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Nota de prensa BARBADILLO Rafael Ortiz 2019.pdf

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Manuel Barbadillo. El módulo como argumento

Galería Rafael Ortiz

Del 2 de mayo al 14 de junio de 2019

Inauguración jueves 2 de mayo a las 20,30h.

(Imágenes cortesía Galería Rafael Ortiz)

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Enrique Larroy. Horizontes basura

Galería A del Arte, Zaragoza.

Del 25 de abril al 25 de mayo de 2019

Horizontes basura, 2019. Acrílico, óleo y collage sobre papel, 50 x 71 cm.

El camino circular a casa

Pablo Llorca

Casi cinco décadas de trabajo dan para mucho y la realidad, la propia y la ajena, te lleva por caminos imprevistos, aunque a veces circulares, donde la llegada no está lejos del punto de salida. Si uno repasa la trayectoria profesional de Enrique Larroy (Zaragoza, 1954) puede constatar las diferencias posibles entre su primera exposición, en 1973, y lo posterior hasta la actualidad. En aquella, titulada 56 kilos de mercancías, subrayaba la pretensión metalinguística y conceptual del trabajo, pero en ella también el azar era esencial pues hacía los cuadros soplando pigmentos licuados, con los que creaba masas grisáceas que luego enmarcaba en geometrías esquemáticas (lunares, cuadrados....). Lo azaroso y el marco no parecen haber cambiado mucho desde entonces, aunque desde el punto de vista plástico sus propuestas han sufrido un pulimento refinado hasta llegar a la culminación que supusieron sus instalaciones recientes en el CAB (Centro de Arte de Burgos) y sobre todo en la Lonja zaragozana. En ellas, pero también en la mayoría de lo hecho desde hace muchos años, las formas se sucedían de manera improbable y los colores se tornaban en protagonistas. En todas esas décadas su propuesta básica no parece haber cambiado mucho, la combinación entre un punto de partida conceptual y la tentación por el hedonismo, la atracción simultánea por la reflexión y por lo sensual. ¿O se trata también de tener en cuenta que una obra creativa no anclada en una idea flota de manera evanescente, se diluye en el aire?

Horizontes basura es su nueva serie de 26 obras sobre papel de tamaño mediano, realizada a partir de una inversión del proceso con el que ha estado operando los últimos años. De ella se pudieron ver algunos precedentes en la misma galería A del Arte y en el CAB, donde presentó de manera respectiva sendos conjuntos construidos con basura plástica. Y papeles de la serie Horizontes basura fueron enseñados de forma aislada en un par de galerías en Madrid, y también en A del Arte. Pero es ahora cuando presenta un conjunto amplio creado a partir de ello, lo que permite analizar ese trabajo con detenimiento. Para su elaboración ha rescatado elementos utilizados para la confección de series anteriores, materiales considerados como basura (cintas para pegar, papeles de periódicos o cartones), que ahora tienen la oportunidad de ser protagonistas. Hay que aclarar no obstante que se trata de materiales estetizados, si bien de una manera atípica y no consciente, ya que no son presentados en su estado original sino pintados o manipulados, fruto de esa relación con su uso original como instrumentos. El artista los rescata ahora para incorporarlos al papel, previamente tratado mediante pinceladas más o menos aleatorias, con las que crea un fondo, un horizonte, para las figuras que va a disponer, aquellos materiales de desecho. A continuación coloca estos, aunque no de una manera azarosa sino calculada, en función de cómo cree que van a actuar mejor. 

Horizontes basura, 2019. Acrílico, óleo y collage sobre papel, 50 x 71 cm.

(Imágenes cortesía del artista)

El proceso, dicho está, supone la inversión de lo que ha estado llevando a cabo en los últimos años, trabajos donde el color cobraba un rol esencial. Hay que recordar que en esas obras anteriores el camino seguido era la yuxtaposición, esta vez sí azarosa y a la manera de un collage, de pinceladas, campos cromáticos, formas de todo tipo, texturas diversas, materiales manufacturados, fotografías y otros elementos, en relación con espacios ocluidos que el pintor no descubría hasta el final del proceso.

Es fácil entender que en esos trabajos, que alcanzaron una intensidad visual embriagadora -desde luego en su intervención mencionada en la Lonja zaragozana-, el azar era un elemento fundamental, mientras que los papeles de Horizontes basuraestán ejecutados con orden, en combinación con el gusto por la pintura y las formas de todo tipo (pero no puedo dejar de advertir una paradoja: el proceso es ortodoxo, una construcción progresiva que va superponiendo elementos de manera ordenada y, sin embargo, parte de materiales, la basura, contaminados con colores y pinceladas aplicados de manera aleatoria, resultado de un proceso muy poco calculado). Elementos de contraposición que una vez más remiten al origen de gran parte de lo que Enrique Larroy lleva realizando desde joven, esa tentación simultánea por el rigor como punto de partida y la sensualidad de las formas.

Si uno repasa lo que ha hecho en cerca de medio siglo de actividad ininterrumpida comprueba una coherencia que raramente ha salido de ese esquema, presente en sus inicios más conceptuales, en los cuales trabajaba con la materialización de los propios elementos con los que contaba (los cincuenta y seis kilos de mercancía eran precisamente el peso de los materiales expuestos). Un desarrollo del trabajo que mantuvo a lo largo de las décadas posteriores, las de 1980 y 1990, más austeras visualmente que el derroche posterior y marcadas por cierta contención que, uno intuye, tiene relación aun indirecta con la llamada pintura metafísica de aquellos años pero que sin embargo nunca dejó de tener lazos con aquella escisión, mantenida como hemos visto en sus trabajos recientes. Al fin y al cabo, como él mismo dice, comenzó exponiendo en una galería muy cercana a su casa, en el barrio donde sigue viviendo y A del Arte, donde ahora presenta Horizontes basura, se encuentra enfrente de aquel primer espacio. El camino circular a casa.

(Agradecemos la autorización de Pablo Llorca y de la Galería A de Arte para reproducir el presente texto)

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Atenta escucha. Cruz Novillo conversa  Alfonso de la Torre

ATENTA ESCUCHA
Cruz Novillo en conversación con Alfonso de la Torre
MAÑANA MARTES 23 DE ABRIL. 19:00 h.

A las 20:00 h. interpretación de las obras musicales:
Diafragma Dodecafónico, Opus 14.
Diafragma Decafónico para la fachada del I.N.E., Opus 10.
Diafragma Heptafónico para Cuenca 2016, Opus 13.

Contrabajista, Arturo Valero Gascón.
Saxofón, Luis Antonio Sepúlveda Mínguez.

Con la colaboración de Aula de Música Abierta. 
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Esta actividad se organiza con motivo de la exposición Cronocromofonía que se exhibe actualmente en el Espacio Proyectos. Nos encantaría que nos acompañárais. 

Texto de Alfonso de la Torre

(Imagen cortesía Galería Fernando Pradilla)

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Gerardo Aparicio. Casa madre

Casa madre es una metáfora o símbolo de un proceso creativo que ha utilizado Gerardo Aparicio durante los últimos 30 años.  La casa es un proceso,  una comparación con el cerebro  creativo, es decir, el recuerdo y la acumulación de datos vivenciales de nuestros primeros años.

Gerardo Aparicio relata a este respecto:

“Un día hace ya muchos años, leí  la historia y biografía de Hokusai (pintor japonés del s. XVIII). Vivió cerca de noventa años y durante su vida cambió de casa setenta y cuatro veces. Mi reflexión a partir de esto fue que Hokusai agotaba la energía creativa que le proporcionaba su hábitat. Cuando su experiencia y reflexión en ese sitio se agotaban necesitaba un cambio vital.  Así unas 80 mudanzas aproximadamente. Esas mudanzas son sutiles y comunes a todos los artistas. Claro está, que no siempre son mudanzas reales, solo forzadas. Mi casa, mi cerebro, es un caos lleno de imágenes y experiencias mezcladas a partir del cual busco idiomas con diferentes matices estéticos. No doy importancia ni al estilo ni a la moda. Mis imágenes, tanto el dibujo, como  la pintura son un símil de la escritura.”

(Imágenes cortesía del artista)

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Nuevo espacio para la Fundació Vila Casas

La Fundació Vila Casas contará con un nuevo espacio expositivo en Tarragona. Será el Castell de Vila-seca que acogerá dos exposiciones al año. Las muestras se realizarán con fondos de la propia Colección Vila Casas. La primera propuesta expositiva se inaugurará el próximo junio.

Castell de Vila-seca (Tarragona)

El convenio de colaboración con el Ayuntamiento de Tarragona hará posible que la Fundació sume un espacio más a los ya existentes Museu Can Framis y Espais Volart en Barcelona, Museu Palau Solterra en Torroella de Montgrí y Museu Can Mario en Palafrugell.

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Zobel-Chillida. Caminos cruzados.pdf

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ZÓBEL-CHILLIDA. CAMINOS CRUZADOS

Galería Mayoral

Del 25 de abril al 25 de julio de 2019

Comisario: Alfonso de la Torre

La plazoleta (1975)

(Imagen cortesía Galeria Mayoral)

Nota de prensa de la Galería

Mayoral se complace en presentar ‘‘Zóbel-Chillida. Caminos cruzados’’, un diálogo inédito entre Fernando Zóbel y Eduardo Chillida. La exposición, que está comisariada por Alfonso de la Torre y cuenta con la colaboración de los legados de los artistas, presenta una cuidada selección de trece óleos de Zóbel y una decena de esculturas de Chillida que ponen de manifiesto los vínculos creativos y vitales existentes entre ambos artistas.

Tanto Zóbel como Chillida iniciaron su desarrollo artístico desde una cierta soledad y en un contexto difícil. A principios de la década de los cincuenta Chillida concibió sus primeras esculturas en yeso y piedra, que desembocarían posteriormente en obras como Lurra-16 (Tierra-16) (1978), Lurra G-326 (Tierra G-326) (1995) o Lurra M-20 (Lurra M-20) (1995), que conservan y repiensan la corporeidad y el repliegue de for- mas características de aquellas figuras primeras. Paralelamente, Zóbel transi- taba entre la figuración y la abstracción después de haber tenido la ocasión de contemplar el desarrollo del expresionismo abstracto.

A partir del descubrimiento de la obra de Rothko en 1955, Zóbel redujo el contenido de sus cuadros a lo esencial, tanto en la composición y la temática como en el uso del color. Esto daría lugar a las Saetas y a sus primeras pinturas de restricción cromática, conocidas bajo el nombre genéri- co de Serie Negra, de la que forman parte algunas de las obras expuestas, como Aquelarre (1961) o Segovia II (1962). Alfonso de la Torre nos hace notar que: ‘‘En las Saetas pareciere Zóbel coincidir con Chillida, en el aspecto del trazo es- critural negro elevado en el lienzo, derivando ambos sus búsquedas a una cierta grafía que tentara comprender nuestra conciencia, el ritmo del transcurrir. [...] Pueden comprenderse como acordes visuales que tiemblan entre la levedad y la gravedad, en movimiento [...]’’. Fue su paso definitivo a la abstracción.

El artista hispanofilipino evolucionó hacia el estudio de la luz y la evocación del recuerdo, tanto el propio como del espectador. Él mismo explicaba que: “[...] esencialmente estoy hablando de la luz, de formas grandes y de formas pequeñas, de lo que está lejos y de lo que está cerca. Sobre todo creo que hablo de recuer- dos”1. Las obras de esta segunda época se caracterizan por la reintroducción del color —ahora simbólico—, que constituye la base para la construcción del cuadro. En piezas como Canción protesta III (1968) podemos ver cómo las formas emanan de su coloración y se desdibujan hasta fundirse con el fondo, de tonos más claros y cada vez más neutros, que acaba- rían dando lugar a la denominada Serie Blanca, a la que pertenecen obras como La plazoleta (1975).

La luz fue también uno de los grandes temas en las obras de Chillida. En su caso son juegos de materia y vacío en los que la luz nace, incide y se convierte en generadora de espacios y volúmenes. Además de las lurra, también puede observarse en las obras expuestas en acero como Yunque de sueños XIX (1998), Besarkada V (Abrazo V) (1991) o el bronce Hierros de temblor III (1957). Sin duda, el tratamiento que hicieron de esta luz y la delicadeza de sus creaciones hace que éstas contengan un alto valor poético.

Lurra M-20 (1985)

(Imagen cortesía Galeria Mayoral)

Según el director de la galería, Jordi Mayoral: ‘‘esta exposición es un diálo- go inédito fruto de un largo proceso de investigación, un encuentro de caminos cruzados de dos artistas clave de la posguerra’’. En este sentido, el comisa- rio concluye que el encuentro que tuvo lugar el 1964 en Cuenca, gracias a la voluntad de Zóbel de incorporar la obra Abesti Gogorra IV (Canto rudo IV) (1964) de Chilllida a la colección de arte pre- sentada en el Museo de Arte Abstracto Español, fue un momento de “admiración mutua, el sentimiento de haberse conocido siempre, amistad, querencia por la poesía, don de la palabra, elogio de lo oriental”.

Con motivo de la muestra se ha editado una publicación que, además del ensayo del comisario, reproduce la correspondencia de Zóbel a Chillida —también inédita—, juntamente con las entrevistas realizadas por Alfonso de la Torre a dos familiares próximos de los artistas: Fernando Zóbel de Ayala y Miranda e Ignacio Chillida Belzunce, que nos permiten profundizar en la relación que mantuvieron estos creadores, y conocer su forma de entender y de vivir la creación artística. A modo de epílogo, el comisario Patrick D. Flores nos invita a reflexionar sobre aspectos relevantes de la construcción de la modernidad filipina, el giro hacia la abstracción que comportó y la forma en que alude al pasado colonial.

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Antoni Miró. Vientos del pueblo. Antonio Gades

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Klaus J. Schoen. Armonia del silencio

Galería Roy, Felanitx

Del 27 de abril al  16 de junio de 2019

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Jimena Kato.pdf

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Jimena Kato. Una incómda comprensión de la dinámica corporal

Rodríguez Gallery, Poznan

Del 22 de marzo al 24 de abril de 2019

(Imágenes y catálogo digítal cortesía Rodríguez Gallery)

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Homenaje a Darío Villalba

Galería Antonio Machón

Abril- mayo 2019.

(Imagen cortesía Galería Antonio Machón)

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