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El pintor Albert Agulló ha fallecido

El pasado día 4 de febrero a los 86 años falleció el artista Albert Agulló (Elche, 1931). Su obra es un referente dentro del arte contemporáneo de la Comunidad Valenciana.

Formó parte del Grup d’Elx junto a los pintores Sixto Marco, Antoni Coll y Joan Castejón, un colectivo de artistas que surgió en Elche en 1965.

Como defensor de la pintura contemporánea siempre levantó su voz en favor del "ARTE con mayúsculas", como bien le gustaba nombrarlo y luchó contra todos aquellos poderes que quisieron desoír lo que su ciudad necesitaba en lo referente a la cultura.

Descansa en paz Albert.

Albert Agulló
Leve rumor de unas rayitas.
Homenaje a Eusebio Sempere
2004

Javier Martín

5 de febrero de 2018

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MONIKA BUCH. LÍNEA I MÒDUL

Sala Sempere. Museo de la Universidad de Alicante (MUA)

Inauguración: viernes 26 de enero de 2018 a las 18h.

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El principio Asia. China, Japón e India y el arte contemporáneo en España (1957-2017)

Del 8 de marzo al 24 de junio en la Fundación Juan March, Madrid.

Según nota de prensa de la Fundación Juan March la "exposición rastrea de un modo completo y sistemático el influjo de las culturas de China, Japón e India en el arte de la segunda mitad del siglo XX en España".  Esta exposición ha sido el resultado de un proyecto de investigación curatorial de la Fundación Juan March.

Se creará un portal digital para ver y consultar las entrevistas realizadas a una docena de artistas representados en la muestra, como Alfonso Albacete, Federic Amat, Enrique Brinkmann, Francisco Farreras, Luis Feito, Mitsuo Miura o José María Yturralde, entre otros.

Enrique Brinkmann. Estampa Japonesa, 2002.

(Imagen cortesía del artista)

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COLOR, COLOR, COLOR.

Del Manierismo al Arte Concreto

Pinturas de WALDO BALART

Museo del Greco. Toledo. Del 27 de enero al 1 de abril de 2018

La muestra estará formada por veintiuna obras del pintor Waldo Balart, y en ella podremos disfrutar de varios cuadros fundamentales dentro de la trayectoria del pintor de origen cubano instalado en Madrid desde los años sesenta.

Será una ocasión única para ver obras que hace muchos años que no han sido expuestas al público, entre ellas una serie de seis lienzos para la que el autor ha encontrado en el Museo del Greco el espacio adecuado.

Waldo Balart apunta un aliciente añadido para acudir a esta exposición: “Mi confrontación con los Grecos que estarán en el Museo en relación a cómo los artistas hemos utilizado la luz en nuestro trabajo, y la diferencia en el planteamiento de cómo la utilizamos como herramienta y como inspiración.”

Proposición: del azul al violeta: cuadrados naranja y marillo

Serie Estructura de luz. 1985

Acrílico sobre tabla.  79 x 123 cm.

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Eusebio Sempere  en el MNCARS

Del 9 de mayo al 27 de septiembre de 2018

Comisarios: Belén Díaz de Rábago, Carmen Fernández Aparicio, Manuel Borja-Villel

Nota del MNCARS

El Museo Reina Sofía presenta una retrospectiva de Eusebio Sempere (Onil, Alicante, 1923-1985), una de las figuras más significativas del arte español del siglo XX, que comparte escenarios e ideas del arte cinético y se caracteriza por una poética basada en la luz y el color; como escribió el crítico de arte y ensayista Vicente Aguilera Cerni, el suyo: “es un arte a la vez concreto, poético, lógico e incluso, urbanístico”. La muestra reúne alrededor de 170 obras: acuarelas, gouaches, relieves luminosos, collages, pinturas, móviles, esculturas y proyectos interdisciplinares, además de un apartado documental que abarca desde 1949 a principios de la década de 1980. En la trayectoria artística de Sempere su larga estancia en París durante la década de los cincuenta marca un punto de inflexión. Allí participa en varias ediciones del Salon des réalités nouvelles, donde en el verano de 1955 expone sus relieves luminosos móviles y un manifiesto en el que se refiere a la luz como el elemento con el que construir un diálogo poético a través del tiempo. El mismo año de la presentación de estas obras claramente cinéticas, había tenido lugar la exposición Le mouvement en la galería Denise René, considerada el origen del arte óptico y cinético. Su progresivo interés por el arte de vanguardia en España y las dificultades de la vida en París, llevan a Sempere a instalarse en Madrid en enero de 1960, en pleno auge del informalismo. Como integrante del Grupo Parpalló expone ese año en la Primera exposición conjunta de arte normativo español y tiene en el mencionado Aguilera Cerni uno de sus primeros apoyos; participa también en la XXX Bienal de Venecia (1960) y en la VI Bienal de São Paulo (1961); en 1963, con una beca de la Fundación Ford, viaja por Estados Unidos, exponiendo en 1964 y 1966 en la galería Bertha Schaefer de Nueva York. Durante esos años, la Galería Juana Mordó le representa y le dedica una muestra retrospectiva en 1965; Fernando Zóbel le incluye en la inauguración del Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, en 1966. Esta exposición comienza con un conjunto de acuarelas abstractas relacionadas con la obra de Vassili Kandinsky y Paul Klee, que dan paso a una amplia representación de los gouaches realizados en París, obras geométricas de expresividad contenida en el trazo y una especial sensibilidad por la luz y el espacio; junto con una selección de los relieves luminosos en los que empezó a trabajar en 1955. Más adelante, se atiende a los diferentes intereses que centran el trabajo de Sempere desde su regreso a España a través de una selección de pinturas al gouache sobre tabla y papel, collages realizados con cartulinas y escultura en metal, desarrollada desde mediados de los años sesenta. Asimismo, se muestran sus trabajos interdisciplinares, como Proyecto de música electrónica (1967), que realiza con el grupo ALEA de Luis de Pablo; los seminarios de Análisis y Generación Automática de Formas Plásticas del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, entre 1969 y 1972; las exposiciones Antes del Arte. Experiencias ópticas perceptivas estructurales, que organiza Aguilera Cerni en Valencia y Madrid en 1968, y Proyecto IBM, planteado como una escultura de arte total, en colaboración con Cristóbal Halffter y Julio Campal.

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Monika Buch. Línea y Módulo

Lugar: Museo de la Universidad de Alicante (MUA). Sala Sempere

Fechas: Del 26 de enero al 28 de febrero de 2018

Inauguración: Viernes 26 de enero a las 18h.

Comisario: Javier Martín

La familia, procedente de la ciudad alemana Halle an der Saale, se trasladó a finales del siglo XIX a Valencia, donde fundó la empresa Máximo Buch, dedicada a la fabricación de cepillos. Monika Buch nació en esta ciudad el 5 de marzo de 1936. Meses más tarde, debido a la Guerra Civil, toda la familia fue evacuada a Alemania. En palabras de Monika Buch, “así nos convertimos en una familia de refugiados”. Tras tres años residiendo en Bad Godesberg, cerca de Bonn, nada más finalizar la contienda española, la familia decide volver a Valencia, pero cuando el barco estaba pasando por el canal de la Mancha, el Reino Unido declaró la guerra a Alemania y el barco tuvo que retornar a  Hamburgo. Los Buch, en su afán por volver a España, viajaron en tren a Italia y en Génova se embarcaron con destino Barcelona, donde les recibió el padre de Monika que ya había regresado previamente.

Finalizados sus estudios en los Colegios Alemanes de Valencia y de Barcelona, y tras realizar el servicio social femenino, que le resultó obligatorio para obtener el pasaporte, su madre le animó a que se trasladase a la ciudad alemana de Ulm, donde en enero de 1956 Monika ingresó en la Hochschule für Gestaltung (HfG) de Ulm (Escuela Superior de Gestaltung o Escuela de Ulm). Esta institución estaba dirigida por Max Bill e incorporó como docentes, además del propio Bill, a Josef Albers, Johannes Itten y Walter Peterhans. Todos ellos procedían de la mítica Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal), fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar y cerrada por las autoridades nazis en 1933.

Sin título. 1956. Gouache sobre cartulina. 51 x 73 cm.

Monika Buch relata sus primera impresión de la Escuela: “En enero de 1956 un día esplendido y frío vi por primera vez el magnífico edificio de la Hochschule, en mi vida había visto algo parecido, este acontecimiento cambió toda mi vida. Lo llevo clavado en mi mente”.

Los estudios en la HfG estaban basados en la percepción visual según la psicología de la Gestalt (o psicología de la forma), cuyo lema es que El todo es mayor que la suma de sus partes. Es decir, que la figura en que nos fijamos está formada también por el fondo en que se encuentra, por lo que la suma de todas esas formas (figura y fondo) es mayor que la figura inicial en la que nos hemos fijado. En aquel centro, Tomás Maldonado puso en práctica el curso “visuelle methodologie” en el cual se realizaban ejercicios sobre temas como: Figura/fondo, efecto espacial, ambigüedad, exacto/inexacto o el negro como color”. Otros estudios impartidos en Ulm fueron el de las perspectivas lineales a cargo de Albers,  la geometría como lenguaje de las formas por el profesor Hermann von Baravalle y Helene Nonne Schmidt (asistente de Paul Klee en la Bauhaus), de la que Buch aprendió el trabajo con los matices de colores. Y todo ello bajo la dirección del artista y arquitecto suizo Max Bill, comprometido con el arte concreto y que consideraba la obra de arte como un objeto para el uso espiritual.

Hochschule für Gestaltung  

Durante los dos cursos que permaneció Monika Buch en la HfG, el estudio de la geometría y sus posibilidades fueron una de sus pasiones, lo que dio lugar al carácter de las obras que llevó a cabo en estos años y que fueron la base de gran parte del desarrollo de sus investigaciones plásticas: las posibilidades que ofrece la línea y el módulo y las formas que pueden derivarse de ambas, gracias a los giros y traslaciones. Unas de las formas resultantes fueron las llamadas figuras imposibles, porque no pueden existir en realidad, surgen cuando se pretende obtener una figura tridimensional con datos bidimensionales provocando en el espectador una tensión emocional al crearse un enigma visual. El color fue también muy característico de las formas que Buch realizó en estos años, tanto que la propia autora los denomina como “unos colores muy Ulm”.

Sin título. 1958. Gouache sobre cartulina. 48,5 x 50 cm.

Tras su etapa en Ulm, en 1958 se trasladó a Utrecht, ciudad donde sigue ahora residiendo y  donde cursó los estudios universitarios de pedagogía y psicología infantil. Durante dos años centró su actividad en el campo del diseño de juguetes en la fábrica holandesa ADO. Desde 1972 se dedicó a su trabajo artístico, con investigaciones centradas en la interrelación forma-color.

La obra de Monika Buch se fundamenta en lo que aprendió en la HfG. En palabras de la propia artista: “Siempre parto de una idea o una pregunta que quiero resolver. Me interesa la percepción: qué es lo que veo y porqué, por eso me gusta trabajar en un tema con variaciones. La estética es importante pero muchas veces más en un segundo plano. Una obra puede ser bella o agradable de ver, pero para mí tiene que tener algo más, algo interesante que te llama la atención o que atrae tu mirada cada vez y quieres descubrir lo que te inquieta”.

Sin título. 1975. Acrílico sobre tabla. 49 x 49 cm.

Javier Martín

- CATÁLOGO DIGITAL-

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FERNANDO ZÓBEL.  CATÁLOGO RAZONADO

La Fundación Azcona, en colaboración con Ayala Foundation Inc., la Fundación Juan March y los herederos del artista, está preparando el Catálogo Razonado de Pinturas de Fernando Zóbel (1924-1984).

El proyecto está a cargo de Alfonso de la Torre, con la colaboración de Rafael Pérez Madero.

Los coleccionistas y propietarios de pinturas de Zóbel pueden dirigirse a:

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Miguel Galano. París / Madrid / Lisboa

El Instituto Cervantes presenta ahora una exposición de Galano centrada en su relación con tres de las ciudades que han retenido su atención como pintor: Madrid —donde realizó sus estudios de Bellas Artes—, Lisboa –que fue la primera ciudad extranjera que pisó, en la época en que por razones de trabajo residía en Extremadura—, y la propia capital francesa, que tardó más de la cuenta en visitar, aunque aquí venga a cuento el refrán «Nunca es tarde cuando la dicha es buena». Exposición comisariada por Enrique Andrés Ruiz, que además de una de las grandes voces de nuestra poesía, es uno de nuestros críticos de arte más lúcidos. Exposición que se verá en nuestros centros de París y Lisboa, y en Setúbal. En el caso de Portugal, en el marco de la ya muy consolidada Mostra Espanha, impulsada por nuestra Secretaría de Estado de Cultura.

Juan Manuel Bonet: "Miguel Galano. Peatón de las ciudades"

Joao de Deus no Jardim da Estrela. 2016
Óleo sobre lienzo, 35 x 27 cm.

En las casas pintadas por Miguel Galano y a diferencia de las muchas casas que han pintado otros pintores amigos y coetáneos (más bien deshabitadas o como escenarios teatrales o maquetas de casas), soñamos que hay gente, personas que van con sus horas a cuestas. Las casas —como las calles y las plazas o plazuelas— de Miguel Galano no son, diríamos, objetos, cuerpos más o menos geométricos en el espacio del cuadro con los que componer agradecidamente una pintura que, en realidad, sería abstracta, sino ámbitos, espacios llenos de tiempo, con las huellas y los restos que el tiempo va acumulando sobre los rincones, las pequeñas repisas, los estantes, las mesitas, los armarios y los dinteles de las puertas que conducen a cuartos en penumbra, adonde, quizá fugazmente, el sol de la mañana llega como por milagro algunos días, para sorpresa de las cosas quietas que hay por allí medio dormidas.

Enrique Andrés Ruiz: " El Norte universal"

Fado na Mouraria. 2016
Óleo sobre lienzo, 55 x 41 cm.

Cimetière du Père-Lachaise. 2017
  Óleo sobre lienzo, 38 x 34 cm.

Imagenes cortesia del artista

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Albano. Los Heraldos Verdes

Exposición desde el  8 de junio de 2017

UBS Europe SE. Sucursal en España

C/ María de Molina, 4.  Madrid

Nota de sala

El espacio madrileño de UBS Europe SE acoge “Los heraldos verdes”, exposición del artista abulense Albano (n. 1988) que anticipa el aroma de sus próximos proyectos. La muestra se inaugura tras las estancias de Albano en Miami y Eslovenia, permitiéndonos viajar por cada cuadro hacia los lugares de la memoria pictórica. “Son pinturas que se retroalimentan, muy personales, a veces rozan lo íntimo.” Afirma el artista.

En la exposición, compuesta por obras de gran formato, se desarrolla un discurso metapictórico donde los residuos que genera el proceso de creación de una imagen son reutilizados para componer otra diferente. Tonalidades cítricas, predominadas por el verde característico del autor, contrastan con lienzos matizados de infinitos blancos donde la geometría y lo orgánico se abrazan en un lenguaje propio que evidencia el latido de un pintor sólido en su oficio.

Las imágenes creadas están, ante todo, alejadas de toda etiqueta convencional y clasificatoria. Únicamente los elementos referenciales que se ordenan en el plano pictórico nos alertan de un mundo conocido y medido por el hombre, así encontramos cartas de color, paletas, cuadrículas, dameros, cruces de ajuste, notas, mediciones… “Consiste en utilizar y reutilizar la pintura, en entender nuestro hábitat como desierto donde convivimos irremediablemente con los elementos que nos ha dejado el pasado”. Las obras presentadas forman parte de la serie ATLAS, un conjunto de pinturas elaboradas con diferentes técnicas: óleo, spray, acrílico, tintas, esmalte y grafito. Todas bidimensionales, si bien la materia en algunos lienzos es empleada con generosidad y produce suculentos empastes donde penetra la mirada del espectador.

Atlas 1630. Viena. 2016

Técnica mixta sobre lienzo. 146 x 195 cm.

 Albano (Ávila 1988), actualmente tiene su taller en los Thrifts Walk Studios de Cambridge, donde reside. Sus obras están presentes en prestigiosas colecciones internacionales como BMW, Fundación Ankaria, Fundación Valparaíso, Fundaçao António Prates, Cortes de Castilla y León o Fundaçao José Saramago; fruto de exposiciones individuales en España, Portugal y Uruguay. En su currículum se mencionan más de 50 premios, entre ellos el premio BMW 2012 o el Obra Abierta 2015. Continúa viajando y aprendiendo, en el presente año ha participado en el proyecto Art Circle / Art Embassies de Eslovenia y disfrutado de una residencia en Miami junto al artista Ignacio Iturria.

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Alberto Fabra. Exposición Retrospectiva

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