ISSN 2444-1228
Leyendo cuadros. Mirando historias
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Entrega número 48
José Mª Yturralde
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 CORNIÓN cat. Miguel Galano.pdf | [ ] | 2071 Kb |
Miguel Galano. El mar siempre recomenzado
Galería Cornión, Gijón.
Del 23 de marzo al 4 de mayo de 2019.
Eco de mar. 2018. Óleo/lienzo. 21 x 19 cm.
(Imágenes cortesía del artista)
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No has visto el final
Espacio OTR
Miercoles 27 de marzo a las 19h
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MIGUEL ÁNGEL FÚNEZ. PERRUS, GATUS Y PATUS
Galería La Calcografía, Salamanca.
Del 29 de marzo al 24 de abril / 2019
Nota de Prensa
Inmerso en el paciente trabajo de la recolección de imágenes, cuya procedencia comprende desde archivos digitales de distintas fuentes accesibles, hasta otras que bien han sido tomadas como objeto físico, Miguel Ángel Fúnez, prescribe el sentido de las mismas construyendo así un nuevo discurso sobre la extorsión animal. Discurso que, al mismo tiempo, afecta el terreno del arte en la medida que su ejercicio de yuxtaposición, de superposición y de solapamiento, dialoga con esas estrategias tan recurrentes dentro del ámbito de la estética postmoderna, que supone un rebasamiento de algunos conceptos tradicionales del propio arte.
En Perrus, gatus y patus, personajes animados instalados en el imaginario colectivo son destrozados, manipulados y recompuestos organizando un divertido comentario que contiene diferentes matices en torno a las prácticas biotecnológicas, así como claras alusiones a la extorsión humana sobre el mundo animal y los cambios climáticos.
Despedazados e injertados sin piedad, estos seres, construyen su propia fábula de la cual se extrae una dilatada moraleja en clave ecológica planteando, al mismo tiempo, un debate que ante todo dialoga sobre los límites de la imaginación en las formas del mundo natural, donde los conceptos de “perversión” y de “ironía” se conjugan postulando un enunciado crítico que narra algunas de esas situaciones conflictivas acerca de la invasiva (y colonial) presencia humana en el ámbito natural.
De todo ello resulta una cartografía de imágenes paradójicas que han sido intervenidas, manipuladas y reproducidas de nuevo. Un continuo deshacer de los procesos que permiten el acceso a la pintura y los distintos elementos que construyen el dibujo animado, reorganizándolos, surgiendo así nuevas conexiones con la ficción.
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| PERISCOPIO_10_ALBANO.pdf | [ ] | 6147 Kb |
Periscopio 10
Periscopio es una herramienta que, de forma periódica y a modo de newsletter, el pintor Albano informa de exposiciones, entrevistas, críticas, publicaciones, premios, eventos, a fin de que la inmediatez no los borre.
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El juego del arte. Pedagogías, arte y diseño
Fundación Juan March, calle Castelló 77, Madrid.
En las últimas décadas, la relación entre el arte del siglo XX y el juego, la educación, la infancia o lo primitivo ha sido objeto de no pocas exposiciones: algunas se han dedicado a los juguetes populares; otras a los juegos y juguetes diseñados por las vanguardias o por artistas, arquitectos y diseñadores contemporáneos; y otras al dibujo o la literatura infantiles, a los libros de artista o a aquellos ilustrados para niños.
Sin embargo, las investigaciones que han rastreado la influencia que han tenido los nuevos modelos pedagógicos aparecidos en el siglo XIX dedicados tanto a la educación del niño como a la enseñanza del dibujo, base de la práctica artística en las vanguardias (y, por tanto, también en el arte, la arquitectura y el diseño de todo el siglo XX, herederos de aquellas), no se han plasmado en una exposición. Una muestra como esa implicaría, como es natural, mostrar los más variados juegos educativos y materiales didácticos y, junto a ellos, las obras de arte, en un único espacio visual eficaz.
Precisamente este es el relato pretendido por El juego del arte. Pedagogías, arte y diseño, una exposición que quiere hacer patente cómo las novedosas pedagogías del siglo XIX más radicalmente basadas en el juego y en la experiencia del "dibujo para todos", inspiradas por el Emilio (1762) de Jean-Jacques Rousseau (1712-1778) y cuyo destilado más conocido quizá sea el sistema del Kindergarten de Friedrich Froebel (1782-1852), han sido un germen tan eficiente como desatendido del gran cambio introducido en la tradición por el arte moderno, junto con la emulación de la tradición artística (o la ruptura con ella), el conocimiento de otras culturas y épocas o la influencia de la literatura y las corrientes intelectuales del momento. La muestra quiere, pues, hacer visible que la génesis del arte moderno también se encuentra en la infancia de sus protagonistas y en la educación que recibieron.
Con préstamos procedentes de colecciones e instituciones públicas y privadas nacionales e internacionales, la exposición confronta una amplia selección de manuales y métodos de dibujo, de materiales, recursos y juegos educativos procedentes de la colección de Juan Bordes, comisario invitado de la muestra, con obras de los principales artistas, arquitectos y diseñadores del siglo XX. En El juego del arte. Pedagogías, arte y diseño, que cuenta también con Norman Brosterman y Juliet Kinchin en su equipo curatorial, los juegos educativos se alinean con las obras de arte y el diseño del siglo XX atendiendo no solo a sus similitudes formales –que son evidentes–, sino también a los casos históricamente documentados de tantos artistas efectivamente educados en las nuevas pedagogías. Ambos se presentan como ejemplos de una atmósfera común a la educación y al arte. Si se empieza educando a los niños como artistas que deben aprender jugando, no es extraño que ya adultos se entiendan a sí mismos y se comporten como verdaderos profesionales de la infancia, que dedican el serio juego de sus vidas a ese otro juego, elemental y elevado, divertido y reflexivo a la vez, que describe las mejores versiones de las artes de nuestro tiempo.
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 Nota de Prensa GONZALO ELVIRA 2019.doc | [ ] | 323 Kb |
| Programa de mano exposición de GONZALO ELVIRA baja.pdf | [ ] | 1783 Kb |
Gonzalo Elvira. Bauhaus 1919, modelo para armar
G A L E R I A S I B O N E Y
Inauguración: Sábado 23 de marzo, a las 8 de la tarde
EXPOSICIÓN: DEL 23 DE MARZO AL 30 DE ABRIL DE 2019
Nota de Prensa
La galería Siboney presenta la primera exposición individual en Santander del artista argentino GONZALO ELVIRA (Patagonia, Argentina. 1971), que vive y trabaja en Barcelona desde el año 2000, y lo hace con un proyecto muy especial, en torno a la Bauhaus, y en unas fechas muy señaladas, ya que estamos ante el centenario de su puesta en marcha el uno de abril de 1919.
Se trata de un proyecto artístico en el que viene trabajando desde hace años, en torno a la escuela de arte que simboliza la utopía junto a la estadunidense “Escuela Black Mountain” o Black Mountain College (1933 – 1956), centro en el que encuentra acomodo alguno de los docentes huidos de la Bauhaus, como Josef Albers, que acabaría siendo la fuerza motriz de esta institución durante diecisiete años.
Sin ningún ánimo de distorsionar lo que ha significado la Bauhaus, el artista pone el foco en sus obras, en un asunto que está a años luz de regodearse en recitar su larga lista de héroes, -ya fueren docentes o estudiantes-, y nos introduce a escarbar en su realidad. Como casi todas las utopías, no resiste la indagación escrupulosa.
Bauhaus1919, modelo para armar
Es el título del proyecto de Gonzalo Elvira, que esconde un juego de palabras entre el año de creación de la escuela y el título del libro “62/Modelo para armar” de Julio Cortázar. Y está realizado a partir de la escuela de arte Bauhaus, fundada en el año 1919 por Walter Gropius, durante la república de Weimar.
La Bauhaus fue un modelo pionero, una escuela de arquitectura y artes aplicadas, que promovió el funcionalismo y de la que salieron figuras imprescindibles en el campo del diseño. Basaba su modelo en la experimentación y la creatividad, que buscaba englobar toda la actividad artística en una nueva arquitectura, reunificando todas las disciplinas artesanales –escultura, pintura, artes aplicadas y manuales-, como partes inseparables del proceso creativo.
Esto fue posible por el enfoque dado por su director Walter Gropius y los directores que lo sucedieron en el cargo hasta el año 1933, cuando fue cerrada por los nazis en Berlín, después de haber tenido otra sede Dessau.
En un primer momento la escuela recupera la figura del artista-artesano, vinculado a los oficios medievales hasta llegar al acercamiento al mundo industrial, y de la arquitectura, artista-productor. Este enfoque fue cambiando de acuerdo a los diferentes directores de la escuela y las circunstancias socio-económicas.
La escuela contaba con un cuerpo de docentes brillantes, Paul Klee, Vasili Kandinski, Moholy-Nagy, Marcel Breuer, Josef Albers, Johannes Itten, entre otros.
Dice Gonzalo Elvira: “Uno de los aspectos que me llamaron la atención de la escuela fue la única presencia femenina de Gunta Stölz dentro del cuerpo docente. Por tanto quería destacar el papel de las mujeres dentro de la escuela ya que de alguna manera fueron segregadas a los talleres de textil, cerámica. No las dejaban participar en los talleres de herrería y arquitectura, alegaban que las mujeres tenían problemas con la tridimensionalidad luego del examen para ingresar a la escuela. Esto sucedía ante la actitud ambigua de parte del profesorado”.
La escuela disuadió a Gertrud Arndt de estudiar arquitectura, quien destacó como fotógrafa y diseñadora de alfombras. Algunas de las alumnas que llegaron con la ambición de ser arquitectas o pintoras, ante las dificultades pasaron al “plan b”, e hicieron de la rueca y de la aguja su medio de expresión, lo que de alguna manera desequilibró la escuela, y el taller textil se convirtió en el que mejor entendió el tránsito de la arquitectura al diseño.
Otra de las excepciones fue Marianne Brandt, la primera mujer admitida en el taller de metalistería de la Bauhaus, pero en parte porque ella contaba con el apadrinamiento de Moholy-Nagy.
Dice el artista: “Por este motivo, gran parte de las piezas que he escogido para la realización del proyecto, fueron realizadas por mujeres y en su mayoría realizadas en el taller de textil, que a mi entender fueron las producciones más interesantes que se realizaron en la escuela. Gunta Stölz, Anni Albers, Liz Volger fueron figuras destacadas en este ámbito de creación”.
Quisiera destacar la presencia en la escuela de Grete Stern, que se formó como fotógrafa, y es autora de unos fotomontajes a partir de los cuales desarrollé un proyecto amplio titulado como una de sus series: El psicoanálisis te ayudará.
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DIS BERLIN. Un mundo pintado. Paisajes y bodegones
Lugar: Museo Salvador Victoria, Rubielos de Mora (Teruel)
Inauguración: Sábado 6 de abril de 2019, a las 19,30h.
Abierta hasta el 23 de junio de 2019
Horario: Sábados de 11 a 14h y de 16,30 a 19,30 h. Domingos y festivos de 11 a 14h .
Comisario: Ricardo García Prats y Javier Martín
Cuando vemos las exposiciones de Dis Berlin nos damos cuenta de que estamos ante un pintor de amplia cultura, capaz de entrelazar como nadie lugares, personas e ideas. Sus conocimientos en literatura, música y cine se ven reflejados siempre en los temas de sus cuadros con los paisajes no visitados o en aquellos en que Eva es el eje del universo. Pero el autor también sabe ahondar en los sentimientos que emergen de la amistad, de la familia o de la soledad.
Bodegón cósmico. 2013. Óleo / algodón montado en tabla, 62 x 60,5 cm.
Estas visiones de su mundo pictórico son las que hemos querido mostrar en la exposición “Dis Berlin. Un mundo pintado. Paisajes y bodegones”. Realizada con fondos de la Colección Ars Citerior, hemos seleccionado diecinueve lienzos, que datan de los últimos quince años de la producción del artista.
Amigas 2013. Óleo / algodón montado en tabla, 38 x 38 cm.
Las ilusiones perdidas. 2018. Óleo / lino montado en tabla, 50 x 77,5 cm.
Ilusiones perdidas, con un barco varado en el desierto que nos puede hacer recordar los buques abandonados en el Mar de Aral, pero donde Dis Berlin nos muestra una imagen menos cruda, más poética, con un desierto nada agresivo, con oasis, donde un vapor de ruedas nos hace pensar en los agradables paseos fluviales que a mitad del siglo XIX surcaban el Misisipi. Navíos que por su efectividad también fueron utilizados en lugares como el Congo, transportados pieza a pieza, a hombros de porteadores, desde la costa hasta la zona navegable del río. Para los amantes del cine no se nos escapa ese recuerdo de Fitzcarraldo intentando cruzar la selva amazónica a bordo de un navío a vapor con el fin de hacerse rico con el caucho para poder construir un teatro de ópera en plena Amazonía.
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| geometria-piekno.pdf | [ ] | 5497 Kb |
Geometria i piekno - wystawa poplenerow
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50 aniversario del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid
Exposición permanente. Pavellón de Gobierno, c/ Isaac Peral s/n.
Comisario: Aramis López
El pasado 14 de marzo se realizó un homenaje a los pioneros que trabajaron y crearon en los inicios del Centro de Cálculo.
Nota de la Universidad Complutense de Madrid
El 13 de enero de 1966, la Universidad de Madrid (actualmente Universidad Complutense de Madrid) firma un acuerdo con la compañía IBM (International Business Machines) para poner en marcha un Centro de Cálculo en la Ciudad Universitaria. La empresa aportaría el equipamiento informático del centro y la universidad construiría un edificio para el mismo.
En 1967 se construye el edificio, encargado al arquitecto Miguel Fisac, junto a la que hoy es la Facultad de Ciencias Físicas.
En el curso 1968/1969 entra en funcionamiento el Centro de Cálculo, siendo inaugurado oficialmente el 7 de marzo de 1969, hace ahora cincuenta años.
La empresa IBM proporcionó una máquina IBM 7090 más otro equipamiento auxiliar.
El primer director del Centro de Cálculo fue Florentino Briones. Nada más ponerse en funcionamiento el centro dan comienzo unos seminarios en los que se trataban muy variados temas, siempre con la idea de automatizar procesos iterativos y tediosos y centrarse en la creatividad.
Con el tiempo se incorporan a esos seminarios artistas de variadas disciplinas que se proponen experimentar con la aplicación de las máquinas de cálculo a sus procesos creativos. Durante los primeros años del Centro de Cálculo se generan numerosas obras en las que los ordenadores han formado parte del proceso creativo.
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Abundó en felices curiosidades
Julia Huete | Miguel Marina | Álvaro Negro | Stefan Rinck
En la rareza de los objetos, de toda naturaleza y lugar, que se agolparon en los cuartos de maravillas, había algo que los hacía deseables. Ejercían, en quienes los observaban, una suerte de fascinación. Lo fascinante es, como cualidad, superior a lo asombroso, porque reúne lo inesperado con lo misterioso: no se agota (como una novedad), ni se comprende (como un problema). Permanece siempre atrayente, por tanto, inagotable.
Estas cualidades casi metafísicas de los objetos (hay en esta expresión algo inquietante) no acobardaron ni a los coleccionistas ni a lo teóricos, que impusieron en ellos el orden y la catalogación. Se encuentran con facilidad tratados que explican cómo pertrechar convenientemente un gabinete de curiosidades: cómo resumir el mundo en una habitación.
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