ISSN 2444-1228
Leyendo cuadros. Mirando historias
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Entrega número 48
José Mª Yturralde
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 El arte de lo leve. Por Juan Manuel Bonet.pdf | [ ] | 109 Kb |
Águeda de la Pisa. Del orden construido al orden natural
El arte de lo leve
Juan Manuel Bonet
Francisco Pino, un gran poeta castellano que ha escrito cosas muy atinadas sobre Águeda de la Pisa, tiene un título de 1969 que siempre me ha atraído como un imán: Invisibilidad de Castilla. Pino en su pinar, rodeado de sus libros, un poeta al que tanto ella como yo hemos tratado, ella más que yo, un poeta de vanguardia, un poeta que supo decir Castilla, un poeta post-guilleniano que llegó al blanco total, y a esos libros tan abstractos que ni siquiera los dedicaba con palabras, sino que trazaba temblorosamente, en lugar de la dedicatoria, figuras geométricas… Unidos por lo demás Águeda de la Pisa y Francisco Pino, por el Premio Castilla y León, él de Literatura, en 1989, ella de las Artes, en 2015.
Serie Árbol del aire
(Imágenes cortesía del artista)
La capacidad de Águeda de la Pisa para recrear en la memoria sus vivencias del mundo en torno ya me llamaba la atención en 1992, tal como lo reflejé en mi prólogo a su individual en Albatros, galería madrileña de la calle Serrano, ya desaparecida, y que hizo una buena labor. La suya sin embargo, no era en aquella época pintura que pudiera adscribirse a la figuración bajo ninguna de sus formas, sino pintura abstracta. Pero el mundo en torno no dejaba de estar presente en ella: un sentimiento difuso de la llanura, del declinado estío, del resplandor último, por citar títulos de cuadros suyos de aquel entonces. Pintura a la vez constructiva, y lírica. Pintura-pintura, sin adjetivos. Incluso un figurativo como Juan Manuel Díaz-Caneja (otro inolvidable amigo común, y otro Premio Castilla y León de las Artes) insistía en que él no era un paisajista de esos que plantan su caballete “sur le motif”. En 2005, cuando para la fundación palentina del pintor organicé una muestra sobre Caneja, sobre sus contemporáneos, sus amigos, y sus no ya discípulos, que no los tuvo sensu stricto, sino afines, miembros de su estela, incluí obra de su paisana. Unida también, ahora, al cabo del tiempo, con él, con su memoria, gracias a esta muestra en su aludida Fundación, para cuyo catálogo escribo estas líneas.
LEER MAS. "El arte de lo leve". Por JUAN MANUEL BONET
(Agradecemos a Juan Manuel Bonet la autorización para reproducir el presente texto)
Serie Árbol espía
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Segunda edición del Gabinete de Resistencia
La Segunda edición del Gabinete de Resistencia es un proyecto expositivo que reúne las creaciones de más de 30 artistas en el estudio de Montse Gómez Osuna, el mismo espacio que anteriormente fue la casa-taller de Lucio Muñoz y Amalia Avia.
Participan: Ana de Alvear, Julio Anaya Cabanding, Paula Anta, Illán Argüello, Miss Beige, Isidro Blasco, María Bueno, Patricio Cabrera, María Cano, Ana Dévora, Paco Díaz, Le Frère, Jorge Fin, Fueradcarta, Montserrat Gómez Osuna, Juana González, Roberto González Fernández, David Heras, Isidro López-Aparicio, José Luis López Moral, Estefanía Martín Sáenz, Patricia Mateo, Moneo Brock, Bartolomé Montes, Ruth Morán, Rosa Muñoz, Javier Pagola, Luis Pérez Calvo, Sara Quintero, Ruth Quirce, José Antonio Reyes, Nuria Rodríguez, Concha Romeu y Óscar Seco.
Más información en FAC Feria de Arte en Casa
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Conexiones dinámicas y paisajes interiores
Artistas: Francesca Belgiojoso y Lidó Rico
Duración: del 6 de abril al 25 de mayo de 2019
Ubicación: Galería Luisa Catucci, Allerstr. 38, 12049 Berlin
Esta exposición presenta un diálogo entre dos artistas que basan su trabajo en la autoexploración profunda, para expresar a través de sus prácticas su percepción del mundo. Cuerpo, Mente, escultura y Collage son los medios utilizados por estos artistas para dar voz a sus elaboraciones internas.
Si el artista español Lido Rico presenta, a través de sus esculturas, una investigación interminable del cuerpo y el cerebro como campo de batalla del conflicto eterno entre la mente libre y la sociedad controlada; La artista italiana Francesca Belgiojoso da forma a sus estructuras mentales a través de sus collages, presentándolos como paisajes o composiciones aparentemente surrealistas que parecen estar hechas de piedras pero que no lo son, para subrayar las múltiples y complejas facetas de la psicología humana y la inconsciencia, donde rara vez hay algo. Es exactamente lo que parece.
La asimetría de las composiciones, el amor por las formas no convencionales, la voluntad de expresar emociones y sentimientos profundos, a menudo referentes a los mitos y la cultura de la Edad Clásica mediterránea, son algunos de los puentes que conectan la obra de Lido Rico y Francesca Belgiojoso. Pero el punto principal sigue siendo la mente humana y sus conexiones dinámicas y paisajes interiores.
Las esculturas de Lidó Rico tienen raíces autobiográficas, no solo porque a menudo se usa a sí mismo como calcetín vivo para sus creaciones, sino también porque son el resultado del autoanálisis. El cerebro desempeña un papel protagonista en su trabajo, como representante de la paradoja del elemento racional que contiene en sí mismo la gama completa de tonos emocionales. Tonos que cuando son interpretados por entornos extraños, dan origen a arquetipos psicológicos, íconos de la incomodidad que sentimos al vivir dinámicas y reglas de sociedades que no podemos aceptar o entender por completo, no importa en qué tipo estamos o en qué momento histórico somos. vivo.
Francesca Belgiojoso está liberando sus recuerdos personales y reflexiones sobre la vida y la dinámica social a través de sus collages. Al hacer una selección racional y precisa de las imágenes y materiales utilizados en sus creaciones, Belgiojoso une elementos aparentemente tan heterogéneos y desconectados entre sí. Después de ese primer enfoque racional, mejorado por el gesto repetitivo y lento del corte, la artista se permite perderse en la acción, dejando que los recuerdos se disuelvan en la realidad física, y al final se transforma radicalmente en la composición resultante. La mente subconsciente prevalece. En este contexto, es interesante recordar la idea sugerida por Didi-Huberman, donde habla del hecho mismo de recordar como un acto de reconstrucción en sí mismo: en otras palabras, como un acto anacrónico.
Al final del espectáculo, los espectadores, cuando se enfrentan al trabajo de estos dos artistas, pueden seguir el ejemplo de Marcel Duchamp y reconstruir el contenido, con sus referencias y citas, al no ser un espectador pasivo simplemente mirando, sino uno activo que toma un papel central al aportar parte de su conocimiento y experiencia a la tarea de evaluar el trabajo.
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Catálogo razonado de la obra gráfica de Gustavo Torner
Se ha publicado el catálogo razonado de la obra gráfica de Gustavo Torner (Cuenca, 1925), una obra que incluye las 223 estampas realizadas por el artista entre 1955 y 2018. Realizado por Arturo Sagastibelza.
Edición a cargo del Consorcio de la Ciudad de Cuenca y la Fundación de Cultura Ciudad de Cuenca, con la colaboración de la Fundación Azcona y el Espacio Torner.
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José Guerrero. Pelegrinaje (1966-1969)
Centro José Guerrero
Del 3 de abril al 26 de mayo de 2019
Exposición coproducida con la Fundación Juan March
Comisarios: Francisco Baena e Inés Vallejo
Inauguración: miércoles 3 de abril de 2019 a las 20 h
Nota de Prensa Centro José Guerrero
Esta muestra forma parte de la serie de exposiciones organizadas por el Centro que acotan un periodo determinado de la carrera del pintor, en cada una de las cuales se profundiza en el significado de una etapa y en su función dentro de la trayectoria artística de Guerrero. También está ligada a los proyectos que la Fundación Juan March pone en marcha para estudiar a los artistas que forman parte de su colección: el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca y el Museu Fundación Juan March de Palma, que recibirán la exposición en junio y en octubre, respectivamente.
Esta muestra, que toma el título de uno de los óleos que se exhiben (Pelegrinaje, de 1969, que remite al poema lorquiano Los pelegrinitos, tanto como al propio peregrinar del artista entre dos continentes), aborda el estudio de los años del regreso temporal del pintor con su familia a España en 1966, casi veinte años después de que abandonara su país «persiguiendo la modernidad» y se estableciese en Nueva York. Dos hechos clave convencieron a Guerrero de la conveniencia de su vuelta: la apertura de la galería de Juana Mordó en Madrid en 1964 y el encuentro con Fernando Zóbel, que inauguraría el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca en 1966. Y tres lugares, tres atmósferas, fueron decisivos en estos años: Madrid, Nerja –donde adquirió y rehabilitó un modesto cortijo–, y Cuenca –donde se integró en la comunidad de artistas en torno al museo–. Se trata de un periodo breve pero muy fructífero para Guerrero, que alcanzó entonces una madurez determinante para el resto de su obra. Su retorno puso fin a un ciclo y dio paso a una época que le sirvió para ganar confianza antes de volver a Nueva York, donde daría un nuevo giro a su pintura.
Este retorno se produjo en parte por la desorientación provocada por el cambio de paradigma que causó en la escena artística la irrupción del pop art. Guerrero vino en busca de sus raíces; con las ideas cada vez más claras, se aferró firmemente a unos principios que obtuvieron aprobación y reconocimiento en un entorno favorable. Las obras de esta etapa reflejan esta autoafirmación, y a la vez exploran nuevos territorios formales: avanzan hacia la feliz síntesis de la expresión más pulsional con la voluntad de orden que se estaba imponiendo en un ambiente impregnado de la sensibilidad que acompañaba al minimalismo. La segunda mitad de los sesenta había enfriado la gestualidad anterior y detenido el predominio de la acción. Guerrero toma nota y extrae una lección favorable para él.
Además, el reencuentro con los paisajes de la infancia y el enfrentamiento con la memoria de su cultura de origen le permitieron dar fin al ciclo de su inmersión plena en el expresionismo abstracto con la inclusión de nuevas referencias. Abandona la dispersión de sus obras neoyorquinas y la tensión queda contenida dentro de la propia tela. Es el rasgo característico de estos años, como puede verse en la gran obra que abre la exposición, La brecha de Víznar (1966), con la que rindió homenaje a Federico García Lorca. De ella Juan Antonio Ramírez subrayó «su vigor comedido, esa austera valentía que evita sabiamente la sobreactuación retórica», atributos que aplica a otras obras de aquellos años y que pueden observarse en la veintena de lienzos que se distribuyen por las cuatro salas del Centro.
Merece destacarse además la presencia en la muestra del trabajo en papel, que siempre fue importante en Guerrero pero cuya ejecución alcanza ahora unas cotas magistrales, y que refleja perfectamente la tensión entre el gesto y el dibujo, la mancha y la estructura: encauza la energía desbordada en la etapa anterior, la equilibra en un sabio juego de tensiones y distensiones, alrededor de planos y estructuras cada vez más definidas; todo ello en armonía con la estabilidad emocional que alcanzó en esta etapa y la pacificación de sus impulsos.
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| CORNIÓN cat. Miguel Galano.pdf | [ ] | 2071 Kb |
Miguel Galano. El mar siempre recomenzado
Galería Cornión, Gijón.
Del 23 de marzo al 4 de mayo de 2019.
Eco de mar. 2018. Óleo/lienzo. 21 x 19 cm.
(Imágenes cortesía del artista)
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