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Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
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Documentos de introducción
 Introducción de Javier Martín 
 Introducción de Ana Álvarez 
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Ars Citerior

'CÁMARA VÍRICA'. FESTIVAL CUVO

 

Museo Francisco Sobrino

Cuesta del Matadero, 5, Guadalajara

Viernes 15 marzo

Inauguración muestra de videoarte CUVO, 19:00 horas

Del 15 al 31 de marzo de 2019

 

 Museo Francisco Sobrino 

 

Durante dos semanas la sala de proyecciones del Laboratorio GRAV mantendrá en exhibición continuada las piezas de videoarte producidas por Danilo Bracchi y Felipe Cortez (Brasil), Zhang Yunfeng (China), Josué Bernabé (España), Josh Bricker (Estados Unidos), Gabriel Garble (Malasia), Sandrine Deumier (Francia), Pablo Martín Córdoba (Argentina), y Rudolph Castro (Perú). Estos artistas son los seleccionados en la convocatoria internacional del Festival CUVO, promovida por Investigación y Arte, en la que han participado más de ciento setenta creadores de cuarenta y dos nacionalidades.

Esta edición, presentada bajo el lema ‘Cámara Vírica', es "una oda al videoarte, un viaje audiovisual a través de ocho visiones de la cámara de vídeo en la actualidad para fomentar la crítica, la autoconsciencia y los diferentes estilos que se han asentado en esta disciplina artística", según declaraciones de sus organizadores.

El día 15 Festival CUVO será presentado por Alfonso González-Calero, director de Investigación y Arte y organizador del evento, Carmen Vera Gutiérrez, comisaria, y Josué Bernabé, uno de los creadores seleccionados y autor de la pieza Faster.

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Luna Bengoechea Peña. Hyper Natura

Galería Lucia Mendoza

Inauguración, 16 de marzo de 2019 a las 12:00h.

En exposición hasta el 4 de mayo de 2019.


Nota de la galería Lucía Mendoza

Hyper Natura es la primera exposición individual de Luna Bengoechea Peña en la galería Lucía Mendoza.
Su trabajo aborda la problemática que surge alrededor de la industria alimentaria y le conduce a investigar acerca de los modelos actuales de producción de alimentos y su comercialización. Parte de referencias que encuentra en los clásicos de la historia del arte -especialmente el género del bodegón o las ilustraciones botánicas- para contextualizar la relación del ser humano con los alimentos y la naturaleza.

Su obra supone una revisión del sistema alimentario establecido, sus normas, sus técnicas e, incluso, los agentes implicados. Los alimentos trasgénicos, el comercio, los nuevos modelos de colonización. Hyper Natura supone un recorrido por los temas en los que Luna Bengoechea profundiza con ánimo de ser más consciente de lo que estamos haciendo con la naturaleza que nos rodea. Cuestiona el sistema alimentario actual y las contradicciones del mercado, hace hincapié en las problemáticas que genera la producción global e intensiva, causante de graves daños medioambientales.

Luna Bengoechea propone Hyper Natura como análisis artístico-crítico sobre la producción global de alimentos, siguiendo el hilo argumental de sus últimas acciones, centrando su posicionamiento en contra de las políticas agrarias macroeconómícas y la biopiratería alimentaria.

La muestra se completa con una intervención específica, empleando granos y cereales, que hace referencia a la dependencia energética del sector primario, debido a la explotación de los recursos naturales de forma industrializada, intensiva y dependiente del petróleo.  Los granos y cereales empleados para realizar esta intervención efímera en la galería, serán donados al final de la exposición, para su uso como alimento de animales o su uso como compost.

El trabajo de Luna Bengoechea se ha centrado en descubrir, con una poética limpia y acabados elegantes, ciertos aspectos relacionados con la sociedad del riesgo: la contemporánea y libre circulación de los venenos en la alimentación (…). PSJM, 2018

 

Ver catálogo

(Imágenes y catálogo cortesía de la galería Lucia Mendoza)

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Ubay Murillo

 

ubay murillo. galeria rafael ortiz

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La Experiencia del arte

Rafael Canogar

 

La Experiencia del arte. Rafael Canogar

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Monika Buch. Trajectòria 1956 / 2018

 

Monika Buch. Trajectories. coleccion ars citerior

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La fotografía: Relato personal de una generación

 

la fotografia en la nueva coleccion pilar citoler

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Premios AECA en ARCO


En la Feria Internacional de ARCO 2019, tras la votación de los miembros de la Asociación Española de Críticos de Arte, que otorga esta distinción, se han concedido los Premios AECA en ARCO, a la Galería José de la Mano, como mejor espacio de esta edición. A César Paternosto, conjunto distinguido de obras de artista internacional y a Luis Vassallo, como más prometedor e interesante artista español joven.

 

Premios AECA

Stand Galería José de la Mano

(imagen cortesía AECA)

 

José de la Mano, que da nombre a la Galería José de la Mano, es un experto en dibujo de los ss. XVII y XVIII, y comenzó dedicando su espacio a venta de dibujos. En 2005, varió su oferta y dedicación, abriendo una investigación de los autores españoles en los años de postguerra, cincuenta-sesenta. Y es esa línea, con magníficos hallazgos, la que le ha dado visibilidad en el mundo del mercado del arte. En Claudio Coello realizó importantes aportaciones revelando obra secreta u olvidad de Vallmajó, Luis Feito, Puig Manera, Labra, de la Sota, Labra.

En 2014 se instaló en su ubicación actual, C/ Zorrilla 21, edificio que habitó Azorín, donde ha puesto en valor ciertos nombres y rehabilitado sus obras, en torno al arte concreto, nuevas tecnologías, con muestras extraordinarias como las de Manuel Calvo, Fernando Nuño, Ángel Duarte o la actual de García Miranda.

En ARCO 19 presentaba un stand muy coherente y limpio, bien montado, mostrando el cinetismo español, el concretismo, geometrismo y otros ismos afines con piezas excepcionales de Labra, Lugán, Sobrino, Ángel Duarte, Alfaro.

La Galería Cecilia de Torres, de Nueva York, presentaba en ARCO un stand sobrio, elegante, intenso, magnífico, con obras de César Paternosto, realizadas tras varios viajes a yacimientos arqueológicos de Bolivia y Perú, en los años 1977-92, conectándose en cierta manera con la presencia peruana de ARCO’19.

 

Premios AECA

Stand Galería Celia de Torres

(imagen cortesía AECA)

 

César Paternosto, La Plata 1931, es hijo de la estética Madi, se instala en Nueva York en 1967, crece como artista y depura su lenguaje. Tras distintas ubicaciones se establece en España, Segovia, realizando exposiciones importantes en el Esteban Vicente, Museo Thysssen y la Galería Guillermo de Osma. Además de otros espacios internacionales. Es uno de los artistas más vistos y más ignorados, porque suya es la realización de la sala de salida de la estación del AVE, en Madrid, aunque tantos lo ignoren.

 

Premios AECA

Stand Esapacio Valverde. Luis Vassallo y el galerísta Jacobo Fitz-James

(Imagen cortesía AECA)

 

Luis Vassallo, Madrid 1981, de familia de escultores y pintores, se licencia en la Complutense, se diploma en Diseño Gráfico y realiza su beca Sócrates-Erasmus en el HIBK de Hamburgo. Expone regularmente con Espacio Valverde y otros centros institucionales.

Ha realizado varias colectivas y once individuales, en distintas capitales de España. Viene haciendo un trabajo de integración entre los lenguajes de vanguardia y los actuales que resulta muy atractivo y pertinente, con una evidente adhesión emotiva del espectador y los coleccionistas.

Entre los miembros de AICA Spain que tomaron parte en la entrega de los premios: Blanca García Vega, Pilar Aumente, Lourdes Cerrillo, Jesús Pedro Lorente, Desirée Orús, Esther Plaza, María Dolores Arroyo, Anita Revilla, Emilia de Dios, Fernando Alvira, Ángel Pedro Gómez, Jesús Cámara, Antonio Calderón de Jesús, Pedrero, Satoru Yamada, Pilar Sancet.

 

                                                                                                          Tomás Paredes

                                                                                             Presidente de AICA Spain

 


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Semana de FERIAS

Por Javier Martín

 

Todo comienza el lunes 27 con “Un lugar inventado”, una propuesta de Alfonso de la Torre para el programa anual de intervenciones en los escaparates de “El Corte Inglés”, promovido por “Ámbito Cultural”.

Su inauguración sirve de entrada a la semana que presenta una extraordinaria aglomeración de ferias, galerías, críticos, comisarios, aficionados al arte. Y de coleccionistas, que en definitiva son los principales destinatarios de este esfuerzo, pues ¿qué sentido tendría todo ello sin alguien dispuesto a pagar, incluso empeñándose, por adquirir obras de arte?

El miércoles 28, ARCO abre sus puertas a un número cada vez mayor de personas interesadas por el arte contemporáneo. Críticos, coleccionistas y VIPS se pasearon por los pabellones de IFEMA. Es el día de ver el máximo posible de propuestas artísticas, pero también de saludar a amigos y conocidos. Llega la hora de reponer fuerzas y si decides ir a tomar algo a la sala VIP puedes sentirte observado por personas que buscan a alguien conocido o algo que les llame la atención. Como todos los años, pienso que algunos de esos curiosos ni siquiera llegarán a pasearse por los stands de las galerías, y me parece que su número aumenta con cada edición. Tras treinta minutos de cola, decido irme a recorrer los pabellones, a ver por primera vez obras de autores a los que no conozco, y a observar las piezas de artistas a los que sigo desde hace más de dos décadas, y que suelen reafirmarme en mis gustos. También me intereso por los stands de editoriales o por los de las comunidades autónomas. Recuerdo con añoranza el espacio del que disponía la Asociación de Coleccionistas 9915, al que la organización de ARCO decidió el año pasado dejar de apoyar. Rara decisión en un país donde hay muchos artistas, muchas galerías, muchos críticos, muchos curiosos… y pocos coleccionistas. También echo en falta en esta edición las galerías  Javier López, Carlos Taché o Pilar Serra.

La jornada es agotadora, y es necesario volver a Madrid y recuperar fuerzas para ir al día siguiente a visitar las demás ferias. Por la mañana Justmad, en el bonito Palacio de Neptuno, paseo fijándome en las obras de jóvenes autores que bien merecerían un apoyo para que pudiesen seguir desarrollando su trayectoria. Visito también  Drawing Room, en el Palacio Santa Bárbara, una feria que ha encontrado su hueco propio dentro de la amplia oferta de esta semana, y que mejora en cada edición. A última hora de la tarde una visita a la desenfadada feria Hybrid y al Salón de Arte Moderno de Madrid (SAM), en su primera edición.

Viernes por la mañana, en Art Madrid, me encuentro con muchos conocidos, artistas y, sobre todo, coleccionistas que han decido dar un paseo por esta feria tan bien ubicada. Uno de los coleccionistas me comenta que por la tarde irá a ARCO, pues, tras quince años recibiendo la invitación para el día dedicado a los profesionales, este año no le ha llegado. Tal vez la organización haya pensado restringir las entradas, aunque por mi experiencia del miercoles pienso que tal vez algunas invitaciones se destinan a otro tipo de personas. Coleccionistas que, año tras año, adquirieron obras en galerías que dieron su soporte a la feria con más influencia en nuestro país, se ven ahora relegados. El que realizó el grueso de su colección en galerías como Antonio Machón, EGAM, Edurne, Siboney, Italia o Cánem ya no forma parte del sistema actual.

¿La política de la dirección de ARCO será a partir de ahora la de poner la alfombra roja a los posibles nuevos compradores y entrecerrar la puerta a los que se cree que ya no aportan nada al sistema? ¿No habría que pensar que aquellos coleccionistas que estuvieron apoyando a las galerías en los anteriores años, son los que han hecho posible la supervivencia de las mismas y, por lo tanto, la de las ferias? La respuesta en próximas ediciones.

Para finalizar con buen sabor decido visitar en la mañana del sábado las exposiciones de Joan Hernández Pijuan  en la Librería Blanquerna, la de Gabriela Bettini en Tasman Projects y la colectiva No has visto el final con obra de Marlon de Azambuja, Antonio Franco, Miler Lagos, Jorge Oteiza y Elsa Paricio en el Espacio OTR.

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Joan Hernández Pijuan. Paisajes que se bifurcan


Lugar: Centro Cultural Llibrería Blanquerna, calle Alcalá, 44, Madrid.

Inauguración:  Viernes 1 de marzo, de 10-13 h.

Abierta: hasta el 11 de mayo de 2019.

Comisario: Valentín Roma

Colaboran: familia Hernández Maluquer


Joan Hernández Pijuan. Paisajes que se bifurcan

Imagen cortesía familia Hernández Maluquer


Exposición que abarca tres décadas de la producción de Hernández Pijuan con el paisaje como referencia.
La muestra constará de 35 gouaches sobre papel Japón de la serie Granada (2004), siete litografías tituladas Proyectos para un paisaje (1976), una selección de los diarios personales, fotografías y tres cuadernos inéditos, con dibujos y anotaciones del autor.


 


 


 
 

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Antes del arte. 50 años después

 

antes del arte. cincuenta años

 

Nota de Prensa de la Fundació Martínez Guerricabeitia

Producida por el Vicerrectorado de Cultura i Esport y la Fundació General de la Universitat de València ‘Antes del arte – 50 anys després’ nos propone una mirada científico artística del mundo del arte, o más bien a la percepción generalizada indiferente en cuanto a las posibilidades de acción entre ambos campos del conocimiento. Y lo hace a partir de un conjunto reducido de artistas plásticos (Michavila, Sanz, Sempere, Sobrino, De Soto, Teixidor e Yturralde) y músicos (Marco y Llàcer), inspirados programáticamente por el crítico Aguilera Cerni, que articularon una consistente propuesta de cariz gestàltic integradora de disciplinas con la formación “Antes del Arte”.

Comisariada por el arquitecto Santiago Pastor Vila las obras reproducen, medio siglo después, el ambiente de las exposiciones en que se posaban ante el espectador objetos y dispositivos móviles capaces de generar varias experiencias ópticas, perceptivas y estructurales.

La filosofía del grupo estaba enmarcada por los giros geométricos del arte, interesado en el campo de la psicología perceptiva y trataba de promover encuentros entre la actividad artística y los métodos empíricos de las ciencias. “Realizaban trabajos y pruebas sobre teorías ópticas que se están descubriendo y difundiendo en ese momento, como las teorías de Penrose; trabajan con un profesor de óptica, comparten lecturas con Aguilera Cerni...” explica José Pedro Martínez, director de actividades de la Col·lecció Martínez Guerricabeitia.

Las obras proceden de colecciones privadas, el IVAM, el MACA de Alicante y la Fundación Juan March.

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Los límites del vacío

Jordi Teixidor y John Castles

Galería Nieves Fernández

 

Los límites del vacío. Jordi Teixidor

Texto de Isabela Villanueva

(Agradecemos a la Galería Nieves Fernández la autorización de la reproducción del presente texto)

 

“Para quien es claro el vacío, todo se vuelve claro.

Todo lo que aparece codependientemente se explica por ser vacuidad”

(Nāgārjuna, Mūlamadhyamakakārikā 69).

 

La idea del vacío como un campo sin forma que a la vez es la fuente de toda la creación y está inseparablemente vinculada a todas las formas de creación es difícil de comprender, y es un interrogante que ha surgido desde tiempos milenarios y que tanto las civilizaciones orientales como las occidentales se han dedicado a analizar.

Conceptualmente el vacío se define como “falta de contenido” o como "inexistencia, nulidad", mientras que espacialmente adquiere un significado diferente al de sus definiciones de diccionario. El vacío creado en una forma basada en el espacio genera un "lugar". O desde una perspectiva diferente, el vacío origina la forma y esta forma generada por el vacío crea un espacio.

Los fenómenos conceptuales que el vacío emprende van mucho más allá de las clasificaciones formales. Por lo tanto, las nociones de "vacío, espacio y forma" incorporan conceptos como existencia - no existencia, interior - exterior, lugar - no lugar, contradictorios - en conflicto entre sí. Durante siglos los filósofos han reflexionado al respecto, y los artistas se han esforzado en crear vacíos en el espacio, y para lograrlo han dependido de factores físicos, ambientales, conceptuales y semánticos entre otros.

En el siglo XX los artistas visuales han enfrentado al vacío como ejercicio intelectual y como una entidad espacial más a trabajar, y una legión de  grandes figuras como Kazimir Malévich, Alexander Calder, Yves Klein, Lucio Fontana, Eduardo Chillida o Barnett Newman entre muchos se dedicaron a revisar y profundizar al respecto.

Durante décadas el pintor español Jordi Teixidor y el escultor colombiano John Castles han continuado con esta exploración, claramente desde dos países distintos y utilizando medios, así como aproximaciones diferentes; ambos artistas han compartido un razonamiento profundo y enriquecedor sobre los elementos vacíos y por medio de sus obras están indagando sobre los campos extendidos, la monumentalidad del volumen y la ampliación de los espacios. 

La exhibición John Castles y Jordi Teixidor: los límites del vacío es entonces una propuesta sugestiva, que es a su vez antológica y temática y que pone en relación dos corpus de obra distintos que, al coincidir en las salas de NF/NIEVES FERNANDEZ y NUEVEOCHENTA siguiendo unas mismas coordenadas conceptuales, resulta reveladora pues demuestra que dos artistas - a pesar de la lejanía y su falta de contacto hasta hace unos meses - confluyen en la investigación de la idea del límite como fundamento para poder concebir, aproximarse y trabajar al vacío.

Jordi Teixidor nace en Valencia en 1941. Estudia Bellas Artes y se entrega a explorar la uniformidad cromática y a la pintura abstracta desde el comienzo de su carrera en los años sesenta.  Sus obras son de estética reduccionista y de una gama cromática limitada (con una marcada predilección por el negro en los últimos años), el artista evita el espectáculo y la emoción y más bien busca que el espectador entre en una contemplación meditativa donde cuestione y amplíe los límites de su percepción.

John Castles nace en Barranquilla, Colombia, en 1946. Estudia arquitectura pero abandona la carrera para dedicarse a la escultura. Desde el comienzo se dedica a la abstracción, utilizando siempre materiales de construcción pero mostrando predilección por el hierro. Sus obras pretenden desdoblar la forma y la materia; primero con piezas más geométricas y rígidas, que mutan con el paso de los años en obras más flexibles y ondulantes. Castles siempre reta al campo gravitacional, explora la presencia del vacío y busca transformar el espacio interior de cada obra y del área que la rodea.

En la obra de John Castles y Jordi Teixidor se puede hablar de coincidencias y de puntos de contacto: ambos tienden a una ejecución simple, al reduccionismo de formas y llevan a su máxima expresión los elementos más simples. Los dos artistas buscan ordenar proporciones, presentan una preocupación por el equilibrio y demuestran un marcado interés por la arquitectura -que se denota en la indagación de la realidad física y en el énfasis  en los efectos espaciales. Los trabajos exhibidos de  Teixidor y Castles coinciden en la investigación de los volúmenes, el examen de la presencia y sobretodo la búsqueda de otra realidad. Teixidor y Castles demuestran que han logrado desafiar los “límites”  del vacío al revelar la capacidad de la obra plástica para engendrar espacios y para crear lugares.

 

 

 

 

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netherlands ⇄ bauhaus - pioneers of a new world


El Museo Boijmans Van Beuningen de Rotterdam, presenta la exposición “países bajos bauhaus – pioneros de un nuevo mundo". 2019 es el centenario de la fundación de la Bauhaus, el arte revolucionario y la escuela de diseño cuya influencia todavía se sienten hoy en día. Casi 800 objetos – obras de arte, muebles, cerámicas, textiles, fotografías, tipografía y dibujos arquitectónicos ofrecen una visión única de la inspiración de las interacciones entre los países Bajos y la Bauhaus.

Monika Buch (Valencia, 1936), residente en Utrecht desde los veinte años,  es la única artista española representada en la exposición.

 

netherlands ⇄ bauhaus - pioneers of a new world. Monika buch

Obras de Monika Buch

 

netherlands ⇄ bauhaus - pioneers of a new world. Monika buch

 

Obras de Monika Buch

Obras de Monika Buch

 


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