de “colores de la tierra antigua” y “cuadros de miel de tinieblas”. Ory acierta. La pintura que Victoria presenta en su estreno madrileño está compuesta de pliegues y collages, busca la profundidad y se inspira en el quattrocento italiano, utilizando el temple. También el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, que se inauguró en 1966, le abrió sus puertas desde el primer momento. Victoria había vuelto a Madrid y estaba en el centro de la pintura española de los años 60.


LA ÉPOCA DE JUANA MORDÓ
 
Salvador Victoria había conocido a Juana Mordó en París. Y cuando la mítica galerista abrió su espacio en Madrid, pasó a ser uno de sus artistas. Tras la primera exposición de 1968, vinieron otras cuatro más en la galería Mordó, hasta 1984. Ese es precisamente el periodo que recoge la exposición de Tiempos Modernos.
 
Las grandes obras: desde los primeros relieves poéticos hasta las últimas esferas de su mundo en suspensión. Salvador Victoria desarrolla y evoluciona su obra en sus años más simbólicos. Abandona el informalismo y se acerca a la geometría, pasa del temple al óleo, introduce nuevos colores y finalmente crea las esferas que definen su mundo. Todo esto está en la exposición de Tiempos Modernos. Un viaje en profundidad por la obra de uno de los grandes artistas españoles de su época.
 
 



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'CÁMARA VÍRICA'. FESTIVAL CUVO

 

Museo Francisco Sobrino

Cuesta del Matadero, 5, Guadalajara

Viernes 15 marzo

Inauguración muestra de videoarte CUVO, 19:00 horas

Del 15 al 31 de marzo de 2019

 

 Museo Francisco Sobrino 

 

Durante dos semanas la sala de proyecciones del Laboratorio GRAV mantendrá en exhibición continuada las piezas de videoarte producidas por Danilo Bracchi y Felipe Cortez (Brasil), Zhang Yunfeng (China), Josué Bernabé (España), Josh Bricker (Estados Unidos), Gabriel Garble (Malasia), Sandrine Deumier (Francia), Pablo Martín Córdoba (Argentina), y Rudolph Castro (Perú). Estos artistas son los seleccionados en la convocatoria internacional del Festival CUVO, promovida por Investigación y Arte, en la que han participado más de ciento setenta creadores de cuarenta y dos nacionalidades.

Esta edición, presentada bajo el lema ‘Cámara Vírica', es "una oda al videoarte, un viaje audiovisual a través de ocho visiones de la cámara de vídeo en la actualidad para fomentar la crítica, la autoconsciencia y los diferentes estilos que se han asentado en esta disciplina artística", según declaraciones de sus organizadores.

El día 15 Festival CUVO será presentado por Alfonso González-Calero, director de Investigación y Arte y organizador del evento, Carmen Vera Gutiérrez, comisaria, y Josué Bernabé, uno de los creadores seleccionados y autor de la pieza Faster.

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Luna Bengoechea Peña. Hyper Natura

Galería Lucia Mendoza

Inauguración, 16 de marzo de 2019 a las 12:00h.

En exposición hasta el 4 de mayo de 2019.


Nota de la galería Lucía Mendoza

Hyper Natura es la primera exposición individual de Luna Bengoechea Peña en la galería Lucía Mendoza.
Su trabajo aborda la problemática que surge alrededor de la industria alimentaria y le conduce a investigar acerca de los modelos actuales de producción de alimentos y su comercialización. Parte de referencias que encuentra en los clásicos de la historia del arte -especialmente el género del bodegón o las ilustraciones botánicas- para contextualizar la relación del ser humano con los alimentos y la naturaleza.

Su obra supone una revisión del sistema alimentario establecido, sus normas, sus técnicas e, incluso, los agentes implicados. Los alimentos trasgénicos, el comercio, los nuevos modelos de colonización. Hyper Natura supone un recorrido por los temas en los que Luna Bengoechea profundiza con ánimo de ser más consciente de lo que estamos haciendo con la naturaleza que nos rodea. Cuestiona el sistema alimentario actual y las contradicciones del mercado, hace hincapié en las problemáticas que genera la producción global e intensiva, causante de graves daños medioambientales.

Luna Bengoechea propone Hyper Natura como análisis artístico-crítico sobre la producción global de alimentos, siguiendo el hilo argumental de sus últimas acciones, centrando su posicionamiento en contra de las políticas agrarias macroeconómícas y la biopiratería alimentaria.

La muestra se completa con una intervención específica, empleando granos y cereales, que hace referencia a la dependencia energética del sector primario, debido a la explotación de los recursos naturales de forma industrializada, intensiva y dependiente del petróleo.  Los granos y cereales empleados para realizar esta intervención efímera en la galería, serán donados al final de la exposición, para su uso como alimento de animales o su uso como compost.

El trabajo de Luna Bengoechea se ha centrado en descubrir, con una poética limpia y acabados elegantes, ciertos aspectos relacionados con la sociedad del riesgo: la contemporánea y libre circulación de los venenos en la alimentación (…). PSJM, 2018

 

Ver catálogo

(Imágenes y catálogo cortesía de la galería Lucia Mendoza)

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Ubay Murillo

 

ubay murillo. galeria rafael ortiz

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La Experiencia del arte

Rafael Canogar

 

La Experiencia del arte. Rafael Canogar

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Monika Buch. Trajectòria 1956 / 2018

 

Monika Buch. Trajectories. coleccion ars citerior

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Premios AECA en ARCO


En la Feria Internacional de ARCO 2019, tras la votación de los miembros de la Asociación Española de Críticos de Arte, que otorga esta distinción, se han concedido los Premios AECA en ARCO, a la Galería José de la Mano, como mejor espacio de esta edición. A César Paternosto, conjunto distinguido de obras de artista internacional y a Luis Vassallo, como más prometedor e interesante artista español joven.

 

Premios AECA

Stand Galería José de la Mano

(imagen cortesía AECA)

 

José de la Mano, que da nombre a la Galería José de la Mano, es un experto en dibujo de los ss. XVII y XVIII, y comenzó dedicando su espacio a venta de dibujos. En 2005, varió su oferta y dedicación, abriendo una investigación de los autores españoles en los años de postguerra, cincuenta-sesenta. Y es esa línea, con magníficos hallazgos, la que le ha dado visibilidad en el mundo del mercado del arte. En Claudio Coello realizó importantes aportaciones revelando obra secreta u olvidad de Vallmajó, Luis Feito, Puig Manera, Labra, de la Sota, Labra.

En 2014 se instaló en su ubicación actual, C/ Zorrilla 21, edificio que habitó Azorín, donde ha puesto en valor ciertos nombres y rehabilitado sus obras, en torno al arte concreto, nuevas tecnologías, con muestras extraordinarias como las de Manuel Calvo, Fernando Nuño, Ángel Duarte o la actual de García Miranda.

En ARCO 19 presentaba un stand muy coherente y limpio, bien montado, mostrando el cinetismo español, el concretismo, geometrismo y otros ismos afines con piezas excepcionales de Labra, Lugán, Sobrino, Ángel Duarte, Alfaro.

La Galería Cecilia de Torres, de Nueva York, presentaba en ARCO un stand sobrio, elegante, intenso, magnífico, con obras de César Paternosto, realizadas tras varios viajes a yacimientos arqueológicos de Bolivia y Perú, en los años 1977-92, conectándose en cierta manera con la presencia peruana de ARCO’19.

 

Premios AECA

Stand Galería Celia de Torres

(imagen cortesía AECA)

 

César Paternosto, La Plata 1931, es hijo de la estética Madi, se instala en Nueva York en 1967, crece como artista y depura su lenguaje. Tras distintas ubicaciones se establece en España, Segovia, realizando exposiciones importantes en el Esteban Vicente, Museo Thysssen y la Galería Guillermo de Osma. Además de otros espacios internacionales. Es uno de los artistas más vistos y más ignorados, porque suya es la realización de la sala de salida de la estación del AVE, en Madrid, aunque tantos lo ignoren.

 

Premios AECA

Stand Esapacio Valverde. Luis Vassallo y el galerísta Jacobo Fitz-James

(Imagen cortesía AECA)

 

Luis Vassallo, Madrid 1981, de familia de escultores y pintores, se licencia en la Complutense, se diploma en Diseño Gráfico y realiza su beca Sócrates-Erasmus en el HIBK de Hamburgo. Expone regularmente con Espacio Valverde y otros centros institucionales.

Ha realizado varias colectivas y once individuales, en distintas capitales de España. Viene haciendo un trabajo de integración entre los lenguajes de vanguardia y los actuales que resulta muy atractivo y pertinente, con una evidente adhesión emotiva del espectador y los coleccionistas.

Entre los miembros de AICA Spain que tomaron parte en la entrega de los premios: Blanca García Vega, Pilar Aumente, Lourdes Cerrillo, Jesús Pedro Lorente, Desirée Orús, Esther Plaza, María Dolores Arroyo, Anita Revilla, Emilia de Dios, Fernando Alvira, Ángel Pedro Gómez, Jesús Cámara, Antonio Calderón de Jesús, Pedrero, Satoru Yamada, Pilar Sancet.

 

                                                                                                          Tomás Paredes

                                                                                             Presidente de AICA Spain

 


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Semana de FERIAS

Por Javier Martín

 

Todo comienza el lunes 27 con “Un lugar inventado”, una propuesta de Alfonso de la Torre para el programa anual de intervenciones en los escaparates de “El Corte Inglés”, promovido por “Ámbito Cultural”.

Su inauguración sirve de entrada a la semana que presenta una extraordinaria aglomeración de ferias, galerías, críticos, comisarios, aficionados al arte. Y de coleccionistas, que en definitiva son los principales destinatarios de este esfuerzo, pues ¿qué sentido tendría todo ello sin alguien dispuesto a pagar, incluso empeñándose, por adquirir obras de arte?

El miércoles 28, ARCO abre sus puertas a un número cada vez mayor de personas interesadas por el arte contemporáneo. Críticos, coleccionistas y VIPS se pasearon por los pabellones de IFEMA. Es el día de ver el máximo posible de propuestas artísticas, pero también de saludar a amigos y conocidos. Llega la hora de reponer fuerzas y si decides ir a tomar algo a la sala VIP puedes sentirte observado por personas que buscan a alguien conocido o algo que les llame la atención. Como todos los años, pienso que algunos de esos curiosos ni siquiera llegarán a pasearse por los stands de las galerías, y me parece que su número aumenta con cada edición. Tras treinta minutos de cola, decido irme a recorrer los pabellones, a ver por primera vez obras de autores a los que no conozco, y a observar las piezas de artistas a los que sigo desde hace más de dos décadas, y que suelen reafirmarme en mis gustos. También me intereso por los stands de editoriales o por los de las comunidades autónomas. Recuerdo con añoranza el espacio del que disponía la Asociación de Coleccionistas 9915, al que la organización de ARCO decidió el año pasado dejar de apoyar. Rara decisión en un país donde hay muchos artistas, muchas galerías, muchos críticos, muchos curiosos… y pocos coleccionistas. También echo en falta en esta edición las galerías  Javier López, Carlos Taché o Pilar Serra.

La jornada es agotadora, y es necesario volver a Madrid y recuperar fuerzas para ir al día siguiente a visitar las demás ferias. Por la mañana Justmad, en el bonito Palacio de Neptuno, paseo fijándome en las obras de jóvenes autores que bien merecerían un apoyo para que pudiesen seguir desarrollando su trayectoria. Visito también  Drawing Room, en el Palacio Santa Bárbara, una feria que ha encontrado su hueco propio dentro de la amplia oferta de esta semana, y que mejora en cada edición. A última hora de la tarde una visita a la desenfadada feria Hybrid y al Salón de Arte Moderno de Madrid (SAM), en su primera edición.

Viernes por la mañana, en Art Madrid, me encuentro con muchos conocidos, artistas y, sobre todo, coleccionistas que han decido dar un paseo por esta feria tan bien ubicada. Uno de los coleccionistas me comenta que por la tarde irá a ARCO, pues, tras quince años recibiendo la invitación para el día dedicado a los profesionales, este año no le ha llegado. Tal vez la organización haya pensado restringir las entradas, aunque por mi experiencia del miercoles pienso que tal vez algunas invitaciones se destinan a otro tipo de personas. Coleccionistas que, año tras año, adquirieron obras en galerías que dieron su soporte a la feria con más influencia en nuestro país, se ven ahora relegados. El que realizó el grueso de su colección en galerías como Antonio Machón, EGAM, Edurne, Siboney, Italia o Cánem ya no forma parte del sistema actual.

¿La política de la dirección de ARCO será a partir de ahora la de poner la alfombra roja a los posibles nuevos compradores y entrecerrar la puerta a los que se cree que ya no aportan nada al sistema? ¿No habría que pensar que aquellos coleccionistas que estuvieron apoyando a las galerías en los anteriores años, son los que han hecho posible la supervivencia de las mismas y, por lo tanto, la de las ferias? La respuesta en próximas ediciones.

Para finalizar con buen sabor decido visitar en la mañana del sábado las exposiciones de Joan Hernández Pijuan  en la Librería Blanquerna, la de Gabriela Bettini en Tasman Projects y la colectiva No has visto el final con obra de Marlon de Azambuja, Antonio Franco, Miler Lagos, Jorge Oteiza y Elsa Paricio en el Espacio OTR.

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Joan Hernández Pijuan. Paisajes que se bifurcan


Lugar: Centro Cultural Llibrería Blanquerna, calle Alcalá, 44, Madrid.

Inauguración:  Viernes 1 de marzo, de 10-13 h.

Abierta: hasta el 11 de mayo de 2019.

Comisario: Valentín Roma

Colaboran: familia Hernández Maluquer


Joan Hernández Pijuan. Paisajes que se bifurcan

Imagen cortesía familia Hernández Maluquer


Exposición que abarca tres décadas de la producción de Hernández Pijuan con el paisaje como referencia.
La muestra constará de 35 gouaches sobre papel Japón de la serie Granada (2004), siete litografías tituladas Proyectos para un paisaje (1976), una selección de los diarios personales, fotografías y tres cuadernos inéditos, con dibujos y anotaciones del autor.


 


 


 
 

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Antes del arte. 50 años después

 

antes del arte. cincuenta años

 

Nota de Prensa de la Fundació Martínez Guerricabeitia

Producida por el Vicerrectorado de Cultura i Esport y la Fundació General de la Universitat de València ‘Antes del arte – 50 anys després’ nos propone una mirada científico artística del mundo del arte, o más bien a la percepción generalizada indiferente en cuanto a las posibilidades de acción entre ambos campos del conocimiento. Y lo hace a partir de un conjunto reducido de artistas plásticos (Michavila, Sanz, Sempere, Sobrino, De Soto, Teixidor e Yturralde) y músicos (Marco y Llàcer), inspirados programáticamente por el crítico Aguilera Cerni, que articularon una consistente propuesta de cariz gestàltic integradora de disciplinas con la formación “Antes del Arte”.

Comisariada por el arquitecto Santiago Pastor Vila las obras reproducen, medio siglo después, el ambiente de las exposiciones en que se posaban ante el espectador objetos y dispositivos móviles capaces de generar varias experiencias ópticas, perceptivas y estructurales.

La filosofía del grupo estaba enmarcada por los giros geométricos del arte, interesado en el campo de la psicología perceptiva y trataba de promover encuentros entre la actividad artística y los métodos empíricos de las ciencias. “Realizaban trabajos y pruebas sobre teorías ópticas que se están descubriendo y difundiendo en ese momento, como las teorías de Penrose; trabajan con un profesor de óptica, comparten lecturas con Aguilera Cerni...” explica José Pedro Martínez, director de actividades de la Col·lecció Martínez Guerricabeitia.

Las obras proceden de colecciones privadas, el IVAM, el MACA de Alicante y la Fundación Juan March.

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