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Eutiquio Estirado. No llega el lenguaje a las palabras

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Fallece el artista geométrico Manuel Calvo

Manuel Calvo Abad (Oviedo, 1934 - Madrid 2018), pintor y escultor geómetra, falleció el pasado 25 de octubre.

La Galería José de la Mano se ha ocupado en estos últimos años de exponer y difundir su obra. Los interesados en la abstracción geométrica recordamos la muestra que dicha galería realizó en 2014: "El silencio. La pintura en blanco y negro de Manuel Calvo (1958-1964)".

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Sempere en el CADA

El Centre d'Art d'Alcoi (CADA), sede del IVAM en Alcoi, inaugura el próximo viernes 16 de noviembre la retrospectiva de Eusebio Sempere (Onil, 1923-1985), organizada por el Museo Reina Sofía de Madrid.  Para esta ocasión se mostrarán al público unas 170 obras del artista cinético. La exposición está comisariada por Carmen Fernández Aparicio, Belén Díaz de Rábago y Manuel Borja-Villel. Permanecerá abierta hasta el 3 de febrero de 2019.

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Luis Gordillo. Gordillo insiste (aún)

Galería Rafael Ortiz

Del 7 de noviembre de 2018 al  11 de enero de 2019

Luis Gordillo. Abstracción objetual. 2018.  Mixta y acrílico sobre lienzo312 x 221 cm

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Waldo Balart. Estética de la existencia

Obra de cuatro décadas

Galería Roy , Felanitx (Mallorca)

Inauguración sábado 24 de noviembre a las 17h

Exposición abierta hasta el 10 de febrero de 2019

Waldo Balart define su obra como “sistemática y concreta”. Considera que el arte es un compromiso ético con la vida a través de la estética, en la cual la forma y la estructura en la obra de arte ofrecen el rigor y el color, la fantasía.

Artista de series desarrolladas a lo largo de más de cinco décadas, su actividad plástica es inconsciente y compulsiva. A posteriori, y tras un tiempo de reflexión sobre la obra ya terminada, es capaz de reconstruir el proceso ideológico que ha seguido su mente.

Su idea concreta es una manera de concebir el mundo en el que quiere vivir, por lo que ha despojado de su vida y de sus obras todo lo accesorio y banal, para quedarse solamente con lo esencial, adquiriendo un compromiso ético con la vida basado en el rigor.

Llama a sus lienzos  “Proposiciones” en consonancia a las ideas de Wittgenstein y ha trabajado siempre en series, entre otras: “Lienzos sobre lienzos”, “Paisajes urbanos”, “Cajas”, “Conjuntos no vacíos”, “Injerencias” y “Nudos”. Siempre dentro de la abstracción concreta, alejada de cualquier referencia a nuestro entorno.

Para su trabajo ha creado un sistema basado en un “orden axiomático” del 1 al 8, en el que cada número representa a un color del espectro de la luz y que denomina “Desarrollo cromático del código del espectro de la luz (CEL)” y que utiliza en la confección de cada serie.

Longing for the Caribbean. 1998. Acrilico / lienzo. 150 x 150 cm.

Exiliado de Cuba tras el ascenso al poder de Fidel Castro, se traslada a Nueva York, donde se relaciona con el mundo cultural más emergente. A principios de los sesenta realiza importantes exposiciones individuales, en la Studio Gallery de Washington DC, en la Galerie Iris Clert de París y en la Graham Gallery de Nueva York, entre otras. Más tarde se traslada a  Madrid, donde entra en contacto con los pintores geométricos del momento, y expone en 1972 en el Museo Español de  Arte Contemporáneo.

Con los años, su proyección internacional ha ido en aumento, tras haber expuesto en centros de arte y museos como el Centro Cultural Mies van der Rohe (Berlín), Paksi Képtár de Paks (Hungría), Vasarely Museum (Hungría), Museum Modern Art Hünfeld (Alemania), Museum für Konlret Kunst Ingolstadt (Alemania) y Art Museum at Florida International University de Miami (Florida, EE.UU.).

Sus investigaciones sobre la luz y el color en la plástica le han proporcionado un espacio propio dentro de la historia del arte concreto.

Javier Martín

C.IV., 1.4.6.7., 55º. 2007. Acrílico / lienzo. 60 x 60 cm.

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Pilar Salmerón. Universo cromático

Museo Francisco Sobrino, Guadalajara

Del 14 de diciembre de 2018 al 17 de febrero de 2019

Inauguración: 14 de diciembre a las 19h

(Imagen cortesía Museo Francisco Sobrino)

Texto catálogo por Tomás García Asensio

En el plano artístico Pilar Salmerón y yo recibimos los "primeros auxilios" en el mismo sitio, en el estudio Gutiérrez Navas de Madrid. En realidad allí aprendimos todo lo necesario para emprender el vuelo. Por eso, y por otras cosas, tenemos una empatía persistente.

Seguimos derroteros distintos, pero hoy por hoy coincidimos en un punto subyugante: ¡el cromatismo arrollador!

Pilar Salmerón ya tiene hecho un largo recorrido profesional, cercano a los 40 años. Su etapa formativa tuvo un carácter naturalista. Pero no "académico" en el mal sentido, porque su maestra fue Concha María Gutiérrez Navas, discípula inmediata de su padre, don Manuel Gutiérrez Navas, también maestro mío, y este fue a su vez discípulo de don Cecilio Plá. Con ello quiero decir que el "pedigrí" es cabal.

Pronto se fue emancipando de un realismo reconocible y entre el 83 y el 86, más o menos, del pasado siglo, produjo primero lo que me parece una suerte de realismo mágico donde el realismo apenas si se reconoce, como si estuviera al otro lado de un cristal esmerilado. Y el colorido ¡nada que ver con el actual! porque es una sobria gama de tierras. Y al final de este periodo, hasta el 89, incorporó a sus cuadros áreas negras qua le aportaban mayor firmeza.

A partir del 90 cambia de estética radicalmente. Sus cuadros nada tienen que ver con los anteriores. Son blancos con vetas negras, que parecen emerger del interior insinuándose en grises claros, pasando por grises profundos y emergiendo en negros intensos, y continúa con esta estética hasta que se agotan el siglo y el milenio.

Y a continuación otro cambio radical: cuadros totalmente blancos. Con diversos matices de blanco, pero solo blanco. ¡Blanco sobre blanco! como el maestro Malévich. Una larga marcha de 15 años por un desierto helado.

Y tras la calma vino la tempestad.

Porque desde hace tres años vive entregada a una estética, que ahora ve la luz en esta exposición, que es una verdadera explosión cromática.

Quiero resaltar ahora una paradoja: hasta ahora Pilar Salmerón exponía cuadros que formaban exposiciones. En esta ocasión no. Sino que hace una exposición compuesta de cuadros. Cuadros que por separado tienen sentido, pero todos juntos en esta sala forman una unidad con sentido propio. Y cuando se clausure esta exposición esta entidad artística desaparecerá para siempre. Aunque cabe el consuelo de que con estos cuadros se podrán producir realidades artísticas más o menos semejantes en otros lugares y en otros tiempos.

Tengo que decir que me veo en los cuadros de Pilar Salmerón.

No por la técnica, que la suya es muy singular y la mía convencional, sino porque el colorido exultante domina nuestras obras. Aunque hay una secreta diferencia en la concepción de estos cuadros, porque Pilar Salmerón pinta con el corazón y yo con la cabeza.

Desde hace tiempo tengo elaborado un sistema de clasificación de combinaciones cromáticas. Sistema que sirve para "comprender" combinaciones ya existentes o para guiarse en la elaboración de otras nuevas. Yo lo utilizo para mis composiciones cromáticas, pero también se ajusta como un guante a las de Pilar Salmerón. Por eso digo que me veo en los cuadros de esta pintora.

De todos modos el colorido de Pilar no es un colorido corriente. No está compuesto por planos homogéneos de color, sino que al ser sus superficies tan escamosas y accidentadas, cada zona cromática está compuesta de muchos tonos distintos que le confieren una viveza extraordinaria.

Como he dicho anteriormente su técnica es muy singular, sobre todo en lo referente al soporte, que no es un lienzo sobre un bastidor, sino una superficie irregular de cartón que describiré someramente a continuación:

El material que utiliza se llama "nido de abeja". Es una especie de tablero de cartón cuyo interior está formado por una estructura hexagonal, como un panal, que es extraordinariamente resistente y paradójicamente muy ligera, y se construye con material reciclado. Se utiliza principalmente como embalaje por su liviandad y fortaleza, y por sus cualidades ecológicas. Y también para hacer muebles experimentales y respetuosos con el medio ambiente.

El modo en que Pilar Salmerón utiliza este material, más o menos, es el siguiente:

Lo corta en tiras de unos 10 centímetros, y luego corta la estructura interior separando las dos caras, que luego pega a un tablero por la parte plana y pinta por la rugosa del corte. Dicho todo esto grosso modo porque en realidad el proceso es complicadísimo.

Digamos que la producción de estas obras se basa en "una economía circular", de reutilización, o de recuperación, más bien de noble utilización de un material concebido para fines más prosaicos, en óptima alianza de estética y de ética.

El caso es que no veo la hora de ver campar por sus respetos en las luminosas paredes blancas del Museo Francisco Sobrino estos potentes cuadros, que he visto, como fieras enjauladas, en el estudio de su autora.

 (Agradecemos  a Tomás García Asensio la autorización para reproducir el presente texto)

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En el jardín. Javier Victorero

Museo de Bellas Artes de Asturias. Palacio de Velarde (Planta 0)

Abierta del 20 de septiembre – 23 de diciembre de 2018,

En el jardín V. 2016. 195 x 114cm.

Nota de Prensa del Museo de Bellas Artes de Asturias

En el jardín reúne un conjunto de  obras realizadas en los últimos años por el artista Javier Victorero (Oviedo, 1967), a través de las cuales trata de establecer una analogía entre el arte y el jardín pero, también, entre el pintor y el jardinero. La característica principal que relacionaría ambos mundos sería la capacidad del  arte para ordenar el caos, al igual que hace el jardinero en su jardín conteniendo la naturaleza salvaje.

La muestra aglutina una veintena de pinturas, varias cerámicas, obra escultórica y sonido. Una experiencia, por lo tanto, completa para adentrarse en este mundo coincidente del arte y el jardín.

Javier Victorero es una de las revelaciones de la pintura española de los últimos quince años. Además de haber recibido el elogio de importantes críticos, Victorero ha sido seleccionado en los principales certámenes españoles obteniendo, entre otros, el Premio de la Junta General del Principado. Su obra está presente en importantes colecciones públicas y privadas.

Javier Victorero: en la noche resiste (fragmento)

Por Alfonso de la Torre

Tienta Victorero una pintura que es siempre de vocación trascendente, poblada ahora por una cierta oblicuidad de la mirada, mundo de fugas angulares a lo Olle Bærtling, formas desplazadas entre celosías, redes o tramas (en la serie “El sueño del jardinero”) y grafías zigzagueantes de “En el jardín”, restallantes tal peces dorados, como haciendo patente la necesidad de detenernos para contemplar. Con aire de fuga, como en el hermoso políptico movido “En el jardín VI” (2018). Racimos de líneas que parecen siempre brotar, erigirse desde el fondo de la pintura antes que representar formas trazadas sobre la superficie. Como espejos que se alejan, en ocasiones sus formas adquieren complejidad, todo contenido en todo lo demás, como buscadoras del lineaje de su sistema de signos10, emuladoras del brote de formas hasta alcanzar la tentativa tridimensional.

Leer texto completo

 (Agradecemos a Alfonso de la Torre la autorización para reproduir su texto)

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Cielo-Tierra

 El Museo de Santa Cruz en Toledo acogerá desde el próximo 5 de noviembre y hasta el 8 de enero de 2019 la exposición Cielo-Tierra con fondos del Museo de Arte Contemporáneo Infanta Elena de la Cooperativa Virgen de las Viñas de Tomelloso.

Alfonso de la Torre, comisario de la exposición, propone con un total de 40 obras un recorrido expositivo con referencias al paisaje de esta tierra.

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UN LUGAR INVENTADO-AN INVENTED PLACE

Organiza: Ámbito Cultural - El Corte Inglés

Comisario: Alfonso de la Torre

Inauguración: lunes 25 de febrero 2019, 20 h. Se podrá visitar hasta el 4 de marzo 2019

Nota de Alfonso de la Torre

AN INVENTED PLACE-UN LUGAR INVENTADO, es una propuesta sobre la geometría, sobre ese espacio inasible que genera la geometría. Deriva o, tal vez, exilio, un lugar inventado para la geometría. Antes que líneas o planos, formas o colores, ilusiones de la materia, Un lugar inventado presenta una singular reunión de artistas de diversas generaciones cuyo encuentro propone una reflexión sobre la poética del espacio o, en un sentido más amplio e intenso, sobre los signos, una meditación sobre las formas y el espacio. Una cierta metafísica de la geometría, el gran espacio cósmico, en palabras de Paul Klee. En todo caso, el arte, un diálogo misterioso con el Universo, merece, también, el enigma como respuesta.

Los artistas participantes son: Waldo BALART (Banes, 1931); Monika BUCH (Valencia, 1936); José María CRUZ NOVILLO (Cuenca, 1936); Sabine FINKENAUER (Rockenhausen, 1961); Beatriz OLANO (Medellín, 1965) y Cesar PATERNOSTO (La Plata, 1931). “Dos universos paralelos de rayos de energía cromática comunicados”, es el título de la intervención de Waldo Balart. Perteneciente a su serie “Nudos”, “parte de una reflexión sobre los Universos paralelos que quizás existan y que para mí representa una fantasía dentro del ámbito intelectual por lo que la he integrado en mi quehacer cotidiano porque llena todas mis expectativas sensibles y cumple con mis necesidades racionales”. Monika Buch, titula “Viceversa”, observando “en la vida cotidiana estoy mirando continuamente a mi alrededor, descubriendo sombras y reflejos, y me pregunto ¿de dónde vienen?, ¿qué es lo que veo?, ¿Cómo interpretamos lo que ven nuestros ojos?. Podríamos decir que una cosa es mirar y otra es ver. Los ojos miran y el cerebro interpreta las señales que recibe de los ojos. En mi trabajo como artista intento trabajar con estos dos aspectos. Utilizo la geometría haciendo un dibujo lineal, este casi nunca ofrece problemas de interpretación, pero cuando añado los colores, casi siempre una gama de colores, el dibujo adquiere un aspecto tridimensional con el cual puede surgir una ambigüedad en la interpretación de la imagen”. José María Cruz Novillo muestra una propuesta en torno a su obra (casi infinita) “La cuadratura del círculo”. Sabine Finkenauer presenta “Entre paredes”, un proyecto que representa una construcción modular que forman una especie de muro o arquitectura: “un pequeño escenario que nos ofrece la visión simbólica de una pared entre paredes”. Finalmente, “DISTORSIO”, de Beatriz Olano refiere un lugar inventado en distorsión. Un lugar imaginado. Un lugar encantado. Concluye César Paternosto mostrando “Tectónica del espacio pictórico”, un relieve en duplo representativo de su exploración en torno “a las diversas posibilidades de ángulos de lectura del espacio pictórico. Desde que, en 1969, llevé el acento de lo pintado hacia los costados del bastidor, dejando el espacio frontal de la tela en blanco para luego ir gradualmente retornando al frente con breves notaciones, he venido invitando al espectador a leer el objeto pictórico en su totalidad, es decir, la visión integral de la pintura”, a la par que realizando “aperturas en el espacio pictórico que no solo le agrega una  dimensión ambigua, sino que  también  los planos que se proyectan al espacio real remiten a mis experiencias escultóricas”.

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Eutiquio Estirado. No llega el lenguaje a las palabras

Sala de Exposiciones del Palacio Provincial, Alicante

Inauguración, jueves 22 de noviembre a las 12h.

La muestra permanecerá abierta hasta el 5 de enero de 2019

El quimérico museo de formas inconscientes

 Javier Martín

"Todos los materiales del pensar se derivan de nuestra sensaciones
externas o internas. Sólo la mezcla y la composición de éstas
pertenece al espíritu y a la voluntad".
David Hume 

La personalidad es lo que hace que un individuo sea él mismo y no otro, es lo que pertenece esencialmente a una persona. La noción de individuo no aparece como tal hasta la cultura grecorromana, al convertir a la persona en un ser consciente, libre y responsable. Posteriormente el cristianismo otorgará una base metafísica a la noción de persona. Y durante los siglos XVI y XVII los filósofos debatirán sobre si el alma es una sustancia o está soportada por una sustancia. En la sociedad actual, donde se dan tantas ideas por aceptadas y verdaderas sin saber bien quién, cómo y cuando lo ha establecido, no nos preocupa tanto el significado de las nociones de individuo y personalidad sino más bien la perdida de ambas, lo que nos conduce al miedo a dejar de ser uno mismo, el no tener conciencia de saber quiénes somos y el no reconocer a aquellos que nos han acompañado en el tránsito por la vida.

Con la pérdida progresiva de la memoria vamos perdiendo los sentimientos, y por tanto las respuestas emocionales que conllevan frialdad afectiva al replegarse el individuo en sí mismo. Esta contención de emociones también va produciéndose en aquellos que acompañan a la persona que va perdiendo la memoria de manera progresiva e irreversible, llegando poco a poco entre ambos a desaparecer la comunicación verbal e incluso la del contacto físico. Todo ello tendrá que ser “digerido” por la persona consciente, que tampoco ve ya al que tiene enfrente como a un ser querido sino como a alguien extraño. Todo este proceso, más o menos largo, tendrá como resultado una catarsis tras el fallecimiento del la persona demenciada, y tendrá que saber encauzar esa angustia para saberse finalmente liberado. En el plano que nos ocupa, que es la expresión plástica, quiero recordar al artista norteamericano William Utermohlen, quien tras ser diagnosticado de alzheimer trató de entender la enfermedad pintándose a sí mismo. De esta manera, el pintor fue realizando autorretratos en los que su cara era el mapa de cómo él veía la progresión de la demencia en su cerebro, como en un intento de no perder sus recuerdos.

De todo lo anteriormente dicho nos habla Eutiquio Estirado en su nueva exposición “No llega el lenguaje a las palabras”, una nueva serie pensada y “digerida” durante los últimos cuatro años y finalmente “regurgitada”. En ella los cambios de las formas y la composición van evolucionando al mismo tiempo que la asimilación de un sentimiento afectivo de pérdida, pero sin abandonar una de las constantes en su obra y en su vida, la ironía con la que trata todo. En la elaboración de sus obras, y tras una primera intervención, las deja apoyadas unas sobre otras para retomarlas semanas o meses más tarde. En este estado de espera, en algunas ocasiones se producen transferencias entre ellas, al estar en contacto unas con otras,  y en ese segundo momento reanuda su acción pictórica destruyendo parte de ellas para volver sobre la idea inicial. Así entra en un proceso de destrucción-reconstrucción en el que crea algo nuevo sin perder su primera esencia.

Arrecife. 2018 Técnica mixta sobre madera. Medidas variables

En las veinticuatro piezas que nos presenta, Eutiquio nos habla de todo aquello que ha tenido el peso suficiente para hacer mella en su sensibilidad y entrar a formar parte de un cúmulo de imágenes, palabras, números y conceptos que ha ido almacenando no siempre de modo consciente, y que con el tiempo han visto de nuevo la luz. Eso sí, una luz tamizada por los sentimientos acumulados por el artista en este caminar de cuatro años. De este modo han surgido composiciones en las que se observa una evolución en su paleta de colores, donde los azules, verdes y rojos han ido desapareciendo para dar paso al negro en toda su rotundidad, su elegancia y su misterio. Obras que nos hablan del lugar donde se nutre el arte, como “Arrecife”, o de recuerdos e imágenes escondidas por el miedo, como en el caso de “Requeriment to correct”. También de sentimientos contradictorios y de palabras nunca dichas, en “Debate de idiotas”, para finalizar con la pieza donde se produce la catarsis ansiada, con esa palabra que todos, tantas veces, hemos pronunciado: “MADRE”.

En definitiva, como escribió Jorge Luis Borges en el poema “Cambridge”, del libro Elogio de la sombra, ”Somos nuestra memoria, somos ese quimérico museo de formas inconstantes, ese montón de espejos rotos”.

Requeriment to corret. 2018. Técnica mixta. 120cm x 165cm

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