ISSN 2444-1228
Leyendo cuadros. Mirando historias
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Entrega número 48
José Mª Yturralde
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Colección Ars Citerior
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Ángel Duarte. La voz internacional del Equipo 57
(Imágenes cortesía Galería José de la Mano)
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Joan Hernández Pijuan. Obra sobre papel. 1986-2004
Galería Tiempos Modernos, Madrid
Del 12 de abril hasta mediados de junio de 2018.
En Blanc. Gouache s/ papel.1986
Nota de Prensa
La muestra es un recorrido por los paisajes de un artista fundamental y muy personal dentro de la pintura española contemporánea. La exposición presenta dibujos –en su mayor parte gouaches sobre papel- realizados entre los años 1986 y 2004.
Hernández Pijuan es uno de los pintores más sutiles de nuestro tiempo, con un estilo propio que le hace inclasificable. Sus dibujos-como su pintura- están inspirados en los campos de Folquer, el paisaje leridano que tanto amaba. La exposición que inaugura Tiempos Modernos –trece años después de su desaparición- es un homenaje a este pintor grande, con obras de una sencillez abrumadora.
Sin título. Gouache s/ papel Japón, 2004
La naturaleza es el referente de las obras que forman la exposición. Gouaches sobre papel, en diferentes formatos, que constituyen el paisaje más personal de un artista español valorado a nivel internacional. “Llegar a mi pintura de paisaje –explicó el pintor- no ha consistido en situar el caballete en medio del campo; el proceso ha sido al contrario: he ido viendo el paisaje por las situaciones que surgían en mi pintura”
(Imágenes cortesia familia Hernández Maluquer)
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Esteban Vicente. La pintura tiene que ser pobre
Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA)
Del 11 de abril al 1 de julio de 2018
Nota de Prensa
El título de la exposición Esteban Vicente. La pintura tiene que ser pobre hace alusión a un texto escrito por el artista, originalmente en inglés “Painting shoud be poor” que nos habla sobre el proceso de creación de una obra de arte y sobre el significado de su pintura. La muestra comprende una selección de 27 obras de la Colección Permanente del Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente que permite hacer un recorrido por la evolución del artista en sus diferentes etapas creativas.
Esteban Vicente se forma en España, cerca de los postulados de la Escuela de París y de los poetas pintores de la generación del 27. En 1936 marcha a EE.UU y se instala en Nueva York adscribiéndose a la corriente del expresionismo abstracto. Desde las composiciones enmarañadas y abigarradas de los primeros 50, su pintura evolucióna, en los años 60, hacia el mayor protagonismo de las formas que ordenan al mismo tiempo la composición. En los 70 el color conquista por completo la obra y cambia el pincel por el uso del aérografo, lo que le permite atrapar la luz gracias a la saturación del color. Esteban Vicente muestra un paisaje interior reducido a color, veladuras y matices, en una búsqueda constante del color y de la luz. En los 80 y 90, la pintura de Esteban Vicente alcanza la libertad; las formas orgánicas y diversas retoman la naturaleza como tema principal en formato de gran tamaño, los colores se multiplican, la luz emana de las obras, el color es la luz.
Una búsqueda de la luz que se convierte en esencial también en la creación de Eusebio Sempere en este caso a través de la abstracción geométrica y que se percibe en el propio espacio arquitectónico del MACA. Esta exposición es fruto de la colaboración entre el Museo de Arte Contemporáneo Esteban Vicente y el Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, instituciones afines en tanto que contemplan entre sus funciones, la de promover la programación de exposiciones temporales que complementan la visión y estudio del arte contemporáneo.
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Eusebio Sempere y Abel Martín.
La música de los números que no existen
Inauguración, jueves 5 de abril a las 12h.
Nota de Prensa
Las creaciones gráficas de Eusebio Sempere se aproximan a doscientas obras. El MACA posee una colección importante de estampas calcográficas, litográficas y serigráficasde Eusebio Sempere, estampadas por su compañero Abel Martín.
En la Calcografía Nacional se presentan nueve carpetas de serigrafías de Eusebio Sempere, que recorren la trayectoria vital del artista y de Abel Martín, y ponen de manifiesto la colaboración, la unión y la comunicación espiritual de ambos. Sempere fue el creador de las formas y de los colores que Abel Martín, excelente estampador, plasmaba sobre el papel mediante la superposición de pantallas de seda, una por cada uno de los colores empleados, a veces más de cuarenta.
Las Cuatro Estaciones de 1965, Álbum Nayar de 1967, Libro Alarma, Transparencia del tiempo o La Alhambra de 1977, Homenaje a Gabriel Miró de 1978, La luz de los salmos de 1980, Cántico espiritual de 1982 o la carpeta póstuma de Las cuatro estaciones de 1988, que acabará Abel Martín en solitario, conjugan la magia de los números que no existen con la literatura precisa para cada línea. Todas las carpetas se acompañaron de textos literarios, experimentales, vanguardistas, clásicos o místicos. Pedro Laín Entralgo, Julio Campal, José Miguel Ullán, Edmond Jabés, los poetas árabes de Granada, Gabriel Miró, los salmos bíblicos o san Juan de la Cruz, presentados a su vez por Rafael Alberti, Gerardo Diego, Vicente Aleixandre o Juan Cantó, palabras prendidas en las formas y colores que inspiran a las almas el deseo de quedarse allí y tomar asiento.
Las cuatro estaciones (1965)
Primera de las carpetas gráficas de Eusebio Sempere, Las cuatro estaciones fue editada por la galería Juana Mordó de Madrid, con una tirada limitada de 50 ejemplares. Se compone de cuatro serigrafías estampadas por Abel Martín y el propio autor, acompañadas cada una de ellas por un poema de Pedro Laín Entralgo. La carpeta se presentó por primera vez en la exposición individual de Eusebio Sempere en la galería Juana Mordó del 27 de abril al 15 de mayo de 1965 y posteriormente en Alicante, en la sala de Arte de la Caja de Ahorros del Sureste de España.
Álbum Nayar (1967)
Esta segunda carpeta fue editada por la galería Juana Mordó con una tirada de 50 ejemplares. Consta de cuatro serigrafías de Eusebio Sempere estampadas por Abel Martín y cuatro poemas de Julio Campal, poeta uruguayo afincado en España y fallecido al año siguiente de la edición de la carpeta.
Libro Alarma (1976)
Se trata de un proyecto peculiar concebido por José-Miguel Ullán, Eusebio Sempere y Abel Martín, según una idea del primero. Sin llegar a ser una carpeta, pero tampoco una serie exenta, ocho serigrafías de Sempere ilustran los poemas visuales de Ullán que, como las serigrafías, fueron estampados por Abel.
Transparencia del tiempo (1977)
Esta cuarta carpeta de la obra gráfica de Eusebio Sempere fue editada por la galería Carmen Durango de Valladolid, como segundo número de la colección “Marzales. Monografías de artistas contemporáneos”.
Las cinco serigrafías que la componen fueron estampadas por Abel Martín entre los meses de febrero y abril de 1977, presentándose en otoño de ese mismo año en la galería editora. La edición constó de una tirada de 95 ejemplares, agrupados en carpetas que presentan las serigrafías junto con once páginas de texto que contienen cuatro poemas en prosa del poeta egipcio Edmond Jabès en versión castellana de José-Miguel Ullán.
La Alhambra (1977)
La quinta carpeta de obra gráfica de Sempere se comenzó a estampar en Madrid en 1972 y se dio por terminada en Barcelona, el 23 de diciembre de 1977. Fue editada por las fundaciones Rodríguez-Acosta de Granada y Juan March de Madrid, con la colaboración de la Fundación de la Alhambra de Granada. Consta de nueve serigrafías de Sempere estampadas por Abel y trece hojas de texto que incluyen el Pórtico del poeta Rafael Alberti y nueve fragmentos de casidas arábigo-andaluzas escritas por Ibn ‘Atiyya, Ibn Bayyā’, Ibn Sāra, Abū Bakr B. Hišām, Ibn Zamrak, Ibn Razin, Ibn al-Zaqqāq (con dos) e Ibn Šuhayd; en versión castellana realizada por los arabistas Emilio García Gómez y Emilio de Santiago Simón. La tirada fue de 110 ejemplares. Junto con las serigrafías se encartaron nueve diseños geométricos impresos a una tinta sobre papel vegetal realizados por Sempere en el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, en 1972.
Homenaje a Gabriel Miró (1978)
Editada por la galería Italia de Alicante, la sexta carpeta de obra gráfica de Sempere se compone de ocho serigrafías estampadas por Abel Martín, un poema introductorio escrito por Gerardo Diego y ocho fragmentos de textos de Gabriel Miró, extraídos de sus obras Las cerezas del cementerio (1910), Niño grande (1922), Dentro del cercado (1916), Corpus y otros cuentos (1951), Nuestro padre san Daniel (1921), El humo dormido (1919, dos fragmentos) y La novela de mi amigo (1908), escogidos por Elena Escolano y Eusebio Sempere. La edición consta de una tirada de ciento diez ejemplares.
La luz de los salmos (1980)
La luz de los salmos fue editada por el propio artista e incluye siete serigrafías que Abel Martín estampa sobre papel pergamino, un comentario de Juan Cantó Rubio y siete fragmentos bíblicos impresos en hebreo y en castellano, extraídos respectivamente de los Salmos número 17 (29), 18 (6), 28 (8), 49 (1), 77 (14), 111(4) y 134 (7), seleccionados por Sempere y Juan Cantó. Se realizó una tirada de noventa y siete ejemplares.
Cántico espiritual (1982)
Esta octava y última carpeta de la obra gráfica de Eusebio Sempere en vida, fue editada como la anterior por el propio artista. Concebida como un álbum que ilustra los textos de san Juan de la Cruz, está compuesta por siete serigrafías, con una presentación de Vicente Aleixandre (reproducción de una carta del poeta dirigida a Sempere y fechada en Madrid, 2 de junio de 1982) y siete fragmentos extraídos de las Canciones espirituales de fray Juan de la Cruz, en concreto de las Canciones 4, 11, 14, 15, 21, 32 y 35. Los textos de las canciones reproducen el manuscrito del poeta. Cántico espiritual se presentó al público el 17 de febrero de 1983, en el Museo de Bellas Artes de Santander, y el 31 de mayo, en la galería Tórculo de Madrid, coincidiendo con la presentación del catálogo razonado de la obra gráfica de Sempere que elaboró Fernando Silió.
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| Evolución artística e influencias en Julián Casado.pdf | [ ] | 527 Kb |
Evolución artística e influencias en Julián Casado
Por Javier Plaza Márquez
La Gran Cruz. 1998
Julián Casado fue teólogo, filósofo y artista constructivista. Si queremos comprender su evolución artística e influencias, tendríamos que destacar algunas etapas claras:
La primera es su niñez y cómo aprendió su depurada técnica con el gouache.
La siguiente comenzaría con su ingreso en el seminario y su vida como sacerdote, en la que se produciría el primer hecho fundamental que le obligaría a abandonar la pintura figurativa de carácter religioso, para posteriormente retomar la pintura religiosa en clave abstracta.
Una nueva etapa se iniciaría con el éxito en sus exposiciones. Su pintura ya no es de temática exclusivamente religiosa. Gracias a este éxito se traslada a Estados Unidos, donde aprende a utilizar acrílicos con la misma técnica del gouache. El acrílico permanecería ya en toda su obra posterior.
Más adelante comenzará sus trabajos en forma de estudios sobre la luz y la variación del espacio pictórico, en las que tendrán una influencia decisiva tanto la filosofía de Xavier Zubiri como los postulados de Malevich.
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(Imágenes cortesía Javier Plaza Márquez y Elia Fernández)
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FÉLIX CURTO. EXTRAÑAMIENTO Y CONSCIENCIA
por
ALFONSO DE LA TORRE
En el catálogo de la exposición de Félix Curto en DA2, Salamanca
De un lado al otro. De un lado al otro.
Concibiendo un espacio fantástico cuya lectura parece no cerrarse: perseguidor de territorios, lugares, situaciones, objetos, paisajes o cosas. Exteriores e interiores, transita Félix Curto (Salamanca, 1967) de una cita a otra como expandiendo registros en donde quien contempla va, desde el encuentro con un punto apartado del mundo, a la reunión de elementos que parecen mencionar un lugar sin fin, revelando la sensación abrumadora de, aun mostrándose, quedar todo por ver. Una cierta percepción distraída como clave de la experiencia, tal dijera Benjamin, que Curto parece trasladar hacia las imágenes cuyo valor y persistencia declara, a la par que las eleva en el espacio. Como una revelación que fuese parte de la trama, estrellas únicas reinan en sus ojos, evocando uno de sus títulos seriales, a la par de latencia portarán sus obras una cierta impresión de extrañamiento, ostranenie, que nuestro artista muestra como emblema de su ser contemporáneo, como un tono, tal un nivel de consciencia.
(...)
Hojeaba estos días por casualidad la “Memoria personal” de Tàpies. Se abre con una cita de Lie Tsen: “Hou K’ieou-tsen decía: ¿cuál es el objetivo supremo del viajero? El objetivo supremo del viajero es ignorar a dónde va”. Claro, siempre que pienso en Mister- Soul-Curto deviene la imagen del artista romántico, capaz de sentarse en la mesa del tiempo con Kerouac o ciertos artistas beat y entremezclada su aurática obra (hey, Walter), en monólogo interior, con el elogio de las visiones del camino, on the road: música, libros, objetos, lugares, recuerdos, personas o emociones. Es su quehacer el diario de quien ha cruzado espacios y tiempos, quien vio el mundo y nos lo trae de retorno. Dejadme soñar. Y, como creador, ese dietario nos muestra la esencia de su devenir vital, con frecuencia en territorios de extrañeza a la par que, generoso, luego nos revela el testimonio de ese existir en el espíritu. Y tras ello, -belleza discreta y no obstinada solo en esplendores-, mostrarse leve y vacío, como quien se detiene ligero en el recodo del camino. Refulgiendo quedarán sus imágenes, narraciones poéticas que sentencian que el artista de nuestro tiempo será aquel devenido un ser singular, único, encontrado con el espacio tembloroso del mundo.
En este lugar, parece asentir Curto, encontré belleza, hallé reposo.
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| Santiago Lagunas. Museo Salvador Victoria.pdf | [ ] | 335 Kb |
Santiago Lagunas (1948-1952)
El meridiano artístico de París
Museo Salvador Victoria. Rubielos de Mora (Teruel)
Del 24 de marzo al 24 de junio de 2018
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| Joan Hernández Pijuan. Imatges del silenci.pdf | [ ] | 3027 Kb |
Joan Hernández Pijuan. Imatges del silenci- Bilder del Stille
Galerie Boisserée. Colonia
Del 21 de marzo al 28 de abril de 2018
Catálogo digital
Casa núvols i pluja sobre blau. 1990, Óleo sobre lienzo, 150 x 225 cm
(Imagenes cortesia familia Hernández Maluquer)
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Ha fallecido Venancio Blanco
El escultor Venancio Blanco (Matilla de los Caños del Río, Salamanca, 1923-Madrid, 2018) falleció el pasado 22 de febrero. Su obra se enmarca dentro de la corriente escultórica neofigurativa.
Fue director de la Academia Española de Bellas Artes en Roma, miembro de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, de la Pontificia e Insigne Academia Artística dei Virtuosi al Panteón de Roma y de la Real Academia de Bellas Artes de Santa Isabel de Hungría de Sevilla, entre otras.
Sus obras forma parte de las colecciones del Museo del Vaticano, Museo de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid, Museo Nacional de Arte Contemporáneo Reina Sofía de Madrid, Museo de Bellas Artes de Salamanca, Museo de Arte Contemporáneo de Sevilla, Museo de Bellas Artes de Amberes, Museo Nacional de El Cairo, Museo Nacional de Oslo, entre otras.
Su buen hacer en la docencia ha hecho que artistas de diferentes generaciones lamenten la desaparición de uno de sus maestros.
Más información:
Entrevista 10+UNA a Venancio Blanco
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Retospectiva de Jaume Rocamora
Proposta per a una col·lecció
La exposición, organizada y producida por el Museo de Tortosa, presenta unas cuarenta obras fechadas entre los años 60 del siglo pasado y la actualidad. La selección, fruto de una mirada expectante al conjunto de la obra de Jaume Rocamora, presenta una serie de piezas que, a manera de colección, configuran la muestra.
La disposición de las obras en el espacio expositivo, distribuidas en pequeños conjuntos, tiene como objetivo propiciar el diálogo entre piezas de diferente cronología, y nos permite reflexionar sobre algunos de los aspectos que configuran el singular lenguaje artístico de Jaume Rocamora. Revisar su obra más allá de los parámetros temporales desvela algunos de los patrones de creación que se encuentran latentes a lo largo de su trayectoria.
Es este diálogo el hilo conductor que guía la el discurso expositivo y crea los diferentes ejes que estructuran la muestra: La esencialidad de la línea, El color como código constructivo, El trazo desnudo, Identidad, El arte de la combinatoria y Tratados de Artífice.
Las obras expuestas son propiedad del artista, algunas pero pertenecen a colecciones particulares y al mismo Museo de Tortosa. La pintura, el collage, el dibujo, el grabado y los libros de artista forman parte de la muestra, que presta una atención especial a las obras inéditas o menos conocidas. Todas ellas nos invitan a reflexionar y redescubrir aspectos poco conocidos del mundo creativo de Jaume Rocamora.
Jaume Rocamora nació el 6 de julio del año 1946 en Tortosa, donde ha vivido y trabajado de forma continuada a lo largo de su vida. En 1956, inició su formación artística en la Escuela Taller de Arte de Tortosa.
El año 1966 realizó su primera exposición individual al Círculo Artístico de la misma ciudad y llevó a cabo el primer viaje en París, que lo conectó con el mundo del arte internacional. Su formación se complementó en 1969 en las clases del Círculo Artístico Santo Lluc de Barcelona. El instinto y la motivación guiarán el aprendizaje con que Jaume Rocamora creará de manera continuada el poso de referentes culturales que lo han enriquecido y formato como persona y como artista.
Desde el año 1978 en qué presentó en el Ateneo de Barcelona Los Cartones y Rocamora, ha desarrollado, con lenguaje propio y desde la abstracción geométrica, una importante trayectoria artística. Ha expuesto en importantes salas, museos y espacios de arte de Cataluña como Arts Santa Mònica, al Museo de Montserrat o la Fundación Vila Casas y también al resto del Estado español. No ha dejado de lado la proyección internacional de su obra exponiendo en Francia, Italia, Estados Unidos, Inglaterra, Alemania u Holanda entre otros países.
De él afirma el comisario y crítico de arte francés Bernard Fauchille: "Son travail démontre une volonté rigoureuse d'explorer des domaines a l’écart des modes actuelles. Refusant de s'enfermer dans des recettes faciles, il a su varier son travail tout en restant fidèle à ses principes plastiques fondamentaux. De ce fait, par sa richesse, sa sensibilité subtile et sa précision, J. Rocamora m'apparaît comme une des meilleurs artistes espagnols contemporains." (Rytmhe & geometrie, 2016 Convent Cordeliers Châteauroux)
Texto facilitado por el Departamento de Cultura del Ayuntamiento de Tortosa
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