ISSN 2444-1228
Leyendo cuadros. Mirando historias
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Entrega número 48
José Mª Yturralde
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Colección Ars Citerior
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David Rodríguez Caballero expone en el Museo Esteban Vicente
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Ha fallecido Darío Villlalba
Nació en San Sebastián en 1939. Su familia tuvo una larga tradición artística. Con 18 años realizó su primera exposición en la galería Alfil de Madrid y comienzó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de San Fernando, al mismo tiempo estudió Derecho, que abandona, y Filosofía y Letras. También practicaba dibujo en el Círculo de Bellas Artes de Madrid.
En París pintó en el taller de André Lhote durante unos meses. En 1962 recibió una beca para estudiar en la Universidad de Harvard, lo que supone una serie de exposiciones en USA, así dió a conocer sus series: La Duquesa de Alba y Fósiles, torsos y huellas. En 1967 comienzó sus viajes a Londres que se convierte en una excelente fuente de imágenes fotográficas urbanas. Su serie Los Encapsulados le proporcionó un gran éxito internacional.
Obtuvo el Premio Internacional de Pintura en 1973 en la XII Bienal de Sao Paulo. En 1979 recibió el Premio Internacional del Jurado en la XIII Bienal de Arte Gráfico en Liubliana. En 1983 obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas. El 17 de noviembre de 2002 ingresó como miembro numerario de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; su discurso de entrada: “En torno al acto creativo: Nuevas reflexiones”. En 2003 se le impuso la Medalla al Mérito en las Bellas Artes.
Una característica de su obra fue el empleo de la fotografía en sus investigaciones plásticas. Sus trabajos fueron pioneros en este tipo de expresión y le permitieron ser representante en la Bienal de Venecia en 1970. Sus fotografías se convierten en base pictórica, como un soporte de elementos pictóricos; se trata de fotos que obtenía de diversos medios o realizaba él mismo que son como una fuente de iconos, al descontextualizarlas, defomarlas, etc. En una declaración señaló: "En mi obra la pintura es fotografía y la fotografía es pintura".
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 PROGRAMA Congreso Crítica de Arte.pdf | [ ] | 1796 Kb |
Congreso Internacional. Crítica de Arte: Crisis y Renovación
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| HojaSalaAlicante_PabloBellot (2).pdf | [ ] | 2111 Kb |
Pablo Bellot. Actos de comunicación
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| CATALOGO_ANTONIO_ROJAS.pdf | [ ] | 19082 Kb |
Antonio Rojas. La línea recta y el deseo
Museo de Arte Contemporáneo Infanta Elena. Virgen de las Viñas (bodega y almazara).Tomelloso. Ciudad real
Inauguración: 14 de junio de 2018, a partir de las 20h.
Hasta el 29 de julio de 2018
Nota de Prensa
La línea recta y el deseo
Antonio Rojas inaugura en el Museo de Arte Contemporáneo Infanta Elena sus pinturas más recientes realizadas la mayor parte de ellas entre 2017 y 2018 en su estudio de Madrid, un total de 66 obras entre acrílicos y óleos sobre lienzo.
Hasta la fecha su obra se ha caracterizado por una concepción interiorizada y sintética del paisaje de su infancia. En este contexto, la geometría, la perspectiva, la luz, así como la aparición de las formas han sido herramientas fundamentales en su búsqueda de lo esencial en pintura. Reflejo de esta trayectoria fue la exposición La mirada oblicua (1999) en el Palacio Provincial de la Diputación de Cádiz, donde se expusieron obras que abarcaban más de una década de trabajo y que ya sentaban las bases esenciales de su madurez artística.
Esta exposición, por su parte, muestra un giro importante en la trayectoria pictórica del pintor tarifeño. En las nuevas obras se distingue un deseo de cambio y renovación, que comienza por un exhaustivo proceso de revisión de las constantes más personales, y que trata de salir al mismo tiempo del camino recto por sí mismo trazado.
Las infinitas posibilidades combinatorias y la fragmentación son la clave de acceso a una serie de cuadros agrupados en trípticos y polípticos (Abre los ojos, Certeza, Buenas noticias), donde se emplean los recursos del encuadre y la fragmentación, propios de la visión fotográfica para profundizar en la idea de espacio como experiencia humana, el lugar donde se vive y se observa. Para el artista este ejercicio pictórico se convierte en una forma de mostrar el mundo como espacio de inmensidad. Antonio Rojas se sitúa conscientemente en un cruce de caminos, buscando una mirada exterior, alejándose de lo excesivamente personal e individualista, para retratar el mundo con la ilusión del descubrimiento.
En las superposiciones a modo de collage lo imprevisible juega un papel fundamental y el fragmento representado se transforma, al aparecer contrastado por el contexto opuesto que lo envuelve. La tensión pictórica generada, a veces aparentemente oculta, se acerca al espectador subliminalmente. La obra participa el en discurrir del presente, en lo inmediato de lo observado y lo vivido; de esta forma el artista traslada su interés a la percepción y representación exterior.
Para el artista la solución del problema plástico se convierte en campo de batalla. Pese a los significados y el conceptualismo subyacente en la pintura, ésta ha de explicarse por sí misma. De esta forma, la poética de la imagen se dirige preferentemente al ojo antes que a la interpretación y el cuadro se torna un misterio en sí mismo y trasciende el mero hecho de la representación. Ejemplo de esta narrativa son Intuición, El color del deseo, o Superposición donde la tensión surge de la necesidad de tratar el espacio arquitectónico de modo inmediato y la fruta, que en un principio fue el recurso, se convierte en contrapunto necesario para mostrar la visión y percepción humana del mundo y su magnitud.
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Nota biográfica
En el desarrollo de la carrera artística de Antonio Rojas (Tarifa 1962) cabría destacar algunas fechas clave: la primera exposición en una galería de arte en Algeciras en 1983 con Magda Bellotti, su participación en una exposición colectiva en la célebre Galería Fernando Vijande en 1987, un año después su primera individual en la Galería Montenegro de Madrid, su exposición en 1988 en la galería sevillana de Rafael Ortiz, y las sucesivas exposiciones en Valencia, Santander, Barcelona y en Bilbao con Juan Manuel Lumbreras, siendo en los años ’90 Antonio Machón su galerista exclusivo.
El artista cuenta también con numerosas becas y premios de prestigio, entre ellos: la beca en The Delfina Studios Trust de un año de residencia artística en Londres (1990), la beca de la Academia de España en Roma (1993), la medalla de oro de la 62ª Exposición Internacional de Valdepeñas, el primer premio de dibujo del 12 Certamen Nacional de Dibujo “Gregorio Prieto” de Valdepeñas, el premio Ángel de Pintura (2004), el premio cortes de Cádiz (2010) y el más recientemente el cuarto premio de la edición de 2016 del XV Certamen “Virgen de Las Viñas “en Tomelloso.
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"Mobiliario abreviado" de Elena Alonso
El próximo sábado, 9 de junio, La Dominación Mundial presenta su número 5, “MOBILIARIO ABREVIADO” de Elena Alonso en la Galería Espacio Valverde.
En la presentación contaremos con la presencia de la artista, Elena Alonso, y de los arquitectos María Langarita y Víctor Navarro.
En “MOBILIARIO ABREVIADO” Elena Alonso presenta tres grabados sobre polímero en las que se remite a algunas de las inquietudes características de su obra: el afán constructivo, la disposición de diferentes elementos en un espacio vacío, y los juegos de texturas y claroscuros que se derivan de dicha disposición. Se trata, además, de la primera edición de obra múltiple de la artista.
PRESENTACIÓN “MOBILIARIO ABREVIADO”
Elena Alonso.
CUANDO: Sábado, 9 de junio de 2018 a las 12:00h.
DÓNDE: Galería Espacio Valverde (c/ Valverde 30, patio).
QUIÉNES: Elena Alonso, María Langarita y Víctor Navarro
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Hans Hinterreiter en el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca
Hans Hinterreiter
1902-1989
(Imagen cortesía Fundación Juan March)
Exposición del 8.06.2018 - 21.10.2018
Inauguración: 8 de junio a las 19:30 h.
En esta muestra presenta alrededor de 75 obras de Hans Hinterreiter (Winterthur, 1902 - Ibiza, 1989), artista suizo vinculado al arte concreto del círculo de Max Bill, junto a una selección de documentos que permiten reconstruir la investigación sobre el color y la forma a partir de la lógica constructiva que llevó a cabo durante toda su vida.
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| Texto. Alfonso de la Torre.pdf | [ ] | 180 Kb |
Exposición de Jesús SOTO en la Galería Odalys
La galería Odalys de Madrid inaugura el sábado 2 de junio la muestra “Soto”, que reúne 34 obras de uno de los máximos exponentes del Arte Cinético y, además, revisa el tránsito del artista por tierras españolas. La muestra permanecerá abierta hasta el 22 de septiembre de 2018.
La muestra Soto, está integrada por 34 obras pertenecientes a diferentes épocas de la vida artística de Jesús Soto, pero siempre apegadas a su idea de que obra y espectador deben formar parte de un todo, de que el movimiento solo es posible cuando obra y público interactúan.
Soto cuenta con la curaduría del equipo de experto del Grupo Odalys, que en el catálogo de la exposición, aun en preparación, incluirá una investigación inédita sobre la presencia de Soto en España, a cargo del teórico y crítico de arte, especialista en arte español contemporáneo, Alfonso de la Torre.
En su estudio, titulado Cegados los ojos. Jesús Rafael Soto en España, De la Torre traza el recorrido personal y expositivo del artista venezolano, fallecido en París el 14 de enero de 2005, por tierras españolas, desde las visitas frecuentes que hizo a Carboneras, en Almería, a partir de 1962 y por invitación de su amigo, el pintor francés Edgard Pillet, hasta la inauguración en 1981 de la primera exposición individual del maestro del cinetismo en la Casa de Colón del barrio de Vegueta, en Gran Canaria, meses antes de que se hiciera lo propio en el Palacio de Velázquez, ya en la península.
(Imagen cortesía Galería Odalys)
El 6 de junio, a las 19:00 horas, la galería Odalys ofrecerá un conversatorio gratuito sobre el París que vivieron en los años 50 artistas como Soto, Nicolas Schöffer, Carlos Cruz-Diez y Victor Vasarely, así como su relación con la galerista que los puso en el ojo público, Denise René. En la actividad participarán la curadora e investigadora venezolana María Luz Cárdenas y Alfonso de la Torre, con la moderación de Odalys Sánchez.
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CEGADOS LOS OJOS - JESÚS RAFAEL SOTO EN ESPAÑA
(FRAGMENTO CORTESÍA DE LA GALERÍA ODALYS)
por
ALFONSO DE LA TORRE
Ocultado en el bosque de los penetrables. Misterioso, silencioso, frecuentemente retratado en el interior de sus penetrables hasta quedar, casi, desaparecido entre los hilos, a la par que ejecuta mecanismos que adquieren su verdadero valor, su pleno sentido, únicamente en el encuentro con el contemplador.
Buscador de imágenes no estables, de acontecimientos visuales, sus imágenes preguntan por las consideraciones temporales en un proceso devenido tal una toma de conciencia en sus palabras, que puede tener tanto de elogio de la desmaterialización como de valoración formal. Artista claro, lo cual no le impidió vindicar la duda, toda-la-duda si pensamos que, al cabo, la obra de Soto se desplaza (gozosa) a ese exilio que citaba Bonnefoy al plantear la pervivencia de un espacio frágil, otro lugar de lo real devenido casi pluridimensional o interdimensional pues parece tentar otro de sus desplazamientos hacia la música, como dijera Popper, se tiene a menudo la impresión, frente a sus obras, que el movimiento óptico tiene una secreta relación con la música, no sólo por lo su lado trascendental y poético sino por su proximidad a una secreta álgebra.
(Agradecemos a la Galería Odalys y a Alfonso de la Torre el permiso para reproducir el presente texto)
(Imagen cortesía Galería Odalys)
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