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Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
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 Introducción de Javier Martín 
 Introducción de Ana Álvarez 
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Ars Citerior

Antoni Miró a La Base


Antoni Miró a La Base

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Eutiquio Estirado. No llega el lenguaje a las palabras



El quimérico museo de formas inconscientes

 Javier Martín

  

"Todos los materiales del pensar se derivan de nuestra sensaciones
externas o internas. Sólo la mezcla y la composición de éstas
pertenece al espíritu y a la voluntad".

David Hume 

 

La personalidad es lo que hace que un individuo sea él mismo y no otro, es lo que pertenece esencialmente a una persona. La noción de individuo no aparece como tal hasta la cultura grecorromana, al convertir a la persona en un ser consciente, libre y responsable. Posteriormente el cristianismo otorgará una base metafísica a la noción de persona. Y durante los siglos XVI y XVII los filósofos debatirán sobre si el alma es una sustancia o está soportada por una sustancia. En la sociedad actual, donde se dan tantas ideas por aceptadas y verdaderas sin saber bien quién, cómo y cuando lo ha establecido, no nos preocupa tanto el significado de las nociones de individuo y personalidad sino más bien la perdida de ambas, lo que nos conduce al miedo a dejar de ser uno mismo, el no tener conciencia de saber quiénes somos y el no reconocer a aquellos que nos han acompañado en el tránsito por la vida.

Con la pérdida progresiva de la memoria vamos perdiendo los sentimientos, y por tanto las respuestas emocionales que conllevan frialdad afectiva al replegarse el individuo en sí mismo. Esta contención de emociones también va produciéndose en aquellos que acompañan a la persona que va perdiendo la memoria de manera progresiva e irreversible, llegando poco a poco entre ambos a desaparecer la comunicación verbal e incluso la del contacto físico. Todo ello tendrá que ser “digerido” por la persona consciente, que tampoco ve ya al que tiene enfrente como a un ser querido sino como a alguien extraño. Todo este proceso, más o menos largo, tendrá como resultado una catarsis tras el fallecimiento del la persona demenciada, y tendrá que saber encauzar esa angustia para saberse finalmente liberado. En el plano que nos ocupa, que es la expresión plástica, quiero recordar al artista norteamericano William Utermohlen, quien tras ser diagnosticado de alzheimer trató de entender la enfermedad pintándose a sí mismo. De esta manera, el pintor fue realizando autorretratos en los que su cara era el mapa de cómo él veía la progresión de la demencia en su cerebro, como en un intento de no perder sus recuerdos.

De todo lo anteriormente dicho nos habla Eutiquio Estirado en su nueva exposición “No llega el lenguaje a las palabras”, una nueva serie pensada y “digerida” durante los últimos cuatro años y finalmente “regurgitada”. En ella los cambios de las formas y la composición van evolucionando al mismo tiempo que la asimilación de un sentimiento afectivo de pérdida, pero sin abandonar una de las constantes en su obra y en su vida, la ironía con la que trata todo. En la elaboración de sus obras, y tras una primera intervención, las deja apoyadas unas sobre otras para retomarlas semanas o meses más tarde. En este estado de espera, en algunas ocasiones se producen transferencias entre ellas, al estar en contacto unas con otras,  y en ese segundo momento reanuda su acción pictórica destruyendo parte de ellas para volver sobre la idea inicial. Así entra en un proceso de destrucción-reconstrucción en el que crea algo nuevo sin perder su primera esencia.

eutiquio estirado. no llega el lenguaje a las palabras

Arrecife. 2018 Técnica mixta sobre madera. Medidas variables

             

En las veinticuatro piezas que nos presenta, Eutiquio nos habla de todo aquello que ha tenido el peso suficiente para hacer mella en su sensibilidad y entrar a formar parte de un cúmulo de imágenes, palabras, números y conceptos que ha ido almacenando no siempre de modo consciente, y que con el tiempo han visto de nuevo la luz. Eso sí, una luz tamizada por los sentimientos acumulados por el artista en este caminar de cuatro años. De este modo han surgido composiciones en las que se observa una evolución en su paleta de colores, donde los azules, verdes y rojos han ido desapareciendo para dar paso al negro en toda su rotundidad, su elegancia y su misterio. Obras que nos hablan del lugar donde se nutre el arte, como “Arrecife”, o de recuerdos e imágenes escondidas por el miedo, como en el caso de Requeriment to correct”. También de sentimientos contradictorios y de palabras nunca dichas, en “Debate de idiotas”, para finalizar con la pieza donde se produce la catarsis ansiada, con esa palabra que todos, tantas veces, hemos pronunciado: “MADRE”.

En definitiva, como escribió Jorge Luis Borges en el poema “Cambridge”, del libro Elogio de la sombra, ”Somos nuestra memoria, somos ese quimérico museo de formas inconstantes, ese montón de espejos rotos”.


eutiquio estirado. no llega el lenguaje a las palabras

Requeriment to corret. 2018. Técnica mixta. 120cm x 165cm

                                             



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Eduardo Barco - Carlos Cartaxo. Inventario y Descripción

 

eduardo barco-carlos cartaxo

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Sergio Sanz. Cuando las aguas del temporal remitieron


Galería Siboney

Inauguración: viernes 14 de septiembre, a las 8 de la tarde

Del 14 de septiembre al 30 de agosto de 2018

 

sergio Sanz. cuando las aguas vuelven a su cauce

 

Sobre su obra reciente, -su enigmática obra reciente-, se diría que destaca el color, un color trabajado y matizado, un color saturado y en ocasiones cegador es casi como si de una declaración de intenciones del artista se tratase; Es una pintura anticolorista, o lo que se entiende por ella. Hace años que abandonó su característica paleta compuesta de colores terrosos, grises y rojizos.

 

 

 

 

Del 14 de septiembre al 30 de agosto de 2018

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Robert Ferrer i Martorell. El proceso de la forma


Robert Ferrer i Martell. el proceso de la forma



Robert Ferrer i Martell. el proceso de la forma

VISLUMBRAR UN PROCESO

Jacobo Fitz James Stuart


Laberinto

Como galerista soy testigo de la enorme distancia que hay entre un artista y su público, entre el que fabrica y el que contempla o adquiere.

El artista vive en un perpetuo proceso, una vez la obra está acabada, la incubación concluye momentáneamente y la obra cobra una vida propia, contingente, ajena a las intenciones de su creador. La obra puede ser enaltecida, banalizada, maltratada, compartida, puede ser fuente de pensamiento, disfrute, vanidad o especulación financiera. Para mantener la cordura un artista debe soltar a sus hijos y aceptar que una vez han alcanzado la madurez comienzan una nueva vida, un nuevo laberinto.

Cuando una obra se termina lo importante es la semilla de la siguiente y es ese camino de pensar, hacer y crear donde palpita la medula de aquello que, a falta de un término mejor, llamamos arte.

 

El Silencio

Hace ya seis años del Silencio de la luz, la primera exposición de Robert Ferrer en Espacio Valverde. Conocer a Robert en profundidad me llenó de asombro y un leve asomo de terror; todo lo tenía medido, pensado, previsto, desde la ubicación de las obras en el espacio, las herramientas necesarias, las cartelas cortadas a láser… Todo estaba hecho a mano por Robert pero el acabado era tan pavorosamente impecable que uno era incapaz de encontrar un defecto, una bolita de pegamento, un nudo mal atado, el resultado era sencillamente perfecto. (Más tarde Robert me contó que pertenecía a una estirpe de gente ultra-meticulosa, una familia de ópticos, orfebres y cirujanos de la materia que durante mucho tiempo le consideraron el chapuzas de la familia, el desviado, el artista.)

En cierto sentido Robert Ferrer estuvo tan pendiente de todo durante el montaje de El Silencio de la luz que me hizo sentir superfluo. Y, sin embargo, una vez colgada la exposición dentro de la galería comenzamos a armar una instalación que recorría todo el edificio y que requería de grandes artilugios suspendidos del balcón del vecino junto con millones de pequeñas partículas, del tamaño de un posavasos, que flotaban con miles de hilos invisibles a lo largo del paso de carruajes y el patio de Valverde.

Fueron tres días de escaleras, resolución de problemas y muchos, muchos nudos y yo pensé que en aquel momento estaba viviendo algo especial, algo que solamente yo tenía el privilegio de recibir; estaba participando del proceso de materialización de una gran obra.

Soy consciente de que lo que vivía era el último paso de una larga secuencia, (ideación, maquetas, preparación de materiales, etc., etc.) pero esos tres días, codo con codo con Robert, atando y desatando nudos, me ayudaron a vivir la exposición de otra manera, me hicieron vislumbrar el proceso.

 

El Proceso

Vislumbrar el proceso de una gran obra es lo que Robert Ferrer tan generosamente nos brinda en esta exposición: mostrando los planos, las maquetas e instantáneas de distintos momentos en los que se puede apreciar como los aluminios se van desplegando hasta alcanzar su equilibrio y potencia poética.

Una de las particularidades de Robert Ferrer es la importancia que le da al trabajo manual. Esa frescura tan singular que tiene su obra dentro de una tradición tan analítica como la geometría está directamente relacionada con el pensamiento de la mano, con esa férrea voluntad de manufacturar él mismo todas y cada una de sus obras.

Por eso invito a todo aquel que tenga la fortuna de estar disfrutando de esta exposición a contemplar todas y cada una de sus partes no solamente como las fases abstractas de un proyecto sino como el desenvolvimiento manual de alguien que dobla, apunta, corrige, compara, sujeta, pega y manipula el espacio.

Nuestra mente cada vez más informatizada olvida aquellos ámbitos en los que el resultado no es la mera ejecución de un plan. Al igual que un ser vivo es algo más que el desarrollo matemático de sus genes, en el arte es muy importante todo lo que ocurre en medio.

Es ese lugar misterioso que hay entre la intuición y la manipulación, entre el plan y el resultado donde nacen y se despliegan nuevos mundos, es ahí donde radica la diferencia entre técnica (τέχνη) y tecnología.

Robert trabaja siempre mediante el desarrollo de familias en las que una nueva idea aparece, permuta, se multiplica, se desarrolla y da lugar al nacimiento de una nueva familia. Todo esto ocurre con un tempo muy particular, con sus variaciones, escalas y leitmotivs.

Tras un recorrido multidimensional sobre las diferentes procesos creativos concluimos el recorrido con la obra, la única obra sobre la que órbita esta exposición en concreto. Contemplándola, uno se imagina que alguien ha abierto un espacio en la pared para mostrar aquello que estaba oculto. Junto a las aberturas espaciales y cromáticas, unas finas líneas de aluminio oscilan en equilibrio inestable con la lentitud e intensidad de una perpetua búsqueda de significado.

La geometría, al igual que la música, cifra a mí entender un gran misterio que pone en juego matemática, percepción, sentimiento e intelecto; quizá por eso Schopenhauer argumenta que si lográramos resolver el enigma de la música, resolveríamos el enigma del universo.

Comprender por qué la ligera inclinación de un cuadrado sobre otro puede hacernos vibrar está más allá de nuestro alcance y quizá es mejor que así sea. Las manos de Robert como las de un pianista, saben, exploran y comparten un universo en el que podemos, temporalmente y en silencio, repensarlo todo de nuevo.

Un cordial saludo desde Madrid.

(Agradecemos a Jacobo Fitz James Stuart la autorización para reproducir el presente texto)


 


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Ángel Castaño. Anamnesis: Pasado vs Presente

 

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Monika Buch en R.O Proyectos

 

Monika Buch. Rafael Ortiz. R.O Projets

S/T. Acrílico / tabla. 1976. 48 x 48 cm.

 

MONIKA BUCH 70´s

 Lugar:  R.O Proyectos. c/ Huertas 61. Madrid

Inauguración: Jueves 13 de septiembre a las 19,30 h.

Hasta el 15 de diciembre de 2018.

 

Para el espacio RO Proyectos, el galerista Rafael Ortiz ha querido centrarse en la producción que Buch realizó en la década de los setenta, época de trabajo intenso, cuando, tras diez años sin pintar, la artista tenía inquietudes investigadoras, siempre dentro de la abstracción geométrica y contando con el poso que dejó su paso por la Escuela de Ulm. La obra más antigua que se presenta en esta muestra data de 1973 y se trata de una tabla donde Buch se centra en el estudio de la interrelación forma-color. La verdadera gran eclosión de su trabajo fue en 1975, con una amplia realización de tablas de 48 x 48 cm., algunas de ellas de carácter óptico-cinético. El papel es el segundo de los soportes sobre el que trabajó durante estos años, principalmente de 1976 a 1979, en composiciones realizadas con acrílico muy diluido donde consigue un trabajo exquisito de formas modulares, algunas de ellas cinéticas y otras dentro de las denominadas figuras imposibles. Monika Buch explica del siguiente modo la producción realizada en esos años: “En el trabajo que hago desde 1972 (desde que terminé mis estudios en la universidad de Utrecht) son sobre todo las gamas de colores las que predominan. Los colores pasan casi siempre de claro a oscuro o viceversa. La diferencia entre un color y el siguiente no se pueden percibir directamente, ya que la diferencia es mínima. Si hay algún salto este se puede ver solamente cuando has hecho los pasos siguientes. Para determinar la diferencia entre un color y el siguiente utilizo un elemento geométrico pequeño con el que construyo una estructura o un diseño geométrico, para esto encuentro inspiración en la geometría dinámica de Hermann von Baravalle”.

 

 

Monika Buch. Rafael Ortiz. R.O Projets

S/T. Acrílico / papel. 1975. 50 x 50 cm.

 

La obra de Monika Buch se fundamenta en lo que aprendió en la HfG. En palabras de la propia artista: “Siempre parto de una idea o una pregunta que quiero resolver. Me interesa la percepción: qué es lo que veo y porqué, por eso me gusta trabajar en un tema con variaciones. La estética es importante pero muchas veces más en un segundo plano. Una obra puede ser bella o agradable de ver, pero para mí tiene que tener algo más, algo interesante que te llama la atención o que atrae tu mirada cada vez y quieres descubrir lo que te inquieta”.

 Javier Martín

 

 

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Lo sé es solo pintura pero me gusta


Lo sé, es solo pintura pero me gusta

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No somos todas las que estamos, ni estamos todos los que somos

Nota de la oragnización

Sábado 20 de octubre. 12:00-20:00 h

El estudio de la artista Montse Gómez Osuna abre sus puertas para acoger la primera edición del Gabinete de Resistencia: una propuesta artística colectiva pensada desde lo fragmentario, lo experimental y lo emocional. Reformulando el concepto tradicional de gabinete artístico, se pretende mostrar un cierto mapa de la creación contemporánea española actual donde, de forma intencionada, se invita a adentrarse en un contexto de múltiples visiones creativas.

Sin más baluartes que la calidad y la diversidad artísticas, se parte de una actitud elástica y una concepción libre y práctica, alejadas de los relatos firmes, apriorísticos o sistemáticamente ordenados, con el único condicionamiento del pequeño o medio formato listo para colgar. 22 mujeres y 22 hombres, casi medio centenar de artistas que presentan sus imaginarios e investigaciones particulares, insistiendo en el respeto a su marco de trabajo previo y sin pretender adaptar o encajar las obras en discursos impostados. Si se buscan más referencias, este gabinete quizá podría sentirse próximo al “caos estructurado” y a la importancia de la exposición como experimento vivo de H. Szeemann, subrayándose que no están todas ni todos los creadores porque precisamente es un proyecto dinámico con vocación de continuidad y crecimiento, basado en la creencia de la riqueza que aporta la heterogeneidad compartida.

Una cita excepcional con la participación de Ángeles Agrela, Alfredo Alcaín, Gerardo Aparicio, Illán Argüello, María Ángeles Atauri, Javier Ayuso, Eduardo Barco, Marta Barrenechea, Sebastián Beyro, Isidro Blasco, Carlos Cartaxo, Clara Carvajal, María Chaves, Julio Falagán, Le Frère, Miguel Ángel Fúnez, Guillermo Lledó, Chus García-Fraile, Esther García Urquijo, Matilde Gómez Osuna, Montse Gómez Osuna, David Heras Verde, Sofía Jack, Elena Jiménez, Diana Larrea, José Luis López Moral, Raquel Lorente, Che Marchesi, Patricia Mateo, Patricia Mayoral, Alicia Moneva, Teresa Moro, Rosa Muñoz, Ángela Nordenstedt, Jonathan Notario, Guillermo Peñalver, Sandra Rein, Rubén Rodrigo, Julio Sarramián, Óscar Seco, José Luis Serzo, Alfonso Sicilia Sobrino, Mar Solís y Cristina Toledo.

Próximamente, se irán mostrando las obras seleccionadas por los artistas.

La resistencia la aportan los propios artistas, por continuar creando pese a la precariedad que caracteriza al sector cultural, por seguir proyectando declaraciones artísticas a pesar de los mecanismos de los circuitos del arte contemporáneo donde, las numerosas imposiciones del poder, lo hacen tan complejo; resistencia entendida como voluntad creadora. Igualmente, la iniciativa que motiva el propio gabinete proclama la resistencia, aspirando a constituirse en un enclave nuevo de promoción y difusión del arte, un espacio propicio para el tan escaso y anhelado coleccionismo de nuestro país; resistencia, ahora, entendida como la acción colectiva ante la adversidad.

Cuestionar lo que somos y cómo vivimos gracias a una suerte de reunión de complicidades, donde caben las confluencias, las tensiones y las contradicciones, y de las que seguro nacen nuevos diálogos: feliz cruce de caminos. En este extraño tiempo de postverdades infinitas, del ingente y siempre insatisfactorio consumo de imágenes, el Gabinete de Resistencia es una propuesta donde se despliegan los relatos libres de los artistas, bajo una invitación, tan sencilla como honesta, a descubrirlos, y disfrutarlos, sin guiones.

Un proyecto de Montse Gómez Osuna, Fueradcarta ediciones (Patricia Mateo y José Luis López Moral) y FAC Feria de Arte en Casa (David Heras y Sara Zambrana). Patrocinado por PAC Plataforma de Arte Contemporáneo, Revista BEIS y 100% México.

I Gabinete de Resistencia

Sábado 20 de octubre de 2018 – 12:00 a 20:00 h

Estudio de Montse Gómez Osuna

Ronda de la Avutarda, 17, Madrid (28043)

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Antoni Miró. Obra recent

 

Antoni Miro. Obra recent

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Federico Herrero-Joan Hernández Pijuan

 

joan hernandez pijuan-federico herrero

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Esencia Neopurista

 

Titulo: ESENCIA NEOPURISTA, Gianfranco Spada Obra pictórica 2005-2018
Fechas: 12 de septiembre - 11 de octubre 2018
Inauguración: 12 septiembre, 20.30 horas
Lugar: Espacio ES/UM del Paraninfo del Campus de la Merced, Universidad de Murcia

La exposición ESENCIA NEOPURISTA es una selección retrospectiva monográfica que toma el nombre del Manifiesto Neopurista que el artista ha lanzado a finales de 2015 y que sirve de hilo conductor para entender
la obra pictórica expuesta.

Nacido en Bari, Italia del sur, en 1972, Gianfranco Spada estudió arquitectura en Venecia y en La Cambre de Bruselas. Desde 2002 reside en Valencia, donde ha abierto su propio estudio de arte y arquitectura: Atelier Spada. Desde 2010 es consultor y colaborador externo de la Editorial Pre-Textos y en 2015 ha fundado Geometricae, Revista de Arte Abstracto Geométrico.

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