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Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
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Recordant Sempere

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Recordant Sempere

En el Museo de la Universidad de Alicante se ha inaugurado la muestra Recordant  Sempere.

La exposición colectiva realizada con fondos de la Universidad de Alicante, presenta obras de Sempere, Jaume Rocamora, Julián Casado, Eduardo Chillida y Salvador Vicoria entre otros.

Del 21 de abril al 31 de diciembre se podrá visitar la exposición Recordando a Sempere,  homenaje al pintor y escultor cinético. En el presente año se conmemora el treinta aniversario de su muerte.


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Eusebio Sempere. Luz y Línea

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Eusebio Sempere. Luz y Línea

Desde su adolescencia y a pesar de carecer visión en uno de los ojos, lo que le privaba de la sensación de perspectiva, quiere ser pintor. Con el apoyo incondicional de sus padres ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos de la ciudad de Valencia, donde el profesorado sigue empeñado en continuar con un sorollismo caduco. La   excepción son las renovadoras enseñanzas del padre Alfonso Roig, quien “Daba clases de religión que convertía en las mejores clases de Arte Contemporáneo. Fue la primera persona que me prestó una monografía de Kandinsky”.

Para leer más pinchar en pdf adjunto

 

 


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Año Sempere 2015

Año Sempere 2015

Por Rosa María Castells

 

El por qué

El 10 abril de 2015 se cumplirán treinta años desde la muerte de Eusebio Sempere y tal vez sea éste un momento oportuno para acometer un balance sobre sus aportaciones al arte y a la cultura española, y sobre los rasgos esenciales de su perfil biográfico, así como para realizar un estado de la cuestión sobre los avatares que ha sufrido su memoria durante esta larga ausencia.

Es el momento de difundir su personalidad artística, de revisar desde múltiples puntos de vista su trabajo, de emprender los estudios de investigación necesarios, de retomar algunos de los proyectos que se quedaron inconclusos y sobre todo, de volver a mirar el legado artístico que nos dejó.

Aunque durante los últimos años de su vida, en la primera mitad de la década de los ochenta, Sempere pudo disfrutar de un reconocimiento público generalizado como una de las figuras más relevantes del arte español de la segunda mitad del siglo XX, hoy parece haber caído en el olvido de los historiadores del arte, comisarios de exposiciones, coleccionistas y grandes museos.

Su obra artística y su papel como artista comprometido en el advenimiento de la modernidad en España no han sido bien estudiados y valorados. Algunas aproximaciones que se dieron sobre todo en la década de los 90 y 2000, consiguieron desvelar un Sempere oculto que excedía lo que a todas luces fue una clasificación inicial, coyuntural y extremadamente limitadora. Gracias a algunas iniciativas comenzó a aflorar una nueva visión más completa de un artista que fue capaz de iniciar y desarrollar con impecable coherencia en todo su quehacer, una trascendente indagación personal, con hondas resonancias poéticas y que nunca dejó de lado las búsquedas y las soluciones experimentales.

Exposiciones como las llevadas a cabo en Alicante en la Lonja del Pescado o en el Centro Cultural Bancaixa de Alicante, en 1997; en Valencia, en el IVAM en 1998; en el MUA de Obra gráfica en 1999; en la Universidad Politécnica de Valencia sobre Los años de formación en 1999; en el Centro Cultural de Onil en 1999; la realizada en la Fundación Juan March sobre los Paisajes de Sempere en 2000; la de la Universitat de València en 2001, De l'art al microxip o la realizada por el SEACEX en 2003 que llevó la obra de Sempere a Barcelona, Roma, Praga o Moscú son algunas de las últimas revisiones de la obra de Sempere. La última importante tuvo lugar en la Lonja del Pescado en 2005 donde se mostró toda la Colección del Ayuntamiento de Alicante. Hace diez años.

Si estas exposiciones reafirmaron la calidad de su propuesta estética, también pusieron de manifiesto que, al margen de la creación artística personal, existen otras aportaciones -tal vez menos conocidas, discontinuas y en muchos casos fallidas- pero también extremadamente coherentes, que con el paso del tiempo han comenzado a desvelarse y a imponerse como de gran importancia a la hora de poder completar el justo balance de su trayectoria y su auténtica dimensión como creador.

No conviene pasar por alto su empeño por intentar resolver con sus propios medios, a veces muy limitados, el atraso cultural que sufría España frente a la recepción del arte contemporáneo contra el que tantas veces él mismo hubo de sobreponerse, ensayando iniciativas curiosas como, por ejemplo, la corresponsalía sobre la actualidad artística que emprendió desde París para el valenciano diario Levante a mediados de los cincuenta; su incorporación tardía pero decisiva al Grupo Parpalló a finales de la misma década justo antes de abandonar definitivamente París; o muchos años más tarde, ya en la cúspide de su trayectoria, el encomiable gesto de donar su colección artística personal a la ciudad de Alicante para fundar el Museo de La Asegurada en 1977, con el objetivo principal de facilitar el acceso del público al arte contemporáneo y con la mención expresa de que dentro de esa colección no deberían exhibirse sus propias obras.

Otra de las cuestiones fundamentales que es preciso tener muy presente y no olvidar es el papel de Abel Martín al lado de Sempere no sólo como compañero permanente en la salud y en la enfermedad sino también como colaborador artístico.

Y a la hora de reconstruir el talante de Sempere, tampoco sería cabal perder de vista su absoluta disponibilidad y su entusiasmo por participar en novedosas aventuras artísticas experimentales que requerían de la siempre difícil colaboración y confrontación interdisciplinar; como tampoco se puede pasar por alto su sincera y valiente implicación en todas las causas para las que se le requirió como artista, en defensa de los ideales democráticos en los momentos más oscuros de una España que para muchos es difícil de recordar.

No hemos querido cambiar apenas algunas palabras de este texto inicial inspirado en el que escribía en 1997 Pablo Ramírez, uno de los historiadores que más ha contribuido a la investigación sobre la figura de Sempere, comisario de varias de las exposiciones citadas. Es igualmente válido hace veinte o treinta años.

Quién

El MACA, Museo de Arte Contemporáneo de Alicante, natural heredero de la obra de Sempere en tanto guarda la Colección Arte Siglo XX donada a la ciudad por el artista -en un gesto nunca suficientemente valorado-, al tiempo que la mayor cantidad de obras de su autoría junto a gran cantidad de documentación, quiere lanzar el proyecto de una celebración conjunta: el Año Sempere 2015.

Durante largo tiempo, las instituciones públicas y privadas han venido acometiendo algunos proyectos en torno a Eusebio Sempere que han contribuido al conocimiento y difusión del artista. Muchos de ellos, loables y necesarios. Muchos, importantes. Sin embargo, desde la perspectiva actual parece como si no se hubiese alcanzado la repercusión adecuada. El artista de Onil sigue siendo un artista desconocido, insuficiente valorado, incluso si lo comparamos con respecto a otros artistas de su generación. Urge, y es necesaria ya, una investigación completa que nos proporcione todos los datos, que sitúe al artista en su justa dimensión y en su contexto histórico.

Éste es un documento abierto a todas aquellas instituciones públicas, museos, centros culturales, universidades, asociaciones, entidades públicas y privadas, fundaciones, galerías, coleccionistas particulares, historiadores, investigadores, profesores, maestros, etc… entusiastas de la obra del artista Eusebio Sempere comprometidos en el proyecto de mejorar y ampliar el conocimiento de su personalidad artística y su contribución a la historia del arte y de la cultura española.

Invitamos desde aquí a sumar esfuerzos. Hay mucha labor realizada pues ha habido pioneros en esta investigación sobre el artista pero es cierto que queda un largo camino por recorrer.

Algunas instituciones han manifestado ya su intención de participar en este proyecto aunque la lista debe seguir sumando participantes en cuanto queden enterados de tal proyecto.

Ayuntamiento de Alicante

MACA, Museo de Arte Contemporáneo de Alicante

Universidad de Alicante

MUA. Museo de la Universidad

Diputación Provincial

Instituto de Cultura Juan Gil-Albert

Universidad Miguel Hernández de Elche

Universidad Politécnica de Valencia

Universitat de València

Consorcio de Museos de la Generalitat Valenciana

Familia Eusebio Sempere

Familia Abel Martín

Sería importante igualmente contar con patrocinadores a los que se les pudiera aplicar incentivos fiscales sobre los programas de apoyo a este tipo de acontecimientos de interés cultural, incentivos fiscales al mecenazgo, etc…

Incluso se podría plantear la idea de una Asociación de Amigos de Sempere que coordinara todos los apoyos económicos y vehiculara algunas de las propuestas de actividades.

Cuándo

El programa a llevar a cabo se debe circunscribir al año 2015, con el fin de dar solidez a este proyecto conjunto, aunque es muy necesario que sea aprovechado por todos como el impulso necesario que permita el conocimiento y valoración de uno de los artistas más importantes de su generación, más allá de este año. Una resistencia contra el olvido.

Cada institución o entidad, pública o privada establecerá su propio calendario de actividades en función de sus propios intereses si bien la coordinación entre todos es fundamental para el éxito del proyecto. Las actividades deberán encontrar su lugar en el tiempo con el fin de dar cobertura a todo el año natural, escalonándose en el transcurso de los meses y sin superponerse.

Cómo

Los proyectos diseñados para conmemorar este año Sempere podrán realizarse de forma individual por cada una de las instituciones o entidades públicas o privadas participantes o de forma conjunta. Algunas de las actividades requerirán del apoyo de varias instituciones ya sea por su vertiente científica como por la necesidad de mayor cobertura y público al que se tienen previsto dirigirse. Podrán ser diseñadas y coordinadas por varios miembros de este proyecto por cuestiones económicas, con el fin de abaratar costes y racionalizar los recursos. Será entonces conveniente que sean firmados aquellos acuerdos de colaboración entre instituciones necesarios para llevar a cabo las actividades previstas siendo posible tener suscritos varios acuerdos de colaboración, contratos o convenios en la forma más adecuada propuesta por los participantes.

 

Sería interesante contar con un logotipo o marca que diera unidad al conjunto de acciones y con una línea de diseño capaz de identificar todos los materiales que puedan llegar a plantearse en este Año Sempere 2015: exposiciones, congresos, conferencias, conciertos, mesas redondas, talleres, visitas educativas, materiales editados, publicaciones on line, presencia en la web, redes sociales, aplicaciones, etc. 

Qué

El listado de actividades a realizar puede y debe de ser muy variado y responder a varios intereses, atender a distintos públicos, a diferentes niveles de conocimiento y a las más variadas plataformas de difusión.

Conocimiento. Investigación. Exposición. Difusión

Recopilaciones textos

Documentación gráfica

Audiovisuales

Conferencias

Mesas redondas

Entrevistas

Seminarios

Jornadas

Talleres

Publicaciones

Proyectos didácticos

Digitalización

Portal web

Recursos on line

Redes sociales

Aplicaciones smartphones o tablets

Concursos

Miradas

Conciertos

Becas de investigación y creación

Exposiciones

Proyectos de diseño

Merchandising

 

 y todas aquellas actividades que pudieran contribuir al conocimiento, investigación y difusión de la obra y la personalidad de Eusebio Sempere.

 

 

 

Alicante a 16 de Septiembre de 2014

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Museo de Escultura al Aire Libre de la Castellana

Museo de Escultura al Aire Libre de la Castellana.

Con fecha de 28 de julio se publicó en la revista digital de arte Logopress un magnífico artículo firmado por Irene G. Varna, recordándonos la posibilidad de visitar el Museo de Arte Público de Madrid. Pensando que podemos ayudar a su mejor conocimiento, publicamos el siguiente texto.

En 1968 salió a concurso la construcción del viaducto madrileño sobre el Paseo de la Castellana, que con 320 metros uniría los barrios madrileños de Chamberí y Salamanca. La ejecución fue concedida a la empresa Laing Ibérica, S.A. Los ingenieros encargados fueron Alberto Corral López-Dóriga, Julio Martínez y José Antonio Fernández Ordoñez, quedando inaugurado en 1970.

A Eusebio Sempere se le propuso colaborar en el diseño de la barandilla del puente que uniría las calles Juan Bravo y Eduardo Dato, pero el artista cinético quiso dar un paso más y propuso la creación de un museo de escultura al aire libre, que contaría con una superficie de 4.200 m2. La idea fue inmediatamente aceptada por los ingenieros.

Sempere, además de la barandilla, diseñó la cascada, los asientos, los puntos de luz y los pilares que quedarían integrados en el espacio escultórico. Por otro lado fue el encargado de confeccionar la lista de escultores a los que se les pediría la colaboración en el proyecto  museístico: Pablo Serrano, Alicia Penalva (cuya escultura no llegó a instalarse), Rafael Leoz, Amadeo Gabino, Francisco Sobrino, Eduardo Chillida, Marcel Martí, Martín Chirino, Gustavo Torner, Gerardo Rueda, Josep Maria Subirachs, Manuel Rivera, Andreu Alfaro, Joan Miró, Julio González, Alberto Sánchez y el propio Sempere. Las obras fueron generosamente donadas por los escultores, o por sus familiares en los casos en los que el artista había ya fallecido.

La polémica no tardó en llegar, pero no desde el sector artístico sino del político, que vio con malos ojos la elección de obras de dos  “comunistas” como Alberto Sánchez y Julio González. Por otro lado, la obra colgante de Eduardo Chillida, escultor “no adicto al Régimen”  ocasionó problemas durante un largo periodo de años, al no dar el ayuntamiento de Arías Navarro el permiso oportuno para su instalación, argumentando cuestiones técnicas, a pesar del informe favorable de los ingenieros. La escultura, que lleva el nombre de “Sirena varada”, inicialmente se denominó “Lugar de encuentros”, y tardaría seis años en quedar suspendida como un ancla según su proyecto inicial, gracias a un cambio político en el consistorio madrileño. El 2 de septiembre de 1978 y bajo el mandato del alcalde José Luis Álvarez, la obra de hormigón con un peso de 6.150 kgs., se puso en su emplazamiento actual.

Tras los esfuerzos realizados por la Asociación de Amigos del Museo de la Castellana, presidida por Eusebio Sempere, el 9 de febrero de 1979 se inauguró el museo. Entre los socios de dicha asociación se encontraban intelectuales de la talla de Rafael Alberti, Santiago Amón, José Luís Aranguren, Juan Benet, Antonio Buero Vallejo o Cristóbal Halffter.

Pero el Museo de Escultura al Aire Libre, nombre con el que se le bautizó en una primera etapa, no siempre ha estado en las condiciones más óptimas, y en diversas etapas de estos últimos 35 años el desinterés y abandono por parte de la administración ha sido una triste realidad.

Las obras que, a cualquier hora del día, podemos ver en este emplazamiento, son diecisiete:

Un món per a infants (1971), de Andreu Alfaro. Está formada por dieciséis barras rectas de acero inoxidable que giran en torno a un eje, abriéndose en forma de abanico.

Lugar de encuentros III o Sirena varada  (1972), de Eduardo Chillida. Fue la primera obra de hormigón armado realizada por el artista donostiarra. Su elemento más importante es el juego con la ley de la gravedad.

Mediterránea (1972), de Martín Chirino. Realizada con láminas de acero soldadas con formas sinuosas y pintadas al fuego en color rojo. En ella Chirino utilizó por primera vez el color.

Estela de Venus (1973), de Amadeo Gabino. Obra de acero inoxidable y remaches en hierro.

La petite faucille u Homenaje a la hoz y el martillo (1937), de Julio González. Obra en bronce, donada a la ciudad de Madrid por su hija Roberta.

Estructuración hiperpoliédrica del espacio (1971), de Rafael Leoz. Se trata de un cubo en acero inoxidable en cuyo interior se encuentra la estructura de un poliedro, y dentro de este un octaedro.

Proalí (1984) de Marcel Martí. Obra de aspecto sólido, de formas sinuosas y juegos de claroscuro. La original en mármol, de 1971, fue dañada por un accidente automovilístico y sustituida por el autor por otra igual hecha en bronce.

Mère Ubu (1975), de Joan Miró. Escultura inspirada en la obra teatral Ubú Rey de Alfred Jarry, precursor del surrealismo en la representación teatral. Por decisión de Miró no llegó a instalarse hasta 1978, una vez resuelto el problema  de la escultura de Chillida.

Proyecto para un monumento IV B (1978), de Pablo Palazuelo.  Obra en acero corten plegado y recortado. Al desplegarse sus planos en el espacio, le otorgan ligereza y movilidad.

Tríptico (1972), de Manuel Rivera. Malla de acero inoxidable, pertenece a la serie Los espejos. Las telas metálicas superpuestas crean el efecto óptico de moiré.

Volumen-Relieve-Arquitectura (1972), de Gerardo Rueda. Mural de 10 metros de largo con una composición sobria dentro de una ordenación constructivista.

Toros Ibéricos (1958-60), de Alberto Sánchez. Escultura de volumen vertical que engloba toda la figura en un sólo conjunto. Es una ampliación a escala en bronce de un original de 45 cm. que pertenece a la familia.

Móvil (1972), de Eusebio Sempere. Obra compuesta por dos “rejas” de acero inoxidable suspendidas verticalmente a veinte centímetros de distancia una de otra. El movimiento, tanto sea del espectador como de las estructuras de la obra,  crea un efecto óptico-cinético.

Unidades-Yunta (1972), de Pablo Serrano. Se compone de dos piezas independientes, de formas redondeadas, que podrían llegar a unirse y acoplarse a la perfección una con otra. El interior de bronce pulido contrasta con el exterior rugoso y oscuro. Ambas piezas representan las fuerzas opuestas que conforman el mundo: lo material y lo espiritual, lo masculino y lo femenino.

Estructura permutacional (1972), de Francisco Sobrino. Placas de acero inoxidable ensambladas en vertical y perpendicular, forman cubos cuyas caras no llegan a cerrarse. Los módulos resultantes se  encuentran apoyados en los vértices, creando figuras romboidales. Geometría y simetría logran dar dinamismo a esta pieza.

Al otro lado del muro (1972), de Josep Maria Subirachs. Aunque la escultura que podemos ver actualmente está realizada en hormigón y piedra caliza, en un origen era de acero, pero diversas agresiones a la misma hicieron tomar la decisión de la sustitución de los materiales. Este monolito es un estudio sobre las formas esféricas y la penetración de unos materiales en otros.

Plaza-Escultura (1972), de Gustavo Torner. Consta de una base construida en granito del Brasil y sobre este pedestal van anclados cuatro elementos geométricos, dispuestos de tal forma que en el centro podemos imaginar la figura de un circulo inexistente.

 

Javier Martín

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Sempere. Veinticinco años en el recuerdo

SEMPERE: VEINTICINCO AÑOS EN EL RECUERDO

 

Recuerdo la mañana de 1985 en que llegamos a la finca “La Cova”, en Onil, para visitar a Eusebio. Era un día de abril típicamente mediterráneo, con esa luz clara e intensa, que tantas veces había plasmado Eusebio Sempere en sus gouaches.

Al llegar, nos sorprendió el silencio absoluto en que se encontraba la casa. Segundos después apareció Abel Martín en el umbral de la puerta y nos dijo “Eusebio acaba de morir”. A pesar de saber que el final de sus días estaba cerca, nunca renunció a la vida, aferrándose cada vez más a ella, a través de un pensamiento profundamente místico que ha quedado reflejado en poemas escritos durante los últimos meses de  su vida: “ no no me dejes solo / en medio de la escarcha / de la falsa / geometría /  no me dejes caer / hacia lo oscuro / ...” (1)

Fue en 1982 cuando se manifestaron los primeros síntomas de la enfermedad que fue impidiéndole primero el poder andar y, meses más tarde, perdiendo la fuerza en las manos e imposibilitándole ya pintar para siempre, algo que él percibió claramente y que así trasmitió en una de sus últimas entrevistas. Una información que aprovecharon rápidamente  algunos de aquellos que se autodenominan divulgadores del arte, pero que en ocasiones priorizan en exceso el aspecto mercantil. Esto mismo pensaba Sempere al comentar: “Se han enterado de que me voy a morir y me quieren comprar todos los gouaches”. Desde el momento que dejó de pintar, volcó toda sus fuerzas creativas en la escultura, pues no necesitaba la fuerza de sus manos, pues contaba con la ayuda de “su buen amigo Abel”, como así quiso llamarlo en sus ultimas voluntades, para dejarlo claramente escrito, por propio deseo y en papel timbrado oficial (2).

Los tres últimos años de su  vida los dedicó a luchar contra su enfermedad, visitando muchos médicos, esperando que alguno de ellos rebatiera el diagnóstico que su amigo neurólogo y coleccionista Alberto Portera le había dado desde un principio. Todas las propuestas de sanación son escuchadas cuando uno se pregunta ¿porqué a mi? Pasó por innumerables posibles remedios, desde sanadores a aguas termales, para terminar en su tramo final con tratamientos de dudosa efectividad en una clínica de Coimbra, donde recibía ánimos por parte del que se había convertido en el único médico que aún le daba remotas posibilidades de curación.

Durante esos breves meses de esperanza, todo eran proyectos y deseos que poder cumplir cuando se recuperase. Quería cambiar de estilo de pintura, proyectaba una gran instalación de haces de luz en el valle existente a los pies de su ciudad natal, y sobre todo deseaba viajar y poder volver a Nueva York, donde permitirse unos días de estancia en el Palace, máxima representación hotelera de aquellos años.

En uno de los varios ingresos que tuvo en la clínica de Coimbra, leyó la necrológica del actor británico David Niven, aquejado de su misma dolencia, y en ese mismo momento percibió claramente que si alguien con todos los medios tecnológicos a su alcance no había podido superarlo, él tampoco lo iba a conseguir. Creo que ese fue el instante en que aceptó definitivamente su destino.

Una vez llegada la fase de aceptación de la enfermedad, comenzó a pensar cómo quería que sucedieran las cosas después de desaparecer él. Así comenzó a disponer de sus bienes materiales, sus gouaches y aquellas obras de amigos pintores que había conservado en su casa del Plantío de Madrid. No dejó de pensar ni un solo momento en el Museo de la Asegurada, que le venía preocupando desde hacía un tiempo al no mantener buenas relaciones con las máximas autoridades del momento. Recuerdo cómo siendo yo estudiante en Alicante, me llamaba y me encomendaba la misión de pasar por “el museito”, así lo llamaba familiarmente, para ver si estaba cuidado, si había vigilantes y cómo se encontraban las humedades de la escalera que tanto le preocupaban. También pensó dónde y cómo quería ser sepultado, y eso se llegó a realizar según sus voluntades, vestido con la toga de Doctor Honoris Causa por la Universidad de Alicante y en el Monasterio de la Santa Faz, gracias a la intercesión del sacerdote y amigo Juan Cantó ante el obispado.

Él, que siempre había querido dedicarse sólo a pintar y a viajar, vio como durante su vida había empleado gran parte de sus energías en otros menesteres más mundanos. Primero en sobrevivir, en su época parisina y sus primeros años en Madrid. En París realizando pequeños trabajos pintando tarjetas navideñas “para unas ancianitas tacañas”, volviendo en vacaciones a España en motocicleta conducida por Abel, y donde no siempre era bien recibido, pues le consideraban un fracasado, negándole en ocasiones hasta un cama donde dormir  o un préstamo para poder volver  a la ciudad que en esos años era el faro de la cultura occidental. Más tarde en Madrid, al no llegarse a cumplir las expectativas de trabajo prometidas, comenzó junto a Abel a realizar obra serigráfica para otros pintores ya bien instalados, como era el caso de Lucio Muñoz, y también tuvieron que realizar otros quehaceres como el pintar decorados para la película “Cincuenta y cinco días en Pekín”, rodada en parte en la capital de España.

Años más tarde, y ya estando considerado uno de los artistas más reconocidos del momento, comenzó a recibir elogios y proyectos. En 1968 y a propuesta de Francisco Echauz, Sempere comienza a impartir enseñanza en la Facultad de Bellas Artes de San Fernando, trabajo que abandonó a los pocos meses. Inmediatamente se incorpora al Centro de Cálculo, y así participó en 1969 en el primer Seminario de Análisis y Generación  Automática de Formas Plásticas en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid, lo que agradó a los organizadores pues ya en ese momento disfrutaba de un prestigio incuestionable. Con la llegada de la democracia se le propuso participar en política. Famosa es la frase que le dijo a Santiago Carrillo cuando éste fue a entregarle el carné de militante del Partido Comunista de España: “la disciplina me la impongo yo en mi trabajo. Allí me encontraréis siempre” (3).

Muchas fueron las ocasiones en que tuvo que declinar propuestas de participación en jurados y puestos honoríficos, aunque estos quehaceres siempre solía encomendárselos a Abel. Recuerdo una ocasión, comiendo en la Explanada de Alicante, en el restaurante la Goleta donde tan asiduo era y donde le preparaban el arroz a banda a la hora de la cena, tras haber llamado previamente desde Madrid antes de salir al restaurante y al hotel Carlton donde le gustaba hospedarse para poder disfrutar de su balcón mirando al Mediterráneo. Recuerdo que estábamos cenando y una persona se acercó a la mesa y le solicitó que formara parte de un jurado de pintura en calidad de presidente. Ante la insistencia del solicitante, Sempere aceptó, y en cuanto  nos volvimos a quedar solos, le dijo a Abel: “Maño, en volver a Madrid le escribes una carta disculpándome y agradeciéndole que pensasen en mi para ese jurado, pero dile que necesito tiempo para pintar”.

El niño que desde siempre había querido ser pintor, luchó toda su vida contra los impedimentos físicos que se le ponían en el camino, hasta que no pudo más. De todos es conocida su mala visión en uno de los ojos, lo que le hacía ver prácticamente en dos dimensiones. Su obsesión por el cuidado y la conservación de la vista le llevó en cierta ocasión, en los años setenta, a adquirir en una subasta un collar antiguo hecho con esmeraldas, piedra que según algunas creencias emite destellos que mejoran la visión, y cuando pintaba ponía el collar sobre la mesa de trabajo, para que sus reflejos le ayudasen en su visión. Aunque sólo poseía este collar, se interesaba por las joyas, y era un amante de su belleza, resultando “capaz de preguntarle a una mujer qué valía aquella sortija de oro y piedras que llevaba” (4)

Con la muerte todas las inquietudes y desvelos del fallecido desaparecen,  y para los que quedan empiezan a dejar de tener importancia los defectos que éste ha tenido en vida. El relevo de estas inquietudes los recogen otros con más o menos éxito, con más o menos interés o intereses, y el paso de los años va posicionando su trayectoria en la posteridad y el recuerdo.

En el caso de Sempere, además de las  instituciones valencianas, son muchos los que siguen proclamando su valía como persona y artista. Es el caso de pintores como Farreras o Torner; de Fundaciones como Juan March exponiendo sus fondos en sus diversas sedes; comisarios como Manuel FontánPablo Ramírez o Alfonso de la Torre; y galeristas como Margarita y Antonio Navascues, Enrique Gómez Acebo o Antonio Machón, que siguen esperanzados en poder ver esa gran exposición antológica de difusión nacional que tanto merece la obra de Eusebio Sempere.

 

NOTAS

(1) ”De tus ojos quisiera ser techado. A Juan de la Cruz”. Catálogo exposición de la  galería Estampa, Madrid, 1986.

(2) Testamento de D. Eusebio Sempere Juan, del 21 de febrero de 1985 ante el notario de Madrid D. Juan Bolas Alfonso.

(3) “Eusebio Sempere (1923-1985), de Arcadio Blasco, en Catálogo de la exposición Sempere. Obra Gráfica y Múltiples, 2002, Orihuela.

(4) J. R. Seguí: “En la cultura española manda la imitación”, diario “Levante”, 1993. Reproducido en: Gerardo Rueda. Escritos y Conversaciones, Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 1999, p. 209.

 

 

Javier Martín

Abril 2010

 (Texto publicado en el diario “ Información “ de Alicante, el 27 de abril de 2010

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Eusebio Sempere y Juan de la Cruz.

Eusebio Sempere y Juan de la Cruz.

El padre Fernando Soria nos habla en uno de sus escritos sobre Eusebio Sempere, de la perdida de fe, pudiendo ver los primeros síntomas en la correspondencia con su amigo el padre Alfonso Roig al  que le escribe a finales de los cincuenta desde Paris, hablándole a este respecto.

En 1977 en “Conversación con Sempere” de  Andrés Trapiello le trasmite, que no cree en la redención, simplemente cree en la pervivencia de una energía que pasa de un estado a otro. “De alguna manera este es el misterio de la vida”.

Sempere tiene dudas sobre Dios, por que no comprende como alguien tan perfecto puede hacer algo tan imperfecto como es el hombre, esta es la duda que le atormenta y  declara “No sé si creo o no en Él…..Seguramente Dios existe, sí. Por eso he llegado a la conclusión más profunda cristiana de que hay que hacer algo por los demás. Darlo Todo”.

En 1980 en conversación con Miguel Fernández-Braso, le confiesa que no cree que Dios haya creado al hombre a su imagen y semejanza, sino más bien que la criatura humana es una pequeña pieza dentro del engranaje del Universo. También le confiesa: “Si, desde hace años me atormenta la idea de Dios. No soy lo que se entiende por un creyente. Quiero creer en Dios,..”.

En 1975  tras la lectura del Cántico Espiritual, pinta la tabla  “Homenaje a Juan de la Cruz”. A partir de este momento y en sucesivos años habrá  una serie de obras unidas al misticismo de San Juan de la Cruz. Así podemos citar: “A Teresa de Ávila” (1977), “En par de los levantes de la Aurora”, e “Iré  por esos montes y riberas” (1978), “Sin otra luz ni guía”, “Al  aire de tu vuelo”, “Aguas, aires, ardores”, “Tocar nuestros umbrales”  y “ Y No queráis tocar nuestros umbrales” de 1979.

También realizara una serie de obras en las que podemos ver una implícita relación con este misticismo como es el caso del “Retablillo de la cruz” de 1978, hasta llegar dos años más tarde, a la estampación por parte de Abel Martín de la carpeta de siete serigrafías a la que Sempere le pondrá el nombre de “La Luz de los Salmos”, colaborando en los textos su amigo, el sacerdote Juan Cantó.

En 1982 realizaría su ultima carpeta de serigrafías, y sería en febrero del año siguiente cuando Sempere, ya enfermo de esclerosis,  presenta en Santander la carpeta “Cántico Espiritual” de San Juan  de la Cruz. De la ejecución técnica se encargó como era habitual  Abel Martín. La edición era de 99 ejemplares, a los  que les precede una carta de Vicente Alexandre.

En esta edición Sempere logra traducir los símbolos místicos a  elementos ópticos con la geometría y el color. Las siete serigrafías que forman dicha carpeta  están llenas de lirismo y de esperanza, algo que tanto necesitaba el autor en esos momentos de enfermedad. El numero de colores utilizados para dichas obras varia desde los diecisiete a los veintisiete en cada una de ellas.  Para muchos entendidos y estudiosos de la obra semperiana es la mejor carpeta de su vida.

Javier  Martín
Julio 2010

Texto basado en los escritos del padre dominico Fernando Soria. Publicados en “Eusebio Sempere”. CAM .1988

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Biografía Eusebio Sempere

 

EUSEBIO SEMPERE: BIOGRAFÍA

1923

  • Nace en Onil, Alicante

1941

  • Ingresa en la Escuela de Bellas Artes de San Carlos.

1948

  • Gana una beca convocada por el SEU que le permite viajar a París.

1949

  • En París se instala en el Colegio de la Ciudad Universitaria donde coincide con Palazuelo y Chillida.
  • En Valencia expone una carpeta de gouaches abstractos en la Sala Mateu.

1950

  • De vuelta en París, participa e el 5eme. Salon des Réalités Nouvelles.

1953

  • Realiza sus primeros gouaches geométricos sobre papel.
  • Conoce a Braque, Arp, Poliakoff, Soto y a la galerista Denise René.
  • Conoce a pintores tan importantes como Arp, Vassarely, Soto, Agam y Seuphor.

1954

  • Expone sus primeros relieves luminosos en el 10eme. Salon des Réalités Nouvelles.
  • Conoce a Arcay en cuyo taller realizará serigrafías para Vaserely, Mortensen  y Bloc entre otros.
  • Conoce a Roberta González.

1955

  • En Valencia se funda el Grupo Parpalló, al que se une.
  • Conoce a Mme Kandinsky.

1957

  • Inicia desde Paris, contactos con José Luis Fernández del Amo, director del Museo Nacional de Arte Contemporáneo, para incorporar a este museo obras de Arp, Kandinski y Vasarely.

1958

  • Conoce a Abel Martín.
  • Entabla amistad con Fernando Zobel.

1960

  • Regresa a España y se instala en Madrid.
  • Junto con Abel Martín realiza serigrafías para diversos artistas.
  • Expone con el Grupo Parpalló en el Ateneo Mercantil de Valencia.Arte normativo español.
  • Participa en la XXX  Biennale de Venezia, con sus relieves luminosos.

1961

  • Exposición individual en el Ateneo de Madrid.
  • Vaserely escribe el texto del catálogo.
  • Expone en la VI Bienal de Sao Pablo.

1962

  • Expone en la D´Arcy Gallery de  Nueva York. Spanish Painting Today.

1963

  • Junto con Cesar Manrique, Millares, Rivera, Rueda y Pablo Serrano participa en la decoración de los escaparates de los almacenes El Corte Inglés de Madrid.
  • El Instituto Internacional de Nueva York le concede la Beca Ford.
  • En diciembre marcha a Nueva York.

1964

  • Expone con José Mª Subirats en la Bertha Schaefer Gallery de Nueva York.
  • En Yale conoce a Josef Albers.
  • Se instala durante largos periodos en la casa que adquirió en Cuenca colgada sobre la hoz del Jucar.

1965

  • Realiza su primera carpeta de serigrafías Las cuatro estaciones.
  • Exposición individual en la Galería Juana Mordó.

1966

  • Vuelve a los Estados Unidos.
  • Realiza una exposición individual en la neoyorkina Bertha Schaefer Gallery.
  • El MOMA adquiere una de sus obras.

1967

  • Realiza la carpeta Album Nayar, con textos de Julio Campal.

1968

  • Realiza la escenografía de la obra El Verano, original de Romain Weingarten, que se representó en el Teatro Valle-Inclán de Madrid.
  • Experimenta en el Centro de Cálculo de Madrid en un programa, generando figuras a partir de una retícula, deformada según la ley de la gravitación universal.

1969

  • Participa en el proyecto del Museo de Escultura al Aire Libre  de Madrid diseñando la barandilla, los bancos, la cascada y las farolas.
  • Participa en el primer seminario de Análisis y Generación de Automática de Formas Plásticas en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid.
  • Realiza la Carpeta de Cuenca con poemas de Luis de Góngora.
  • A propuesta de IBM, Sempere, Cristóbal Halfter y Julio Campal estudian la creación de un “móvil de arte total”.

1970

  • En el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid, obtiene imágenes utilizando un programa capaz de deformar una retícula.

1972

  • Realiza los decorados del Festival de la OTI para Televisión Española.
  • Se publica la obra “Sempere”, de la que es autor Cirilo Popovici.
  • Inauguración del Museo de Escultura al aire libre en el Paseo de la Castella de Madrid.

1973

  • Realiza una escultura en hierro para Stª Cruz de Tenerife.
  • Se edita el conjunto de obra gráfica “Serie Valencia”.

1974

  • Realiza una escultura para el Museo al aire libre de la Cala Ratjada (Mallorca).
  • Eduardo Chicharro, dedica a Sempere, en su libro póstumo Música celestial y otros poemas su “Carta nocturna a Eusebio Sempere”

1976

  • Dona a la ciudad de Alicante su colección particular de arte contemporáneo que posteriormente constituirá la Colección de Arte Siglo XX, que se inaugura el 5 de noviembre de 1977.
  • Realiza  el libro Alarma por encargo de la Galería Rayuela, con textos de José Miguel Ullán.
  • Se publica la obra “Sempere” de la que es autor Josep Meliá y se presenta este libro en la galería Juana Mordó.

1977

  • Realiza por encargo de la Galería Carmen Durango de Valladolid dos carpetas de serigrafías Transparencia del Tiempo, con textos del poeta egipcio  Edmond Jabès y La Alhambra.
  • Realiza la escultura “Órgano” para los jardines de la Fundación Juan March de Madrid.

1978

  • Realiza la carpeta de serigrafías Homenaje a Gabriel Miró, con textos de Gerardo Diego. Presentada en la Galería Italia de Alicante.
  • Realiza las esculturas “Como una estrella” con destino a una plaza de Alicante y “Helicoidal” para la Sede del Consejo de Europa en Estrasburgo.

1979

  • El Presidente del Gobierno Adolfo Suárez, hace entrega oficial al Consejo de Europa en Estrasburgo de la escultura Helicoidal.
  • Es nombrado consejero de la Consellería de Cultura de la Generalitat Valenciana, así como director de la Cátedra de Arte Cinético, que patrocina la Diputación Provincial de Alicante.

1980

  • En las Salas de la Dirección del Patrimonio Artístico, Archivos y Museos del Ministerio de Cultura, se celebra la primera exposición antológica de su obra.
  • Presenta en la Galería Tórculo de Madrid la carpeta de serigrafías La luz de los Salmos. Se publica  la obra “Sempere”, escrita por Julián Gallego.
  • Le es impuesta por el Rey la medalla de Oro al Mérito de las Bellas Artes.

1981

  • Viaja a Sofía para participar en la exposición Arte español de vanguardia, organizada por la Galería Nacional.
  • Es nombrado director del Patronato del Museo de Arte Contemporáneo de Madrid.

1982

  • Es nombrado hijo predilecto de la Ciudad de Alicante.
  • Realiza la carpeta Cántico Espiritual de San Juan de la Cruz.
  • Se publica el catálogo de obra gráfica de Sempere escrito por Fernando Silió.
  • Antonio Bonet Correa y José Corredor-Matheos publican en el numero 17 de la revista Cimal, de Valencia, dos importantes artículos sobre Sempere.

1983

  • En el aeropuerto de Alicante es instalado un gran mural proyectado por Sempere.
  • El 8 de octubre se le otorga el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.
  • Obtiene el Premio Alfons Roig de la Diputación de Valencia.
  • Es nombrado hijo predilecto de la provincia, por la Diputación Provincial de Alicante.
  • Exposición homenaje a Sempere, organizada por el Banco Exterior de España: “Con Sempere”.

1984

  • Es investido Doctor Honoris Causa por la Universidad de Alicante.
  • Es nombrado Académico de Honor por la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos de Valencia.
  • Es nombrado hijo predilecto de la villa de Onil.

1985

  • Fallece en Onil el diez de marzo. Es enterrado en el Monasterio de la Santa Faz (Alicante).

1988

  • Se publican las obras “Eusebio Sempere” (Caja de Ahorros del Mediterráneo) y el “Pensamiento estético de Eusebio Sempere” (Instituto de Estudios  Filosóficos de Valladolid ), escritas por Fernando Soria Heredia.

 


EXPOSICIONES INDIVIDUALES.

 

1949

  • Expone Eusebio Sempere 20 gouaches, Mateu Arte, Valencia.

1954

  • Eusebio Sempere, Ateneo Mercantil, Valencia.
  • Pinturas, esculturas, collages y dibujos de Loló Soldevilla y Eusebio Sempere, Club Universitario Valencia

1961

  • Sempere, Atenéo de Madrid, Madrid.

1964

  • Eusebio Sempere, José María Subirachs, Bertha Schaefer Gallery, Nueva York.
  • Sempere, Museum of Arts and Crafts, Columbus, Georgia, EE.UU.

1965

  • Sempere, Pinturas y collages, Galería Juana Mordó, Madrid.
  • Sempere, Galería René Metrás, Barcelona.
  • Sempere, Sala de Arte de la Caja de Ahorros del Sureste de España, Alicante.

1966

  • Sempere, Metal Screens, Gouaches, Construtions, Bertha Schaefer Gallery, Nueva York.
  • Sempere, La Pasarela Galería de arte, Sevilla.
  • Sempere, Galería Grises, Bilbao.

1970

  • Sempere, Caja de Ahorros Provincial, Alicante.

1972

  • Exposición de gouaches (1953-1960) de Eusebio Sempere, Galería EGAM, Madrid.
  • Sempere. Pinturas y esculturas, Galería Juana Mordó, Madrid.

1973

  • Eusebi Sempere, Galería Alcoiarts, Altea.
  • Sempere, Galería Val i 30, Valencia.

1974

  • Sempere. Pinturas, esculturas y obra gráfica, Sala Pelaires, Palma de Mallorca.
  • Eusebio Sempere. Obra gráfica 1965-1974, Galería 42, Barcelona.
  • Eusebio Sempere, antológica, Galería Edurne, Madrid.

1975

  • Eusebio Sempere. Pinturas de pequeño formato, obra reciente, Galería Rayuela, Madrid.
  • Sempere. Gouaches 1953-60 y esculturas recientes, Banco de Granada, Granada.
  • Sempere, Galería Juana de Aizpuru, Sevilla.
  • Sempere, Caja del Sureste de España, Alicante.
  • Sempere, Sala Pelaires. Palma de Mallorca
  • Sempere, Gallerie Villant et Galeris, Paris
  • Sempere, Galería Theo, Madrid

1976

  • Sempere, Galería Formas, Alicante.
  • Sempere, Galería Hilde Müller, Winterthur.
  • Eusebio Sempere. Obra gráfica i gouaches, Galería Eude, Barcelona.
  • Sempere. Pinturas, Esculturas y Gouaches, Galería Italia, Alicante.

1977

  • Sempere, Galería Rayuela, Madrid.
  • Sempere, Galería de la Mota, Madrid.
  • Sempere, Galería Theo, Valencia
  • Eusebio  Sempere Juan, Ciclo Cultural Villa de Onil, Diputación de Alicante, Onil, Alicante.

1978

  • Eusebio Sempere. Homenaje a Gabriel Miró, Galería Italia, Alicante.
  • Sempere, Galería Sur, Santander.
  • Sempere, La Alhambra, Fundación Rodríguez Acosta, Granada.
  • Sempere, antológica. Galería Theo, Barcelona.

1979

  • Sempere, Galería Torques, Santiago de Compostela.
  • Sempere, Homenaje a Gabriel Miró, Circulo de Bellas Artes, Santa Cruz de Tenerife.
  • Eusebio Sempere. Alhambra, Homenaje a Gabriel Miró y primicias de La luz de los Salmos, Galería Tórculo, Madrid.

1980

  • Sempere. Obra gráfica, Lloc d´Art, Elche, Alicante.
  • Sempere. Exposición antológica (1946-1979,  Salas de la Dirección General del Patrimonio Artístico, Archivos y Museos, Ministerio de Cultura, Madrid.
  • Sempere. Obra reciente, Galería Theo, Madrid.
  • Sempere. Exposición antológica, Caja de Ahorros de Alicante y Murcia, Alicante.
  • Sempere, Galería Juan Gris, Oviedo.
  • Sempere, Museo Municipal de Bellas Artes, Santander.
  • Sempere, Galería Rua, Santander.
  • Sempere, Círculo de Bellas Artes, Santa Cruz de Tenerife.
  • Sempere. Exposición antológica, Museo Nacional Sofía, Sofía, Bulgaria.

1981

  • Sempere, Colectivo Palmo, Málaga.
  • Sempere, Exposición antológica, Sala Luzán, Zaragoza.
  • Sempere. Pinturas y Esculturas, Galería Carmen Durango, Valladolid.
  • Sempere, La luz de los Salmos y otros gouaches, Galería Collage, Madrid.

1983

  • Sempere, Museo Municipal de Bellas Artes, Santander.
  • Sempere, Galerie Dénise René, París.
  • Eusebi Sempere. Pintura. Escultura. Gráfica, Centre Municipal de Cultura, Alcoy, Alicante.
  • Sempere. Cántico espiritual, Galería Tórculo, Madrid.
  • Con Sempere. Sala de exposiciones del Banco Exterior de España, Madrid.

1984

  • Sempere, Palacio de la Magdalena, Santander.

1985

  • Eusebio Sempere 1953-1960, Interarte´85, stand de la Generalitat Valenciana, Valencia.
  • Sempere. Obra gráfica 1946-1982, Banco de Bilbao, Bilbao.

1986

  • Sempere en el recuerdo, Caja de Ahorros de Alicante y Murcia, Alicante.
  • Sempere. Obra gráfica, Galería Estampa, Madrid, Caja Madrid, Caja de Ahorros de Alicante y Murcia, Benidorm, Ayuntamiento de Onil, Onil, Alicante.

1987

  • Sempere. Escultura y obra gráfica, Caja de Ahorros de Alicante y Murcia, Alicante.

1988

  • Sempere, Galería Fernando Silió, Santander.
  • Las cuatro estaciones, Galería Brita Prinz, Madrid

1989

  • Sempere. Obra gráfica, Caja de Ahorros del Mediterráneo, Alicante.
  • Sempere. Galería Juan de Juanes, Alicante.
  • Eusebio Sempere. Gouaches, serigrafías, litografías, Galería Tórculo, Madrid.

1992

  • E. Sempere 1923-1985, Museo Barjola, Gijón.

1993

  • Obra gráfica, Fundación Cultural de la Caja de Ahorros del Mediterráneo.
  • Eusebio Sempere 1923-1985, Casa das Artes, Vigo.

1994

  • Eusebio Sempere. Esculturas, Galería Quorum, Madrid.
  • Sempere. Galería Juan de Juanes, Alicante.

1995

  • Homenaje a Sempere. X aniversario 1985-1995, Palacio Municipal, Alicante.

1997

  • Sempere, Sala Juana Francés, Alicante.

1998

  • Emociones Exactas. IVAM. Valencia.
  • Les etapes de Sempere. La Llotja de Peix. Alicante.

1999

  • Fondos Municipales de Sempere. Esculturas. Castillo de Santa Bárbara. Alicante.

2001

  • Sempere. Paisajes. Museo de Arte Abstracto de Cuenca.

2002

  • Sempere, Galería Garcia Castañón, Pamplona.
  • Sempere. Obra gráfica y múltiples, Museo San Juan de Dios. Orihuela, Alicante.

2003

  • Eusebio Sempere, Casa de la Asegurada, Alicante.
  • Eusebio Sempere, 1923-1985, Academia de España, Roma. Ministerio AAEE.
  • Eusebio Sempere, 1923-1985, Sala Novi Manege, Moscú, Ministerio AAEE.
  • Sempere Espiritual, Centro Cultural de la Villa de Ibi, Alicante.
  • Sempere Espiritual, Centro Cultural de Petrer, Alicante.
  • Sempere i el paisatge, Centre Cultural d´Alcoi, Alicante.
  • Les serigrafíes de Sempere, Centre Ovidi Montllor,  Alcoi, Alicante.

2004

  • Eusebio Sempere, Fondos de la Universidad de Alicante (MUA), Alicante.
  • Eusebio Sempere,1923-1985,  República Checa, Ministerio AAEE.
  • Eusebio Sempere,1923-1985, Fundación Fran Daurel, Barcelona, Ministerio AAEE.
  • Eusebio Sempere, Galería Rosalía Sender, Valencia.
  • Eusebio Sempere, Esculturas, Castillo de Santa Bárbara, Alicante.

2005

  • Sempere i el paisatge, Museo de la Universidad de Alicante (MUA), Alicante.
  • Sempere, XX Aniversario, Galería Quorum, Madrid.
  • Sempere entre amics, Museo de la Universidad de Alicante (MUA), Alicante.

2007

  • Sempere versus Sempere. Una colección pública para Alicante, La Lonja de Pescado, Alicante.

2009

  • Eusebio Sempere. 1954-1984, Museo Salvador Victoria, Rubielos de Mora, Teruel.
  • Los Sempere de Sempere. Coleccion Ayuntamiento de Alicante. Galeria en Nueva YorK.

2010

  • Sempere. Obra gráfica, Sala Antoni García de l´Antica, Escorxador, Ayuntamiento de Tortosa, Tarragona.

2013

  • Sempere. Fondos Obra Social Caja Mediterráneo, Sala de Exposiciones de Elche, Elche, Alicante.

2015

  • De luz será la línea. Eusebio Sempere, Sala de exposiciones de la Universidad Miguel Hernández de   Elche, Elche, Alicante.
  • Sempere en la Casa Bardín, Casa Bardín, Alicante.
  • Eusebio Sempere 1959-1969, Galería Cisne, Madrid.
  • Sempere. De puño y letra. Aula de Cultura de la CAAM, Alicante.

2016

  • Paisajes, Casa de Cultura, L´Afás del Pi, Alicante.

2018

  • Eusebio Sempere en la colección de la Fundación Juan March. Museo de Arte Abstracto Español, Cuenca.
  • Eusebio Sempere y Abel Martín. La música de los números que no existen. Calcografía Nacional, Madrid.
  • Eusebio Sempere. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid.



 


 

 

 


EXPOSICIONES COLECTIVAS

1950

  • Salón des Realités Nouvelles, Paris

1951

  • II Bienal Hispanoamericana de Arte, La Habana.

1954

  • Sempere-Soldevilla, Club Valenciano, Valencia.
  • Exposition des peintres du Collège. Colegio de España, París.
  • Exposition de jeunes peintres Espagnols. Colegio de España, París.

1955

  • Salón des Realités Nouvelles,  Paris.

1956

  • Arte de Vanguardia en París, Museo de Arte Moderno de La Habana.

1957

  • I Salón de Arte Abstracto, Valencia y Pamplona.

1958

  • Cimase, París.

1959

  • Cinco pintores españoles en París, Club Urbis, Madrid.
  • Bienal de Sao Paulo, Sao Paulo.
  • Galería Denis René, París.

1960

  • Grupo Parpalló, Barcelona y Madrid.
  • Bienal de Venecia, Venecia.
  • I Exposición conjunta de Arte Normativo español, Ateneo de Valencia, Valencia.
  • Art Construit, Bruselas, Lieja y Brujas.

1961

  • VI Bienal de Sao Paulo, Sao Paulo.
  • Contrastes de la pintura española, Tokio, San Francisco, Nueva York, Denver, Washington.
  • Pintura española en Helsinki, Berlin, Bonn.
  • Simon Gallery, Los Angeles, EE.UU.

1962

  • Joven pintura española, Tate Gallery, Londres.

1963

  • Pintores abstractos españoles, Ateneo de Madrid, Madrid.
  • Tres pintores en Londres, Galería Marlborough, Londres.
  • Oltre l´informal, VI Bienal Internacional de San Marino, Palacio de la Kursaal, San Marino.

1964

  • Exposición inaugural, Galería Juana Mordó, Madrid.
  • España Libre, Ferrara, Firenze, Valencia.
  • Feria Mundial de Nueva York.

1965

  • The responsive Eye, Museum of Moderm Art, Nueva York.
  • Collage de 5 nacionalidades, Berta Schaefer Gallery Art Nueva York.
  • Spanish panting today, D´Arcy Gallery, Nueva York.
  • Contemporary Spanish artist, Art original Gallery, Connecticut.

1966

  • Op Art, Galería Edurne, Madrid.

1967

  • New Adquisitions, Museum of Moderm Art, Nueva York.
  • Spanische Kunst der Gegenwart, Kunsthalle, Nuremberg, Alemania.
  • Spanish artnow, Astor Gallery, Athens, EE.UU.
  • Exposición Rotor Internacional Concordancia de las Artes, Festivales de España, Valladolid, San Sebastián, Cuenca, Córdoba, Sevilla, Bilbao, Santander, Valencia, Barcelona, Madrid.
  • Signo y Forma, Caja de Ahorros Provincial de Valladolid.
  • Arte Objetivo, Sala de Exposiciones de la Dirección General de Bellas Artes, Madrid.
  • Spanish contemporary art. Sculpture, painting, drawing and prints, The Luz Gallery, Manila.
  • International Sculpture Show case, Steel, Bronze & White marble, Gallery Bertha Schafer, Nueva York.

1968

  • Antes del Arte, Galería Eurocasa, Madrid, Colegio de Arquitectos de Valencia y Kunstverein, Berlin.
  • Mente, Colegio de Arquitectos de Barcelona.
  • Exposición Internavional de Dibujo. Universidad de Puerto Rico en Mayagüez, Puerto Rico.
  • Cinétisme spectacle, Maison de la Culture, Grenoble, Francia.

1969

  • Formas  computadas, Ateneo de Madrid, Madrid.
  • MAN 69, Palacio de la Virreina, Barcelona.
  • Konstruktive Kunst, Bienal de Nuremberg,  Alemania.
  • Lo racional en el arte español de hoy: Droc, García Ramos, Labra, Marco, Orcajo, Plaza, Rueda y Sempere, Escuela superior de Arquitectura, Madrid.

1971

  • Computer assisted art exhibition , Palacio Nacional de Congresos, Madrid.
  • I Muestra de Artes Plásticas, Ayuntamiento de Baracaldo, Vizcaya.

1972

  • Museo de escultura al aire libre, Paseo de la Castellana, Madrid.
  • Homenaje a Manolo Millares, Galería Juana Mordó, Madrid.

1973

  • Constructivismo, Galería René Metras, Barcelona.

1974

  • Miró 80, Colegio de Arquitectos y Sala Pelaires, Palma de Mallorca.

1976

  • Pintores españoles en la Bienal de Venecia, Fundación Joan Miró, Barcelona.
  • Contemporary Spanish Painters en los museos The New Cultural Center, North Carolina Museum of Art, Meadows Museum and Sculture Court, Edwin Ulrich Museum of Art, EE.UU.
  • Crónica de la Pintura española de posguerra. 1940-1960, Galería Multitud, Madrid.
  • Diez años de galería Theo, Madrid.

1977

  • Forma y Medida en el arte español actual, Salas de la Dirección General de Patrimonio, Madrid.
  • Pintura española desde el Renacimiento a nuestros días, Museo de Arte Moderno de Tokio, Museo Metropolitano de Tokio, Museo Municipal de Kitakyushu, Japón.

1978

  • Trienal Europea de Escultura, Paris.
  • Les Semanes catalanes a Berlín .
  • Pintura española del siglo XX, , Museo de Arte Moderno, Mexico.
  • Otra dimensión, Galeria Theo, Madrid, Barcelona.

1979

  • Vanguardia abstracta española, Galería Theo, Madrid; Bienal de Heidelberg; FIAC, Grand Palais, Paris.
  • Grabados españoles contemporáneos, que se presentan en distintas Universidades de USA.

1981

  • Art Espanyol Contemporani. Colecció de la Fundació Juan March, Salas de Exposiciones del Ayuntamiento de Valencia.
  • 5 pintores líricos del museo de arte abstracto de Cuenca,  Sala de Exposiciones Escuela de Artes Aplicadas y Oficios Artísticos de Granada, Granada.

1982

  • Realismoreal, Caja Postal de Ahorros, Almería, Barcelona, Cuenca Granada, La Coruña, Jerez de la Frontera, San Lorenzo del Escorial.

1983

  • La Experimentación en el Arte, Centro Cultural del Conde Duque, Madrid.
  • Espacio 83, Galería Theo, Madrid.
  • En el taller, Galería Rayuela, Madrid; Sempere-Soto, Galería Theo, Valencia.
  • Obra gráfica, Galería Cuatro, Valencia; 15 años de Galería Theo, Madrid.
  • Exposición de grabado abstracto, Sala de Exposiciones de la Caja de Ahorros Provincial de Cuenca.
  • Exposición síntesis de la cuarta temporada, Galería Tórculo, Madrid.
  • Artistas por los derechos humanos, Centro Cultural de la Villa, Madrid.
  • Arte programmata e cinetica 1953-1963. L´ultima avanguardia, Palazzo Reale, Milán.

1984

  • Arte español en el Congreso de los Diputados, Congreso de diputados, Madrid.2017-04-19

 

1986

  • Artistas por la Paz,  Palacio de Cristal, Parque del Retiro, Madrid.

1988

  • Art-Sud, de la image a la paraula, Caja de Ahorros Provincial de Alicante, Alicante.

1989

  • Arte Geométrico en España 1957-1989, Centro Cultural de la Villa, Madrid.

1991

  • La época dorada, Galería de la Caja Provincial de Ahorros de Córdoba, Córdoba.

2002

  • Circa XX,  Centro de Exposiciones y Congresos de Ibercaja, Zaragoza.

2003

  • El Centro de Cálculo, 30 años después, Museo de Arte Contemporáneo de Elche, Museo de la Universidad de Alicante (M.U.A) y Museu d´Art Contemporani d´Eivissa.

2004

  • Fragmentos Arte del XX al XXI,  Centro Cultural de la Villa de Madrid, Madrid.

2005

  • Quince artistas del Mediterráno. Museo de la Nación de Lima, Perú.
  • Acentos, Sala de las Alhajas, Madrid.
  • Modelos, estructuras, formas. España 1957-1979, Centro Andaluz de Arte Contemporáneo (CAAC), Sevilla.
  • La Llinea Roja, Instituto Cervantes, Estocolmo, Centro Cultural Bancaja, Alicante.
  • Grupo Quince, Sala de exposiciones Ignacio Zuloaga y Museo del Grabado, Fuendetodos, Zaragoza.
  • Circa XX. Una Colección Particular, Claustro del Palacio de la Diputación Provincial de Cádiz, Cádiz.
  • Clavesdearte. Colección Circa XX, Sala de Arte Puerta Nueva, Córdoba.

2006

  • La Palabra y la Huella. 25 Aniversario de los Premios Príncipes de Asturias, Sala  Exposiciones Banco Herrrero, Centro cultural de Arte y Exposiciones de Avilés, Asturias.
  • Esculturas, Galería Quorum, Madrid
  • Colección Permanente: obra sobre papel, Museo Universidad de Alicante (M.U.A), Alicante.
  • Arte Español del siglo XX en la Colección del BBVV, Palacio del Marques de Salamanca, Madrid.
  • Transito geométrico, Fundación Chirivella Soriano, Valencia.
  • La Ciudad Abstracta, Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca, Cuenca.
  • Grupo Parpalló, 50 aniversari, Sala Municipal d´Exposicions, Lonja del Pescado, Alicante.
  • Voces Reunidas, Colección Aena, Sala de exposiciones Vimcorsa, Córdoba.

2007

  • Lo(s) Cinético(s), MNCARS, Madrid.
  • El Grupo Parpalló, Centro de Exposiciones y Congresos de Ibercaja, Zaragoza. Centro Conde Duque, Madrid.
  • Lucio Muñoz, dentidad plástica de una generación, Centro Conde Duque, Madrid.
  • Obra Gráfica Original y Múltiples, Galería Rosalía Sender, Valencia.
  • No hay Arte sin Obsesión, Fundación Antonio Pérez, Cuenca. Fundación Caixa Galicia, Ferrol, A Coruña.
  • Línea y Plano, en el arte español contemporáneo, Galería Antonio Machón, Madrid.
  • Plural 2007, Galería Rayuela y Juan Gris, Madrid.
  • El Museo Imaginario de Gerardo Rueda, IVAM, Valencia.

2008

  • Revolución Cinética, Arte Óptico, Museo Nacional de Arte Contemporâneo-Museu do Chiado, Lisboa, Portugal.
  • Millares, Mompó, Sempere, Galería Rayuela, Madrid.
  • Panorama 2008, Galería Rayuela , Galería Juan Gris, Madrid.
  • España. Arte Español 1957-2007, Palazzo Sant´Elia, Palermo, Italia.

2009

  • Modern sSarts.1910-1980 Los orígenes del arte contemporáneo, Colección Pilar Citoler, Sala Vimcorsa,Córdoba.
  • La Vanguardia en la Obra Gráfica. Del Instituto Alicantino de Cultura Juan Gil-Albert, Casa Bardin, Alicante.
  • Los artistas de la época informalista en España en la colección Circa XX, Centro Cultural Palacio de La Audición, Sala de Exposiciones Soria.
  • Derivas de la geometría. Razón y orden en la abstracción española, 1950-75, Museo Oteiza , Alzuza, Navarra.
  • La sombra de Oteiza (en el arte español de los cincuenta), Museo Oteiza, Alzuza, Navarra.
  • Poética del Siglo XX, Museo Regional de Arte Moderno (MURAM), Cartagena, Murcia.
  • Paisatges. Mirades Contemporanees, Centro Municipal de Exposiciones de Elche, Alicante.

2010

  • Escultura, Galería Quórum, Madrid.
  • La sombra de Oteiza (en el arte español de los cincuenta),  Patio de la Infanta de Zaragoza.
  • Arte español en la colección del IVAM. Shanghai Urban Planning Exhibition Center, Shanghai.

 2011

  •  Arte  normativo,Museo Arte Contemporáneo Alicante (MACA), Alicante.

  • Los tesoros de CAM, Lonja de Pescado, Alicante.   

2012

  •  30 Pintores de una Generación Irrepetible, Museo Salvador Victoria, Rubielos de  Mora, Teruel.

  •  Del cálculo numérico a la creatividad abierta, el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid  (1968-1982), Sala de Exposiciones del Centro de Arte Complutense, Madrid.
  • Una mirada española: Manolo Escobar, coleccionista. Centro de Arete de Alcobendas, Alcobendasd, Madrid.

2013 

  • Del cálculo numérico a la creatividad abierta, el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid  (1968-1982),  Museo de la Universidad de Alicante (MUA), Alicante.

  •  Feria Pinta Londres. Galería José de la Mano, Londres.

  • Colección ACB Paular Contemporáneo, Monasterio del Paular, Rascafría, Madrid. 

  • Del cálculo numérico a la creatividad abierta, el Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid  (1968-1982),  Universidad Politécnica de Valencia.

  • Estampa, 2013, Satnd Galería Eude, Barcelona.

  • 60 años de geometría, Sala Llontja  de San Jordi, Alcoi, Alicante.

  • Abel Martín. Serígrafo. Museo Salvador Victoria, Rubielos de  Mora, Teruel.

  • 9915 miradas íntimas. Dibujos de maestros modernos y contemporáneos en colecciones privadas españolas, Fundación Mercedes Calles-Carlos Ballestero, Cáceres.

  • Obras sobre papel, Fundación Helga de Alvear, Cáceres.
  • Op & Cinetic Art Then and Now, Galería Punto, Valencia
  • Los años 70 : Museo de arte contemporáneo Vicente Aguilera Cerni Vilafamés. Centro Cultural Melchor Zapata, Benicàssim, Castellón.

2014

  • Fora de Sèrie. Serigrafíes d´Ibero-Suiza, Museo Arte Contemporáneo Alicante (MACA), Alicante.
  • Generaciones juntas, Galería Fernández Braso, Madrid.
  • 40 años después de los años 70 en Canarias, Fundación Canaria Mafre, La Laguna, Tenerife.
  • Poéticas figurativas en la colecciones del Museo de Bellas Artes de Valencia 1947-2006, Museo Bellas Artes de Valencia.
  • 59 Abanicos de 59 Artistas.,Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca y en el Museu Fundación Juan March de Palma.
  • De Sorolla al Equipo Crónica, MuVIM, Valencia.
  • El arte del coleccionista, Lonja de Pescado, Alicante.
  • 50 x 50 Miguel Hernández en Elche, Museo Arqueológico y de Historia de Elche (MAHE), Elche, Alicante.
  • Buscando la figura, Castillo de Larres, Sabiñanigo, Huesca.
  • Sempere y su círculo en la colección Mariano Yera, Museo de Arte Contemporáneo de Alicante (MACA), Alicante.
  • Libros (y otras publicaciones) de artista: 1947-2013. Fundación Juan March, Madrid.
  • Artistas de la galería, Galería Fernández-Braso, Madrid.
  • Benlliure, 30 años, Galería Benlliure, Valencia.
  • Fons d´una col.lecció, Galería Eude, Barcelona.
  • El trabajo de lo visible, Galería Odalys, Madrid.

2015

  • 60 años de geometría, Museo de la Universidad de Alicante, Alicante.
  • Sempere sempre entre nosaltres, Sala Sant Jordi, Alcoi, Alicante.
  • Espacialismo cromático, IVAM, Valencia.
  • La esencia de una colección íntima. Museo Universidad de Navarra, Pamplona.
  • Colección Mariano Yera. Centro del Carmen, Valencia.
  • Diàlegs. Homenatge a Sempere . Museo de la Universidad de Alicante, Alicante.
  • Sobre paper. Museo de la Universidad de Alicante, Alicante.
  • Los grupos de 1957. Museo Patio Herreriano de Arte Contemporáneo, Valladolid.
  • ReConstructivismo 2.0. Galería Odalys, Madrid.
  • Recordant Sempere. Museo de la Universidad de Alicante, Alicante.
  • Eusebio Sempere. L´Espai d´Art Contemporani la Barbera, Villajoyosa, Alicante.
  • Pintura Contemporánea en la piel del agua, Patio de Comedias, Torralba de Calatraba, Ciudad Real.
  • Contextos Múltiples, Colección Escolano, Centro Cultural de España en Chile.
  • Arte Moderno en el Palacio. Obras contemporáneas de las colecciones reales. Palacio Real, Madrid.
  • Colectivos artísticos valencianos bajo el franquismo. IVAM Centro Julio González, Valencia
  • La obra gráfica de la Colección Román Escolano. CCE Parque España en la ciudad de Rosario (Argentina).
  • Eusebio Sempere / Abel Martín. La música de los números que no existen, MACA, Alicante.
  • Poéticas figurativas, Museo Pio V, Valencia.
  • Contextos Múltiples. Colección Escolano, Centro Cultural de España en Buenos Aires.
  • ABSTRACCIÓN Del Grupo Pórtico al Centro de Cálculo. 1948-1968. Museo Francisco Sobrino, Guadalajara.

2016

  • Va en Sèrie, Museo de la Universidad de Alicante, Alicante.
  • Eusebio Sempere / Abel Martín. La música de los números que no existen, Centro del Carmen, Valencia.
  • Arte sonoro en España (1961-2016). Fundación Juan March, Palma de Mallorca.
  • Hernández Pijuan - Sempere. Signo y Línea en el Paisaje. Museo Salvador Victoria, Rubielos de Mora, Teruel
  • ABSTRACCIÓN Del Grupo Pórtico al Centro de Cálculo. 1948-1968. Galería Guillermo de Osma, Madrid.
  • Els artistes i les col.leccions conversen. MACE, Eivissa
  • La barbería. Historia de un oficio. Plaza de Transcorrales, Oviedo.
  • Arte sonoro en España (1961-2016). Fundación Juan March, Museo Arte Abstracto Español de Cuenca.
  • Arte moderno español. Meadows Museum, Dallas, Texas, EEUU.
  • Conciencia perceptiva, Centro de Arte y Naturaleza, CDAN, Huesca.
  • Arte sonoro en España (1961-2016). Fundación Juan March, Madrid.
  • Campo cerrado. El Arte en la posguerra. Museo Nacional Centro Arte Reina Sofia, Madrid.
  • Destins. Museo de la Universidad de Alicante, Alicante.
  • El Museo de Arte Abstarcto Español, cincuenta añosEl Museo de Arte Abstarcto Español de Cuenca, Cuenca.
  • Conciencia Perceptiva. Arte concreto español en la colección Escolano. Sala San Miguel Viladrich del Palacio Montcada de Fraga.

 2017

  • Discursos premeditados. Centro del Carmen, Valencia.
  • 1950-1990. Arte español en las colecciones de la CARM. De las posguerra a las artes de la transición. MURAM, Cartagena.
  • Conciencia perceptiva. Arte Concreto español en la colección Escolano. Museo Provincial de Teruel.
  • La eclosión de la abstracción. Línea y color en la colección del IVAM. IVAM, Valencia
  • Notas de color. Coleccción MUA. Museo de la Universidad de Alicante (MUA), Sala Arcadi Blasco, Alicante.
  • Eusebio Sempere. Obra gráfica. Sala Ignacio Zuloaga, Fuendetodos, Zaragoza.

2018

  • El principio Asia. China, Japón e India y el arte contemporáneo en España (1957-2017), Fundación Juan March, Madrid.
  • Grandes Genios del arte con discapacidad. VII Bienal de Arte de Madrid. Centrocentro, Madrid.

 


 


OBRAS EN MUSEOS Y COLECCIONES

 

  • Museo de Bellas Artes de Valencia.
  • Museo de Arte Moderno de Barcelona
  • Museo de Río de Janeiro
  • Fogg Museum, Harvard University
  • Museo de Arte Moderno de Nueva York.
  • Museo de Arte Contemporáneo de Madrid
  • Museo de Arte Bilbao Moderno de
  • Museo de Arte Abstracto de Cuenca
  • Museum of Modern Art, Atlanta
  • Brooklyn Museum, Nueva York
  • Achencach Foundation Graphic Art, San Francisco
  • Baltimore Museum
  • Museo de Hamburg, Alemania
  • Museo de Arte Moderno de Sevilla
  • Museo de Arte Moderno, Santiago de Chile
  • British Museum, Londres
  • Museo de Arte Contemporáneo, Villafamés, Castellón
  • Museo Soto, Ciudad Bolivar, Venezuela.
  • Museo de Tel-aviv, Israel
  • Storm King Art Center, Nueva York
  • Seatle Art Museum, Washington
  • Biblioteca Nacional, Madrid
  • Museo de Escultura de la Castellana, Madrid
  • Museo Winterthur, Suiza
  • Colección de Arte Contemporáneo, Lanzarote
  • Sede Consejo de Europa, Estrasburgo, Francia
  • Fundación March
  • Galería Nacional, Sofía, Bulgaria
  • Museo de Bellas Artes de Caracas, Venezuela.
  • The Natinal Museum Of Western, Japón
  • IVAM, Centre Julio González, Valencia
  • Museo Universidad de Alicante, Alicante
  • Fundación General Universidad de Valencia.
  • Fundación Cesar Manrique, Lanzarote
  • Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid
  • Museo Casa de la Asegurada, Alicante
  • Museo Patio Herreriano, Valladolid.
  • Fundación Salvador Victoria. Rubielos de Mora (Teruel)
  • Museo de Arte Contemporáneo de Pedraza, Segovia
  • Museo del Grabado, Marbella (Málaga)
  • Artium, Vitoria
  • Fundación Antonio Perez,Museo Obra Gráfica, S. Clemente.(Cuenca)
  • Fundacion Beaumont. Universidad de Navarra, Pamplona
  • Fundación Helga de Alvear, Cáceres.
  • Colección Circa XX, Madrid.
  • Colección Ars Citerior Comunidad Valenciana.
  • Colección Juan Antonio Elisa Rodríguez Deorador, Madrid.
  • Museo Pablo Serrano, Zaragoza.
  • Colección Mariano Yera.
  • Colección espíritu - materia, Madrid.
  • Colección robert Ferrer i Martorell, Palma (Islas Baleares)
  • Colección Jack Cohen, Líam (Perú)

 

 


ESCULTURAS AL AIRE LIBRE

  • Colección de esculturas Universidad Politécnica de Valencia . “Pirámide”.
  • Colección Bartolomé March. Cala Ratjada, Mallorca.
  • Ermita Nuestra Señora de la Salud de Onil “Homenaje a la Muñeca”.
  • Mural Aeropuerto del Altet, Alicante.
  • Huerto del Cura en Elche “Torre de Babel”.
  • Ciudad de Alcoy. “Pajaro”.
  • Museo de Escultura al Aire Libre del Paseo de la Castellana. Madrid
  • Consejo de Europa. Estrasburgo. “Heleicoidal”
  • Jardines de la Fundación Juan March. Madrid. “Organo”
  • Ciudad de Alicante. “Pirámide” y "Como una estrellla"


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Sempere entre amics

SEMPERE ENTRE AMICS

 

A la hora de organizar una exposición con obras plásticas de los amigos de Eusebio, todos los que le conocimos sabemos que resulta muy difícil realizar una elección, porque fuimos muchos los que encontramos en él a un amigo sincero y honesto, que evitaba en todo momento el protagonismo y  deseaba sinceramente el éxito de los demás.

Creo que muchos pintores habrían accedido a participar en esta exposición. Me atrevo a afirmar que todos a los que se lo hubiéramos pedido, habrían querido estar presentes homenajeando a Eusebio, cuando se cumplen los veinte años de su fallecimiento.

Quiero recordar aquí a aquellos que no estando representados en esta muestra, lo hubieran podido estar.

Aquellos que compartieron con Eusebio inquietudes  plásticas y el deseo de mejorar el panorama artístico en épocas más difíciles que las actuales: Gabino, Genovés, Guinovart, Laffón, Mompó, Palazuelo, Rivera, Sobrino, Soria, etc. Varios de estos artistas formaron parte junto con Sempere de “La memoria que nos une”, exposición que sirvió de inauguración del M.U.A. en 1997.

Los que le acompañaron durante los seminarios del Centro de Calculo: Alexanco, Asins, Delgado, García Asensio, Gómez Perales, Quejido, Salamanca, Yturralde, por citar algunos. En el 2003 pudimos ver una exposición sobre ese grupo en este mismo museo.

Aquellos que se adentraron en la aventura geométrica en unos tiempos en que el informalismo era la corriente en alza: Casado, Caruncho, Labra,  Povedano, etc. Sobre esta corriente pictórica espero que podamos organizar en un futuro próximo una amplia exposición, que refleje adecuadamente las más de cinco décadas de vigencia de esta tendencia en nuestro pais.

Las pinturas ahora expuestas son de pequeño y mediano formato, porque así fue concebido desde un primer momento. Unas obras que poseen la misma calidad que las de grandes dimensiones, pues no creo que tengan que valorarse por su tamaño. En un cuadro pequeño podemos llegar a ver todo lo que el pintor hubiera podido plasmar en uno de mayor formato.

He seleccionado obras que en su práctica totalidad no han sido mostradas anteriormente al público ni han sido reproducidas en catálogo. Sin duda, es otro interés a añadir a la exposición.

Quiero llamar la atención de las piezas que a su valor artístico suman otro de carácter sentimental, aquellas que estan dedicadas a Sempere por el propio artista: es el caso de las de Eduardo Chillida, Roberta González o José Guerrero.

Por ùltimo, quiero dar las gracias a todos aquellos que han apoyado este proyecto: a los responsables del M.U.A, a los artistas y coleccionistas que nos han prestado sus obras.

 

                                                                                  Javier Martín.

                                                                                  Octubre 2004

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Entorno a Sempere

ENTORNO A SEMPERE

- “Si el mundo fuera justo, yo habría puesto en algún sitio un gran letrero luminoso que dijera, encendiendose y apagándose: S-E-M-P-E-R-E”. Vicente Aguilera Cerní.

 

-  “El hombre que se invento la metáfora”. Juan Antonio Aguirre.

 

- “La cueva iluminada por una luz diferente”. Vicente Aleixandre.

 

- “Con sus lineas de color nos va contando, nos va cantando su vida, la de todos nosotros”. Rafael Alfaro.

 

- “El calor de su color, el ritmo del cariño de su color, como prueba del más complejo valor del buen gusto sobre lo moralmente natural”.J.A. Aguirre.

 

- “Es la cuerda sensible y no la cuerda metalizada por la geometría y al alcance de cualquier teorema, lo que hace tan humana la obra rigurosa de Sempere”. Santos Amestoy.

 

- “Los colores de Sempere son los colores de las rocas, de las piedras, de la tierra, el gris blanco, el ocre y el pardo. Sempere ha pintado las intenciones más intimas del aire”. Jean Arp.

 

- “La peculiar figura de Sempere, delicada, nerviosa, ágil y pulcra, estuvo muy cerca de nosotros y gozamos, y a veces sufrimos, su rara personalidad, entrañable, refinada y sensible, pero con un lado oculto, difícil y complicado.” Amalia Avia.

 

- “Me asombraba su enorme convencimiento, su forma apasionada de creerse la pintura”. Isidoro Balaguer.

 

- “E.S. es uno de esos artistas singulares que, al margen de cómodas promociones, ha elegido siempre el trabajo callado y la soledad”. J.M.Ballester.

 

- “Sus imágenes abstractas, con sus formas vibrátiles encierran una parcela del universo”. Antonio Bonet Correa.

 

- “Uno de los grandes eremítas de nuestro arte moderno, como alguien que eligió una senda más apartada y tranquila,...., consiguió crear un universo plástico coherente, riguroso y sensible”. Juan Manuel Bonet.

 

- “Los paisajes de Sempere son una sugerencia, y ello en el sentido siguiente: al verlos, nosotros reconstruimos sensiblemente el paisaje, es nuestra sensibilidad la que ve la primavera, el verano, el otoño y el invierno”. Valeriano Bozal.

 

- “Viste de hermosura y luz no usada las previas descripciones geométricas”. J.M.Caballero Bonald.

 

- “Hay en Sempere una desproporcionada aspiración mística a desapercibirse de la vida, a abstraerse de toda contingencia en pos de una belleza tan rotundamente idéntica a sí misma como sólo puede soñarse del cristal”. Francisco Calvo Serraller.

 

- “Sempere, siempre”. Alexander Calder.

 

- “Sempere, en su clasicismo, es el mejor y el más aristocrático pensador del arte óptico”. John Canady.

 

- “Su obra es, al igual que su apariencia, delicada y harmoniosa, lirica y musical, pero que encierra la fuerza de la claridad: la de un lenguaje plástico que ha sabido encontrar en la desnudez sabiamente; su mas rotundo medio de expresión”.Rafael Canogar.

 

- “Sempere es el continuador de la línea de Mondrian y Vasarely, aportando una sensibilidad particular para el color-línea-luz, contra fondos neutros y abstractos en una estética que podemos considerar como sublimación del tecnicismo”. J.E.Cirlot.

 

- “E.S. permite aludir a la construcción geométrica, al cinetismo y al arte óptico, pero en el entendido que se trata de enfocados que luego hemos de retirar”. José Corredor-Matheos.

 

- “Con ojos débiles / Visión perfecta / Delicado y tenso / Eusebio generoso”. Eduardo Chillida.

 

- “E.S. es la singularidad. En ocasiones la contradicción. Siempre la bondad”. Miguel Fernández-Braso.

 

- “Sempere es para mí el agua, la luz, el dolor”. José A. Fernández Ordoñez.

 

- “Las infinitas paralelas, los delicadisimos cebrados de Sempere,..., nos remiten inmediatamente a paisajes e interiores, luces y sombras que hemos visto y sentido anteriormente y que no son, necesariamente, los mismos que él vió.” Julian Gallego

 

-  “La pasión de la exactitud”. Luis Gordillo

 

- “Todos los colores del mundo extendidos en lineas de amor”. Manuel Hernández Mompó”

 

-  “Sempere logra a través de la geometría algo semejante a lo que hizo Juan Gris en el cubismo. Convertir en arte de Museo una forma escoclástica, apta para minorías”. José Hierro.

 

- “Los gouaches de Sempere nos permiten apreciar las diferencias que separan el registro personal de su sensibilidad de sus colegas y amigos parisinos, bastante más dispuestos que él a entegarse a la fe en la ciencia y la tecnología como fuentes originarias de la creación artística”. Tomás Llorens.

 

- Su acierto ha consistido en juntar dos lenguajes, dos construcciones, que aparentemente parecían heterogéneas si no contradictorias. Por eso ha hecho el arte cinético, geométrico, más trascendido de poesía y sentido nacional que se ha hecho en el mundo. En Sempere no hay sólo conceptualidad. Hay también un rigor, cultura y elegancia.” Josep Meliá.

 

- ”La aportación personal de Sempere consiste en la utilización de la geometría para vulnerarla. Para vulnerarla deliberadamente”.José Mª Moreno Galván.

 

- “Veo a Sempere como uno de estos grandes artistas, empeñado en desigual batalla con la luz, el tiempo y el espacio. Este es el Sempere que me emociona, el poeta acerado, hiriente, tierno”. Lucio Muñoz.

 

- “Una tras otra por el ancho espacio, franjas, concurrencia / en el horizonte numeroso / lindero a su vez / campo”. Pablo Palazuelo.

 

-“Se le hizo justicia a Sempere y su nombre empieza a tener hoy gran resonancia, y no dudo en revelar la excepcional clase de artista desde que vivía en Paris, casi desconocido”. Cirilo Popovici.

 

- Espacio múltiple 

  Unifificada discontinuidad /

  Surcos en el infinito /

  Extraños del paisaje /

  Bisagras del tiempo /

  Imágenes del aire /

  Obstinación perfecta”. Albert Rafols-Casamada.

 

- “Gran artista, fanático y heterodoxo, creador de lenguajes”. Antonio Saura.

 

-“Sempere busca, oscuramente, la expresión de la luz”. Michel Seuphor.

 

- “Eres la geometría salmodiada por el lábil y asiduo desencanto que la noche perfuma”. José Miguel Ullán.

 

- “Mientras numerosos artistas se recrean con la trituración de la pasta que no quiere responder, para Sempere el plano, desde hace tiempo, ha entregado su secreto”. ”Sempere ha dibujado proyectos de alturas sobre los que llueve blanco de un cielo claro. Pinta batallas de lágrimas de alegría”. Victor Vaserely.

 

- “Yo conocí a Eusebio Sempere antes que viniese a Madrid. Luego hemos sido vecinos de estudio, y desde entonces hasta su final, hemos tenido una amistad entrañable”.Vicente Vela.

 

- “Pintor del siglo XXI”. Manuel Viola.

 

-  “Sempere consigue unos verdes saturados, húmedos, que no tienen precedente en toda la historia de la pintura”. Fernando Zóbel.

 

 

 

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Teruel se rinde a Sempere

Teruel se rinde a Sempere

Una colección de obras del escultor alicantino llena desde ayer las salas del museo turolense Salvador Vitoria

26.07.09 -

CONCHA TEJEDOR

| TERUEL

 

Una colección de obras de Eusebio Sempere (Onil, 1923-Alicante, 1985), el más importante artista de la abstracción geométrica y la vibración de los colores, llena desde ayer las salas del Museo Salvador Victoria en la localidad turolense de Rubielos de Mora, con «su extrema sensibilidad» y «su arte misterioso a fuerza de claridad».

Así lo matizó ayer Jesús Cámara, director del Museo, quien destacó el carácter extraordinario de la colección que se expone de serigrafías, esculturas y gouaches-, comisariaza por Javier B. Martín, sobrino de Abel Martín, grabador y amigo de Sempere, así como la belleza de las obras, con su misteriosa vibración de los colores y de la propia luz, quizá la principal aportación de este artista.

Sempere, premio Príncipe de Asturias de las Artes y uno de los creadores más relevantes de la segunda mitad del siglo XX, con obra en los principales museos del mundo, pasó muchos veranos en Mosqueruela, localidad donde nació su pareja Abel Martín, muy cercana a Rubielos, y estas estancias potenciaron su amistad con el pintor Salvador Victoria, perteneciente a la misma generación de la vanguardia abstracta.

Por ello la exposición tiene un significado íntimo para quienes conocieron a Sempere, recordado en «su arte misterioso a fuerza de claridad» por el crítico e historiador del arte Alfonso de la Torre, que ha viajado a Rubielos para participar en una mesa redonda, junto con Javier B. Martín y Jesús Cámara.

Alfonso de la Torre, en un recorrido vital y artístico, ve en Sempere la «historia de un fracaso personal, uno tras otro», nunca ocultado, sino «vindicado, como incentivo de la creación».Según manifestó, «creo que a todos los que amamos a Sempere, lo que justamente más nos atrae, en el sentido de que nos conmociona, es ese mundo delicado y tortuoso que asoma tras el creador. Y que, por una rara vez, une pensamiento y obra».

Alfonso de la Torre, gran conocedor de Sempere y de los artistas de la vanguardia de 1950, evocó por su parte «lo sensible irracional por él transitado», porque «en arte, en los grandes artistas, es sabido que lo sustancial es justamente lo que se nos escapa, lo que no se aprehende, lo que creyéndose sabido se desvanece como el agua fina entre las manos...»

Por su parte, la viuda del pintor Salvador Victoria, Marie Claire Decay, recordó «su intensísimo sentido vital, el mismo que encerraría en la cárcel en alguna ocasión a ese ser fragilísimo, apocado y tuerto que no soportaba, rebelándose, la injusticia», y al «místico y callado revolucionario y tímido ateo que tiene fe en que un día la mayoría arrebate el poder a la minoría».

A París fueron Sempere, Salvador Victoria y tantos otros artistas de esta «generación irrepetible» de la vanguardia de 1950, en palabras de Jesús Cámara, «que trajo a la España oscura de aquellos años el pensamiento libre y el aire del arte nuevo».

 

 

 

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Sempere a contracorriente

 

Conocí a Eusebio en el transcurso de mis años de infancia, adolescencia y juventud hasta su muerte en 1985. De Eusebio recuerdo sus travesuras hacia nosotros, su afán viajero, su miedo a no tener recursos económicos ante cualquier problema grave de salud, y finalmente sus dudas respecto al destino de sus obras y la trayectoria póstuma que iban a tener.

También he ido conociendo a Sempere como artista, muchos años después de su desaparición y por diversas circunstancias empecé a estudiar, recopilar y reunir información sobre su obra. Conociendo a muchos de sus amigos pintores que me hablaron de él y de su época, como ha sido el caso en conversaciones con Canogar, Torner, Antonio Lorenzo, Waldo Balart, Iglesias, Vicente Vela o de galeristas como Antonio Machón, Enrique Gómez Acebo o los Navascués.

De todas estas informaciones recopiladas en mi mente, muchas de ellas no transcritas a papel alguno, he ido profundizando en el conocimiento de Sempere y su obra, y a una de las conclusiones que he llegado es que fue en muchos aspectos un artista a contracorriente de su época.

 

SEMPERE A CONTRACORRIENTE

 

Sempere en su trayectoria como pintor siempre tuvo dudas, como creo que deben existir en cualquier buen artista. Dudas sobre la validez de su obra, sobre su coherencia, Dudas también en cuanto al cuidado y el devenir de sus obras, por este motivo dejó por escrito que fuese su buen amigo Abel Martín el que cuidase de las mismas, responsabilidad que llevó a cabo hasta su muerte.

Estas mismas dudas son las que le hicieron evolucionar e ir dando pasos, investigando el posible desarrollo de su propia obra, a veces a contracorriente de los gustos y preferencias del momento. Circunstancias que en ocasiones hacen pagar al pintor un precio muy alto.

La obra de Sempere, si de pintura hablamos, lo estamos haciendo de obras que hoy serían denominadas de formato pequeño o mediano, pues a excepción de alguna tabla de dimensiones mayores, el resto  no sobrepasan los cien centímetros en su dimensión vertical.

Su coherencia y tesón en su trabajo le hizo renunciar a participar activamente en cuestiones políticas, así podemos citar cuando a principios de los setenta rechazó el carné de militante  del Partido Comunista que le ofreció personalmente Santiago Carrillo, al que respondió “ la disciplina me la impongo yo en mi trabajo. Allí me encontraréis siempre”. No se negó nunca a participar en cualquier causa justa, dando su nombre y ofreciendo alguna obra para sufragar los costes de la misma.

En más de una ocasión se negó a participar como miembro jurado para otorgar algún premio, dado que no quería enfrentarse con todos aquellos que le iban a pedir que fallase a favor de algún amigo o familiar. En cierta ocasión y a este respecto me comentó que un favor así sólo se vería obligado a acceder ante Joan Miró, y si se lo pedía muy encarecidamente.

En cuanto su obra, podemos citar las palabras dichas por dos de sus grandes amigos, el primero Rafael Canogar: “ Sempere que durante la pujanza del  “informal” supo y tuvo la valentía de mantener su independencia, fiel a otras estéticas y cuya evolución fue como su propia vida, un ejercicio continuo de la honradez”. Y el segundo de su amigo conquense Gustavo Torner “Podemos decir de Eusebio, que nunca realizó ninguna obra mala”, con esta frase y conociendo la manera de pensar de Torner podemos interpretar que hay artistas que si bien son reconocidos por unas pocas obras esplendidas, también realizaron muchas no dignas de la misma mano, pero que en el afán de la producción y demanda se dejaron llevar por compromisos de mercado y por comodidad.

Creo que aquellos que le conocieron, coincidirán  conmigo que en Eusebio se  aunaban responsabilidad y honestidad tanto si hablamos de su persona como de su obra.

 

 Javier Martín

Junio 2008

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Sempere: amigo generoso

SEMPERE: AMIGO GENEROSO

 

Eusebio Sempere al igual que otros pintores de su generación, se preguntó: ¿Que ocurrirá con mi obra  y mi colección, cuando yo ya no esté?

Algunos de estos artistas buscaron la solución en vida. Tenemos un primer ejemplo en Fernando Zóbel con Cuenca, ciudad que tanto le debe desde que instaló en “las Casas Colgadas” su colección de arte abstracto español, adquirida personalmente, pieza a pieza con mucho esmero y buen saber, como la historia ha demostrado. Por voluntad propia, este legado pasó a manos de la Fundación March aún en vida del artista.

Similar a la de Zóbel es la solución buscada por Gustavo Torner, con la donación al pueblo español, como a él le gusta decir, de gran parte de las obras que ha creado en su larga trayectoria. Es el Espacio Torner en Cuenca, en el marco incomparable de la iglesia de San Pablo, donde se puede ver una selección de las obras creadas por este artista.

Distinto planteamiento es el de aquellos artistas que confiando en una persona muy próxima y estimada estaban tranquilos del destino y cuidado de su obra. Es el caso de Salvador Victoria y Marie Claire. Gracias a esta perfecta unión vital y creativa disfrutamos de su obra en esta Fundación en la que nos encontramos, lógicamente con la ayuda y apoyo de todos los que creyeron en su proyecto.

Desgraciadamente también está llena la historia reciente de artistas que no contaron con esta suerte de continuidad, y su obra en algunos casos ha desaparecido de las exposiciones, esperando que con los  años alguien se vuelva a interesar por ella, y todos tengamos la suerte de volverla a ver.

Eusebio Sempere, de quien vengo a hablar en mi condición de amigo personal, también quiso “asegurar” su colección (permítanme el juego de palabras con el recinto donde se conserva) donando al Ayuntamiento de Alicante obras propias y su querida colección  personal, formada con significativas piezas de aquellos artistas a los que admiró. Si en el caso de Zóbel la colección fue adquirida gracias a su fortuna personal, en el caso de Sempere fue por intercambio de obra propia, en algunos casos con sus propios amigos artistas y en otros por intercambio con marchantes y herederos. Podemos citar el ejemplo del lienzo de Joan Miró, que intercambió por siete tablas de su propia producción. O el caso del la adquisición del Juan Gris, primer cuadro de este pintor que entró a formar parte de una colección pública de arte español, pues como decía, por esta “Nature morte a la serviette” de 1924, Sempere pagó 74.000 dólares de principios de los setenta.

Sempere tenía estudiados a fondo todos los aspectos sobre las obras que iba a donar, las cuestiones legales, y detalles como los carteles que deberían anunciar la existencia del museo e incluso cuándo debería ser la inauguración. A este respecto quiero citar las propias palabras de Eusebio, pues el ayuntamiento intentaba realizar la inauguración el día principal de la fiestas de la ciudad, a lo que Sempere les contestó: “es una fiesta muy especial (refiriéndose al día de les Fogueres de San Juan) y en cierto modo reñida con el silencioso mundo del arte. Me gustaría que la inauguración fuese un acto muy sencillo y sin discurso por mi parte” (1)

Gracias a la correspondencia entablada en esa época de Sempere con los representantes del Ayuntamiento de Alicante, podemos conocer los temores que el autor albergaba en su interior. En una de ellas dirigida a Ambrosio Luciañez, el que luego seria Alcalde de la ciudad, le dice: “El Ayuntamiento de Alicante debe ser depositario de esta colección y deseo que se pueda encontrar el edificio digno para albergarlo… Debe ser la mejor instalación de nuestro país sin egoísmos por parte de nadie. Sin nombre pues tampoco el mío quiero que figure en el título del Museo o Colección” (2).

En lo referente a las cláusulas legales de la donación, podemos destacar que seguiría siendo válida mientras se siguiese viviendo en un país con una democracia establecida, y que su colección era cerrada, no pudiendo incorporar a ella otras obras. Esto lo realizó para que una vez desaparecido él, nadie pudiera hacer presión para incorporar a otros artistas que no estuvieran a la altura de la colección. Y para terminar con este apartado quisiera aclarar la cláusula mas polémica en su día: en ella Sempere se reservaba la propiedad de cinco obras. Estas eran  “La Montserrat” de Julio González, “Nature morte a la serviette” de Juan Gris, las dos obras de Miró, el lienzo “Femme et oiseaux “ y la escultura del mismo  autor, y por ultimo la escultura de hormigón de Chillida. Ante las criticas por estas reservas Sempere respondió: “Yo tengo que tener conocimiento en mi subconsciente de que no me voy a morir de hambre” (3), haciendo referencia a los años de penuria económica que había conocido.

Debe de ser difícil para un pintor, que en la mayoría de las ocasiones está trabajando en su obra hasta sus últimos días, dejar su producción por un momento y detenerse a pensar en quién o quienes  serán los que van a continuar cuidando y queriendo todo aquello que él ha creado. En primer lugar lo ha creado por la propia necesidad de expresar lo que tiene en su interior, pero también para mostrar a todos aquellos que lo deseen, ese mundo propio y trasmitir las sensaciones que hay en él.

En el mundo actual, el  que recibe la sucesión de ese legado recibe una gran responsabilidad. Derechos y deberes que van indisolublemente unidos. La persona sobre la que cae esta responsabilidad debe ser conocedora de la obra que tiene que velar y defender. Uno de los aspectos más problemáticos es que no sólo se debe de cuidar físicamente de las obras, sino también de la parte intelectual que el legado conlleva. Legado material y legado intelectual forman un conjunto  y no deberían nunca estar separados absolutamente. Pues mala función podría desarrollar aquel que poseyendo el legado del objeto físico no tuviera la obligación de  cuidar también de su parte intelectual. Y al contrario, ¿qué sentido tendría que alguien a quien el autor no ha querido legar su obra creada, fuera el destinatario por ley de cuidar de la parte moral de la misma, para que nadie hiciera mal uso de ella?.

Centrándome ahora en la obra de Eusebio Sempere, quiero recordar que él siempre contó con la inestimable ayuda de Abel Martín. Abel realizaba sus serigrafías o preparaba las tablas sobre las que luego Sempere  deslizaría su tiralíneas. En el campo de la escultura fue en los últimos años de vida de Sempere, en los que Abel más intervino; a partir de un boceto de Sempere,  Abel resolvía cuestiones a veces técnicas, de montaje o de terminación de las mismas, que se iban resolviendo sobre la marcha, formando en estas ocasiones “un verdadero equipo artístico, con los roles bien definidos y asumidos”, como diría  Pablo Ramírez en cierta ocasión (4). Pero “el maño” (era de un pueblo vecino a este de Rubielos, de Mosqueruela, donde Eusebio pasó largas y felices temporadas, descansando, recibiendo visitas de amigos como Zóbel, pintando sus paisajes...) digo que Abel era algo más, era el amigo que le animaba a seguir adelante, el que coordinaba sus exposiciones y el que al final de sus días cuidó de Sempere día y noche. Por ello sólo confió en él para el destino que iba a tener su obra personal.

Me gustaría que en esta exposición también supiéramos ver esa mano en la que tantas veces se apoyó Sempere.

Como muchos de vosotros ya sabréis Abel Martín y Sempere fueron los que introdujeron el método de la serigrafia en España. Estos dos pioneros aprendieron dicha  técnica en los talleres del artista cubano Wifredo Arcay, en el  París de finales de los cincuenta. En dicho taller ya estamparon obras para artistas de la talla de Block,  Mortensen o Vasarely. A su llegada a Madrid Sempere y Martín realizarían uno de los primeros trabajos serigráficos para Lucio Muñoz.  A partir de ese momento y en los años siguientes comenzarían a realizar estampaciones serigráficas para la mayoría de los artistas, muchos de ellos relacionados con nuestra querida Cuenca, como fue el caso de Guerrero, Lorenzo, Millares, Mompó, Rueda, Saura, Torner o  Zóbel.

En cierto momento Abel Martín, al igual que abandonó la producción de su propia obra, llegó a abandonar la estampación de obras para otros artistas, para continuar en exclusiva con las serigrafías de Sempere.

Quisiera contar la anécdota ocurrida  en la exposición-homenaje celebrada en Alicante en 1986, con motivo del primer aniversario del fallecimiento de Sempere. Abel era el comisario de esa exposición, y se encontraba a la entrada de la sala dando unos carteles que se realizaron para la misma. Se le acercaron dos señoras y le preguntaron si el autor se encontraba en la sala. Como les respondió que no, las señoras contrariadas le dijeron que el artista debería de haber acudido a la inauguración, a lo que Abel sin dar mayores explicaciones les contestó con el sentido del humor que siempre le acompañó: “Que más hubiera querido él que estar aquí hoy”.

A Sempere nunca le faltaron amigos, pues él se consideraba amigo de todos. Quiero citar algunas de las frases que algunos de ellos dijeron a propósito de su pintura y su amistad mutua:

- Rafael Alfaro: ”Con sus líneas de color nos va contando, nos va cantando su vida, la de todos nosotros.”

- Rafael Canogar: “Su obra es, al igual que su apariencia, delicada y armoniosa, lírica y musical, pero que encierra la fuerza de la claridad: la de un lenguaje plástico que ha sabido encontrar en la desnudez sabiamente; su más rotundo medio de expresión”.

- Eduardo Chillida: “Ojos débiles / Visión perfecta / Delicado y tenso / Eusebio generoso”.

- Luis Gordillo: “La pasión de la exactitud”.

- Manuel Mompó: “Todos los colores del mundo extendidos en líneas de amor”.

- Manuel Viola: “Pintor del siglo XXI”.

- Fernando Zóbel: “Es difícil hablar claro cuando se mezclan admiración y afecto”. (5)

Pasando a comentar un poco algunas de las obras de la exposición que se inaugura aquí, quisiera hablar en primer lugar de la selección de los gouaches originales que se muestran:

- El primero de ellos es de 1966, y está inspirado en el paisaje, un motivo recurrente en la obra de Sempere, ya fuesen paisajes castellanos o aragoneses. Paisajes pintó durante toda su trayectoria, siendo prácticamente el único tema recurrente de sus últimos años, del 80 al 82. De ellos podemos destacar las dos series de “cuatro estaciones” pintadas en esta época, una sobre tabla y otra sobre papel Canson.

- El siguiente gouache es de 1976. Aquí reconocemos el tipo de obra que va a ser muy característica en la trayectoria del artista, con esa raya fina, colores grises y marrones cálidos de los que hace salir desde su interior esa luz tan personal y propia en la obra semperiana.

- En el tercer gouache, pintado hacia 1978, la geometría es predominante, con una raya ancha y colores puros como es el azul de la obra en cuestión. En esta época Sempere se centra en la investigación de cuestiones perceptivas.

En cuanto a la obra gráfica, se ha realizado una selección representativa de entre las aproximadamente ciento ochenta que realizó a lo largo de su vida. Todas las mostradas hoy aquí fueron estampadas por Abel Martín, a excepción de las cuatro estaciones, obra póstuma de 1988, basada en cuatro gouaches que el pintor realizó en sus últimos años, y a los que antes me he referido.

En el recorrido de sus serigrafías podemos admirar desde las inspiradas en las obras de su etapa de Paris hasta las obras pertenecientes a la carpeta denominada “Cántico Espiritual”, homenaje a San Juan de la Cruz. El número de colores utilizados en ellas es variable y a veces difícil de determinar por el ojo humano. Así es el caso de  la serigrafía “Óvalo, para el Museo de Cuenca”, compuesta de treinta colores, o el “Otoño”, realizada con cincuenta y cinco.

Las obras escultóricas expuestas son múltiples realizados en diferentes fechas, con diferentes tiradas, en algunos casos interrumpidas al fallecimiento de Eusebio. Recientemente la escultura “Pirámide”, de la que aquí podemos contemplar un múltiple a pequeña escala, ha sido instalada en Alicante, tras muchos años en espera de su óptima ubicación. Esa obra fue  donada por los herederos de Abel Martín con el deseo de mejorar la presencia de la obra escultórica de Sempere en la ciudad que él tanto amaba.

Y antes de los agradecimientos quiero hacer también mía la frase de Sempere: “No sé por qué, siempre he creído que hay que hacer algo por los demás”. Y yo en este caso es lo que he intentado hacer con esta exposición, poner mi esfuerzo en que todo aquel que venga a verla disfrute tanto como yo  lo he hecho preparándola.

Para terminar quiero dar las gracias  a Marie Claire y Jesús Cámara, por ofrecernos la oportunidad para exponer en esta magnifica sala, dar las gracias a Alfonso de la Torre por su presencia y, cómo no, también al Ayuntamiento  de Rubielos y especialmente a su Alcalde, por su apoyo en  este programa de exposiciones que nos brinda la oportunidad de ver las obras de los pintores y escultores de una generación irrepetible en el arte español.

 

                                                                                  Javier  Martín

 

                                                                                  Julio 2009

 (*) Texto publicado en el diario "Información" de Alicante el 29 de julio, 2010

NOTAS 

(1) Dossier de Sempere. Archivos Municipales de Alicante. “Eusebio Sempere una antológica 1953-1981”, p.101.

(2) Dossier de Sempere. Archivos Municipales de Alicante. “Eusebio Sempere una antológica 1953-1981”, p.100.

(3) Diario “La Verdad”, de Alicante, 11 de noviembre de 1977.

(4) “Eusebio Sempere veinte años después”, en revista “El Salt”, del Instituto Juan Gil Albert, Alicante, nº 4, 2005, p. 55.

(5) Sempere entre amics, MUA, Universitat d’Alacant, 2006.

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Sempere. Paisajes Miradas Contemporaneas

Eusebio SEMPERE (Onil, Alacant, 1916-1985)

 

No cabe ninguna duda que Eusebio Sempere es uno de los primeros pintores de la segunda mitad del siglo XX en tratar de manera profunda el paisaje bajo una perspectiva geométrica y dentro de la denominada abstracción lírica.

En el año 1962, tras su vuelta a España desde París, comienza a pintar una serie de paisajes con tiralíneas y gouache, técnica ésta que utilizaría durante toda su vida. De este año podemos destacar  el Paisaje de Florencia o el Paisaje con luna llena.

En el año 1965 edita una carpeta con cuatro serigrafías denominada Las cuatro estaciones, que tienen como inspiración los diferentes paisajes de las estaciones del año, motivo recurrente en sus pinturas.

En Paisaje utilizó -como era habitual- el gouache aplicado con el tiralíneas y la regla sobre el papel Canson, originando esas líneas que tanto caracterizarían sus obras. Uno de los secretos para la realización de la pintura era que el tiralíneas no quedase sin gouache a mitad de la línea a trazar. En algunos paisajes, Sempere emplea la gama cálida de los colores terrosos y, separados por una imaginaria línea de horizonte, dispone la gama de los colores fríos y azules. En estas ocasiones solía representar paisajes castellanos y aragoneses en la estación de otoño, cuando los campos se muestran desnudos, sin el color del cereal u otro cultivo. En otras ocasiones utilizaba los tonos verdes que tanto caracterizan sus obras, esos verdes que su gran amigo Fernando Zóbel definiría como “verdes saturados, húmedos, que no tienen precedente en toda la historia de la pintura” (1).

 

(1). Sempere entre amics, M.UA, Alicante, 2006.

 

Javier Martín

junio 2009

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La Serigrafía: Oficio o Arte. Sempere-Martín

LA SERIGRAFÍA: OFICIO O ARTE. Sempere-Martín

OBRA GRÁFICA ORIGINAL

Como obra gráfica original podemos entender toda obra de arte estampada sobre papel con la intervención directa del artista. Este concepto es importante tenerlo claro para dar el valor artístico que merece cualquier obra realizada mediante el método de la litografía, grabado, serigrafía  u otros.

Para clarificar mejor el concepto de obra gráfica original, voy a citar a modo de referencia algunos de los principios establecidos en el III Congreso Internacional de Artistas, que se celebró en Viena en 1960.

- Son obras gráficas originales aquellas en las que el propio artista ha realizado la plancha original.

- Para ser reconocido como original, cada ejemplar  debe llevar la firma del artista, una indicación del total de la edición y el número de serie de la misma.

- Es el artista el que establece la técnica a utilizar y el número de la tirada, numeración que vendrá indicada en cada una de las obras.

- La estampación de cada prueba puede realizarse por el artista o persona distinta.

- Una vez realizada la edición, las planchas o pantallas utilizadas deberán ser destruidas o anuladas.

- Las pruebas de estado y de artista deben limitarse a un diez por ciento de la edición y llevar la indicación correspondiente.

MÉTODOS DE LA OBRA GRÁFICA ORIGINAL

Los procedimientos más frecuentes, podemos dividirlos en cuatro grandes grupos:

- Técnicas de grabado en relieve: Xilografía, Grabado al boj, Linografía, Aguafuerte en relieve, etc.

- Técnicas de grabado en hueco: Buril, Punta seca, Aguafuerte, Aguatinta, Grabado en seco, etc.

- Técnicas  planográficas: Litografía.

- Técnicas plantigráficas: Serigrafía.

LA SERIGRAFÍA

Para encontrar su origen podríamos remontarnos a las pinturas rupestres, por su similitud con el procedimiento del “estarcido” con que los hombres prehistóricos dejaban grabada la huella de su mano en las paredes. Más tarde los antiguos egipcios lo utilizarían en los murales, y los chinos en la estampación de tejidos. El procedimiento inició su revitalización en la Inglaterra del siglo XIX, al igual que en Francia, donde se utilizó como método en la estampación textil industrial.

A principios del siglo XX Samuel Simón, de Manchester, patentó la serigrafía tal como la podemos entender en nuestros días, consistente en el montaje de plantillas sobre una pantalla de seda. Pero no fue hasta la mitad del XX cuando los artistas más partidarios de la socialización del arte se volcaron en él, dándole el rango artístico y  la difusión que ahora tiene.

En España la serigrafía fue introducida de manos de Eusebio Sempere y Abel Martín. Estos dos pioneros aprendieron dicha  técnica en los talleres del artista cubano Wifredo Arcay, en el  París de finales de los cincuenta. En dicho taller ya estamparían obras para artistas de la talla de BlockMortensen o Vasarely. A su llegada a Madrid Sempere y Martín realizarían uno de los primeros trabajos serigráficos para Lucio Muñoz.  A partir de ese momento y en los años siguientes comenzarían ha realizar estampaciones serigráficas para la mayoría de los artistas, muchos de ellos relacionados con nuestra querida Cuenca, como fue el caso de Guerrero, Lorenzo, Millares, Mompó, Moya, Rueda, Saura, Torner o  Zóbel.

Abel Martín llegó a realizar varias serigrafías para Antonio Saura,  con una  estrecha amistad y colaboración. A modo de anécdota, Abel decía entre bromas que a Saura le gustaban más los colores resultantes de las serigrafías que los del original. En propias palabras de Abel: “Yo recojo la obra y la serigrafío. No depende de mi interpretación. Depende de la obra. Sólo cabe buscar una pureza en el trabajo, una limpieza, una perfección”. En su modestia precisaba: “Lo mío es oficio y no arte”.

El método serigráfico consiste en el preparado de un simple bastidor de madera o metálico y de dimensiones algo superiores a las que tendrá la serigrafía, se tensa sobre él una malla de seda o de cualquier otro material de estructura reticular. Esta malla o retícula será más o menos tupida según las características de la serigrafía a realizar y de la naturaleza del material que se emplee. Bajo el bastidor se coloca el boceto, dibujo o imagen a serigrafiar, que se transparentará a través de la malla y sobre la que se calcará esa imagen, Se realizarán tantas pantallas como colores vaya a tener la obra, y éstas se irán transportando al papel. Este transporte o calcado constituye el quid de los distintos procedimientos serigráficos y lo que dará la talla del autor de la serigrafía.

Una vez conseguidas las pantallas y seleccionado el papel sobre el que se va a realizar el estampado, se procederá a colocarlo bajo la pantalla, cuidando, si se van a emplear distintas tintas, o sea distintas pantallas, la exacta coincidencia o registro de cada estampación sobre la anterior. A continuación se extiende con una racleta o rasqueta la tinta sobre la pantalla, que pasará al papel a través de la malla. Efectuada la operación con el número de pruebas que componen la edición de la serigrafía, se repite la operación con las restantes pantallas de los distintos colores hasta conseguir la obra terminada.

Vamos a concluir este breve resumen sobre la serigrafía, hablando de ciertos términos que creo pueden ser esclarecedores para todos aquellos que quieran acercarse a esta técnica. Son términos que son necesarios comprender, para apreciar y distinguir mejor la obra grafica:

- Bon a Tirer: tras realizar las pruebas necesarias, es el ejemplar que el autor escoge como modelo definitivo  para estampar.

- Tirada: es el número de estampas que constituyen una edición; estas van numeradas con una primera cifra que  corresponde al número del ejemplar y una segunda que nos indica la totalidad de la edición.

- Prueba de Artista (P. /.A): son estampaciones de una tirada que el artista guarda para su uso personal. En ocasiones van numeradas con cifras romanas.

 - Hors Comerse (H.C.): son estampaciones que el artista suele destinar como regalo a sus amigos o a personas que han colaborado en el proceso serigráfico.

 - Prueba de Estado: son las estampaciones anteriores, o en algunos casos posteriores, a la estampación definitiva debidas a cambios realizados por su autor en la plancha. No suele darse en el método serigráfico, sí en la litografía.

En la serigrafía los artistas creadores trabajan en íntima colaboración con el serígrafo,  el cual, con su experiencia y buen oficio asesora al artista. Es en este caso en el que los resultados son más excelentes.

  

   (*) Texto basado el el articulo escrito por Santiago Martín.  Concejalia de Culltura, Ayuntamiento de Alcora, 2010

 

                                Javier Martín.

                                   Alicante,  2007

 

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