Leyendo cuadros. Mirando historias


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Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
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Documentos de introducción
 Introducción de Javier Martín 
 Introducción de Ana Álvarez 
 Listado de autores 

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Ars Citerior

En torno al círculo


En torno al círculo


Del 14 de diciembre al 13 de enero, la Galería Kreisler presenta la exposición colectiva “En torno al círculo” donde mostraremos las obras, que han realizado los artistas participantes, en un único  formato, tondo de 50 cm. de diámetro, realizadas en diferentes técnicas, estilos y temas, creando una disparidad en el espacio expositivo, que sin embargo convergen en calidad, originalidad y contemporaneidad.

Un formato poco convencional pero equilibrado, dinámico y  que remite a la idea de perfección.

El círculo o tondo, tiene un doble efecto. Son obras encerradas en si mismas, el espectador se introduce visualmente en el círculo pintado, pero al mismo tiempo tiene un carácter expansivo, emitiendo sensaciones que van mas allá del cuadro, creaciones que parece no tener principio ni fin, debido a la inexitencia de esquinas o ángulos".

(Nota de la galería)

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Feliz 2018

Desde la revista digital Conservar el arte contemporáneo español te deseamos felices fiestas y un venturoso 2018, en el que  seguiremos informándote de lo acontecido en el panorama de las artes plásticas.


Abel Martín. Familia de curvas Empolares. 1969

Abel Martín. Familia de curvas Empolares. 1969

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Eusebio Sempere  en el MNCARS

Del 9 de mayo al 27 de septiembre de 2018

Comisarios: Belén Díaz de Rábago, Carmen Fernández Aparicio, Manuel Borja-Villel

Nota del MNCARS

El Museo Reina Sofía presenta una retrospectiva de Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923-1985), una de las figuras más significativas del arte español del siglo XX, que comparte escenarios e ideas del arte cinético y se caracteriza por una poética basada en la luz y el color; como escribió el crítico de arte y ensayista Vicente Aguilera Cerni, el suyo: “es un arte a la vez concreto, poético, lógico e incluso, urbanístico”. La muestra reúne alrededor de 170 obras: acuarelas, gouaches, relieves luminosos, collages, pinturas, móviles, esculturas y proyectos interdisciplinares, además de un apartado documental que abarca desde 1949 a principios de la década de 1980. En la trayectoria artística de Sempere su larga estancia en París durante la década de los cincuenta marca un punto de inflexión. Allí participa en varias ediciones del Salon des réalités nouvelles, donde en el verano de 1955 expone sus relieves luminosos móviles y un manifiesto en el que se refiere a la luz como el elemento con el que construir un diálogo poético a través del tiempo. El mismo año de la presentación de estas obras claramente cinéticas, había tenido lugar la exposición Le mouvement en la galería Denise René, considerada el origen del arte óptico y cinético. Su progresivo interés por el arte de vanguardia en España y las dificultades de la vida en París, llevan a Sempere a instalarse en Madrid en enero de 1960, en pleno auge del informalismo. Como integrante del Grupo Parpalló expone ese año en la Primera exposición conjunta de arte normativo español y tiene en el mencionado Aguilera Cerni uno de sus primeros apoyos; participa también en la XXX Bienal de Venecia (1960) y en la VI Bienal de São Paulo (1961); en 1963, con una beca de la Fundación Ford, viaja por Estados Unidos, exponiendo en 1964 y 1966 en la galería Bertha Schaefer de Nueva York. Durante esos años, la Galería Juana Mordó le representa y le dedica una muestra retrospectiva en 1965; Fernando Zóbel le incluye en la inauguración del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, en 1966. Esta exposición comienza con un conjunto de acuarelas abstractas relacionadas con la obra de Vassili Kandinsky y Paul Klee, que dan paso a una amplia representación de los gouaches realizados en París, obras geométricas de expresividad contenida en el trazo y una especial sensibilidad por la luz y el espacio; junto con una selección de los relieves luminosos en los que empezó a trabajar en 1955. Más adelante, se atiende a los diferentes intereses que centran el trabajo de Sempere desde su regreso a España a través de una selección de pinturas al gouache sobre tabla y papel, collages realizados con cartulinas y escultura en metal, desarrollada desde mediados de los años sesenta. Asimismo, se muestran sus trabajos interdisciplinares, como Proyecto de música electrónica (1967), que realiza con el grupo ALEA de Luis de Pablo; los seminarios de Análisis y Generación Automática de Formas Plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, entre 1969 y 1972; las exposiciones Antes del Arte. Experiencias ópticas perceptivas estructurales, que organiza Aguilera Cerni en Valencia y Madrid en 1968, y Proyecto IBM, planteado como una escultura de arte total, en colaboración con Cristóbal Halffter y Julio Campal.


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Amadeo Olmos. Destino


amadeo olmos. destino

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Cuando un hombre entra en una habitación lleva toda su vida con él.

Rafa Macarrón

Galería Marta Cervera, Madrid

Hasta el 30 de diciembre de 2017

 

Rafa Macarrón

343 almas. Técnica mixta sobre aluminio. 183 x 289 cm. 2017


La obra de Rafa Macarrón trasciende convenciones artísticas para alcanzar un contacto íntimo con el espectador y la sociedad. Inundada de actividad, de colores vivos, materiales pegados y apilados, figuras que se encaraman las unas sobre las otras, la energía que destilan sus cuadros se puede equiparar a la del artista en sí, trabajando de forma incesante para captar su entorno. Rafa Macarrón vive en movimiento (ya sea pedaleando o pintando) y de ese movimiento interno nace el deseo no sólo de crear, sino también de captar el movimiento y la creación diaria de los demás. Como para el artista, tampoco hay respiro para la sociedad, conformada, en esta nueva obra, por un ritmo incesante de figuras moviéndose, divirtiéndose, duchándose, fumando e incluso bostezando. Títulos como “Cosmos,” “Génesis,” “343 almas” o “Al Alba” indican que, aquí, la producción individual constituye y conduce a la creación colectiva y popular tanto en su dimensión social, artística, espiritual como biológica.

Rafa Macarrón (Madrid, 1981) vive y trabaja en Madrid. Macarrón crea personajes únicos que reclaman todo el protagonismo de cada obra y que encarnan a un tiempo lo universal y lo irrepetible. En sus cuadros, Macarrón crea escenas oníricas y un mundo de personajes insólitos que a pesar de su dramatismo y deformidad desprenden ternura y amabilidad. Con un estilo y lenguaje definido, su pintura es fluida, fresca y armoniosa en su conjunto. Influido por el cómic, la pintura española de los 50 y los 60, la obra de Fraile, Matta o Quirós, Macarrón se convierte en un referente de la pintura de nuestro tiempo. Ganador del primer premio de pintura BMW en 2011, ha estado presente en diversos países y ha participado en numerosas ferias como Context Art Miami, ARCOmadrid, Zona Maco, ArtBo, Art Miami o Art Moscow.

(Extracto nota de prensa de la Galería Marta Cervera)


Rafa Macarrón

The boss. Técnica mixta sobre aluminio. 183 x 140 cm. 2017


Imagen cortesía de la Galería Marta Cervera


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Antoni Miró. La mirada rebel

Antoni miro

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José Luis Alexanco. Momentos "1969"...."2017


Galería Maisterravalbuena, Madrid

Del 25 de noviembre de 2017 al 3 de febrero de 2018

José Luis Alexanco (Madrid, 1942), figura clave en la colaboración entre arte y tecnología en España y el resto de  Europa, revolucionó la escena artística del tardofranquismo organizando los Encuentros de Pamplona (1972)  y contribuyó a sentar las bases de lo que posteriormente sería el uso de ordenadores en el ámbito artístico en Europa.


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Prudencio Irazábal. Tide Marks

 

Galería Pelaires, Palma, Islas Baleares

Del 30 de noviembre de 2017 al 30 de enero de 2018


Prudencio Irazabal

Tide Marks, 2017, 175 x 220 cm.


Imágen cortesia Galería Pelaires

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Monika Buch. Línea y Módulo

Lugar: Museo de la Universidad de Alicante (MUA). Sala Sempere

Fechas: Del 26 de enero al 28 de febrero de 2018

Inauguración: Viernes 26 de enero a las 18h.

Comisario: Javier Martín



La familia, procedente de la ciudad alemana Halle an der Saale, se trasladó a finales del siglo XIX a Valencia, donde fundó la empresa Máximo Buch, dedicada a la fabricación de cepillos. Monika Buch nació en esta ciudad el 5 de marzo de 1936. Meses más tarde, debido a la Guerra Civil, toda la familia fue evacuada a Alemania. En palabras de Monika Buch, “así nos convertimos en una familia de refugiados”. Tras tres años residiendo en Bad Godesberg, cerca de Bonn, nada más finalizar la contienda española, la familia decide volver a Valencia, pero cuando el barco estaba pasando por el canal de la Mancha, el Reino Unido declaró la guerra a Alemania y el barco tuvo que retornar a  Hamburgo. Los Buch, en su afán por volver a España, viajaron en tren a Italia y en Génova se embarcaron con destino Barcelona, donde les recibió el padre de Monika que ya había regresado previamente.

Finalizados sus estudios en los Colegios Alemanes de Valencia y de Barcelona, y tras realizar el servicio social femenino, que le resultó obligatorio para obtener el pasaporte, su madre le animó a que se trasladase a la ciudad alemana de Ulm, donde en enero de 1956 Monika ingresó en la Hochschule für Gestaltung (HfG) de Ulm (Escuela Superior de Gestaltung o Escuela de Ulm). Esta institución estaba dirigida por Max Bill e incorporó como docentes, además del propio Bill, a Josef Albers, Johannes Itten y Walter Peterhans. Todos ellos procedían de la mítica Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal), fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar y cerrada por las autoridades nazis en 1933.

 

Monika Buch. Línea y Módulo. Colección Ars Citerior

Sin título. 1956. Gouache sobre cartulina. 51 x 73 cm.

 

Monika Buch relata sus primera impresión de la Escuela: “En enero de 1956 un día esplendido y frío vi por primera vez el magnífico edificio de la Hochschule, en mi vida había visto algo parecido, este acontecimiento cambió toda mi vida. Lo llevo clavado en mi mente”.

Los estudios en la HfG estaban basados en la percepción visual según la psicología de la Gestalt (o psicología de la forma), cuyo lema es que El todo es mayor que la suma de sus partes. Es decir, que la figura en que nos fijamos está formada también por el fondo en que se encuentra, por lo que la suma de todas esas formas (figura y fondo) es mayor que la figura inicial en la que nos hemos fijado. En aquel centro, Tomás Maldonado puso en práctica el curso “visuelle methodologie” en el cual se realizaban ejercicios sobre temas como: Figura/fondo, efecto espacial, ambigüedad, exacto/inexacto o el negro como color”. Otros estudios impartidos en Ulm fueron el de las perspectivas lineales a cargo de Albers,  la geometría como lenguaje de las formas por el profesor Hermann von Baravalle y Helene Nonne Schmidt (asistente de Paul Klee en la Bauhaus), de la que Buch aprendió el trabajo con los matices de colores. Y todo ello bajo la dirección del artista y arquitecto suizo Max Bill, comprometido con el arte concreto y que consideraba la obra de arte como un objeto para el uso espiritual.

 

 Monika Buch. Línea y Módulo. Colección Ars Citerior

Hochschule für Gestaltung  

 

Durante los dos cursos que permaneció Monika Buch en la HfG, el estudio de la geometría y sus posibilidades fueron una de sus pasiones, lo que dio lugar al carácter de las obras que llevó a cabo en estos años y que fueron la base de gran parte del desarrollo de sus investigaciones plásticas: las posibilidades que ofrece la línea y el módulo y las formas que pueden derivarse de ambas, gracias a los giros y traslaciones. Unas de las formas resultantes fueron las llamadas figuras imposibles, porque no pueden existir en realidad, surgen cuando se pretende obtener una figura tridimensional con datos bidimensionales provocando en el espectador una tensión emocional al crearse un enigma visual. El color fue también muy característico de las formas que Buch realizó en estos años, tanto que la propia autora los denomina como “unos colores muy Ulm”.


Monika Buch. Línea y Módulo. Colección Ars Citerior

Sin título. 1958. Gouache sobre cartulina. 48,5 x 50 cm.


Tras su etapa en Ulm, en 1958 se trasladó a Utrecht, ciudad donde sigue ahora residiendo y  donde cursó los estudios universitarios de pedagogía y psicología infantil. Durante dos años centró su actividad en el campo del diseño de juguetes en la fábrica holandesa ADO. Desde 1972 se dedicó a su trabajo artístico, con investigaciones centradas en la interrelación forma-color.

La obra de Monika Buch se fundamenta en lo que aprendió en la HfG. En palabras de la propia artista: “Siempre parto de una idea o una pregunta que quiero resolver. Me interesa la percepción: qué es lo que veo y porqué, por eso me gusta trabajar en un tema con variaciones. La estética es importante pero muchas veces más en un segundo plano. Una obra puede ser bella o agradable de ver, pero para mí tiene que tener algo más, algo interesante que te llama la atención o que atrae tu mirada cada vez y quieres descubrir lo que te inquieta”.

 

Monika Buch. Línea y Módulo. Colección Ars Citerior

Sin título. 1975. Acrílico sobre tabla. 49 x 49 cm.

 

Javier Martín

- CATÁLOGO DIGITAL-

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Dis Berlin. Canciones y Silencios


Galería Siboney

Del 10 de noviembre al 14 de diciembre de 2017


Dis berlin. canciones y silencios


CATALOGO DIGITAL

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Jesús Zurita. Saber desnortado

Galería Gema Llamazares

Del 10 de noviembre al 22 de diciembre de 2017

Inauguración : viernes, 10de noviembre  a las 20h.

 

Jesús Zurita. Saber desnortado


"El fondo oscuro de la Naturaleza que las imágenes de Zurita ponen en evidencia es, qué duda cabe, la parte del mal que, habitando en nosotros, somos aún capaces de reconocer desde fuera, desde un exterior que todavía conserva la capacidad del lenguaje. Pero sería sólo cuestión de dejarse llevar un poco más…"

Extracto del texto escrito por Óscar Alonso Molína para la exposición.

 

 

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Artur Aguilar. Serie Arcs 64H

 

Artur Aguilar. fibonaci

 

Último trabajo de Artur Aguilar que consta de 384 unidades de 30 x 30 cm.

La propuesta expositiva de este trabajo consiste en presentar 13 obras cuyos números de orden dentro de la serie coinciden con los 13 primros números de la serie Fibonacci.

 

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