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Entrevista 10 + UNA. Colección espíritu - materia

Entrevista 10 + UNA. Colección espíritu - materia

Por Javier Martín

 

dario villalba. coleccion esipritu materia. entrevista 10 + una

Darío Villalba: Noche oscura.
Obras en la Colección espíritu – materia
Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada

 

 

La labor del coleccionista de arte suele ser una dedicación callada, alejada de los grandes titulares y de las manifestaciones públicas, lo que no quita su compromiso con la sociedad y con los propios artistas que configuran su colección. Wierner H. Kramarsky, propietario de una de las colecciones más prestigiosas y activas del panorama del arte contemporáneo de Estados Unidos, que ha centrado su interés en el dibujo como lenguaje artístico autónomo, comentó: “Cuando la gente empieza a hablar de ti como coleccionista, es peor que la muerte porque ya no quiere volver a hablar de las obras. Lo importante es la obra”.

 

1. ¿En qué año comienza a conformarse la Colección espíritu – materia? y ¿cuáles fueron las primeras obras adquiridas?

Las primeras adquisiciones datan de 1980, todavía en época de estudios y dentro de una familia modesta, por tanto con reducidísimos medios económicos, aunque entonces no existía, por supuesto, la idea consciente de formar una colección. Hasta ese momento parecía que la posesión de arte era algo inalcanzable, pero no era así: la obra gráfica, hasta la de artistas reconocidos, era relativamente asequible.

Las primeras compras fueron serigrafías y grabados de artistas como Tàpies, Sempere, Rueda, Guerrero, Mompó, Guinovart, Zóbel o Saura, adquiridos con la asignación paterna y tras vender una pequeña colección de sellos. La primera pintura fue un lienzo de Fernando Zóbel comprado en 1984, al poco de fallecer el artista. A raíz de esta compra se estableció contacto personal con otros artistas del posteriormente denominado grupo de Cuenca, especialmente Gerardo Rueda y Gustavo Torner, que pronto formarían parte esencial del núcleo de la colección. La primera escultura fue una obra de Sergi Aguilar.

Al principio, el deseo era reunir algunas obras que poder disfrutar en casa, pero con el tiempo se fue aspirando a un número más extenso, aunque no se pensó en formar la colección que ha llegado a ser. Creemos que se empieza a hablar de colección, o a ser plenamente conscientes de su existencia, cuando se tiene la necesidad compulsiva de comprar obras, aún a sabiendas de que ya no se pueden poner en casa –por más que se llenen las paredes de suelo a techo y las esculturas interrumpan el paso- y te ves obligado –con toda la frustración que ello conlleva- a dedicar parte de la casa a almacén de unas obras que quizá nunca puedas contemplar, pero que están día a día en tu memoria y son básicas para poder entender y valorar el conjunto.

 

2. Siendo una colección compuesta por artistas españoles ¿cuáles son los pintores que están mejor representados?

La Colección espíritu – materia es un tanto atípica. Por lo reducido de los recursos económicos disponibles hubiera sido imposible pretender reunir una colección de arte internacional, por lo que se ha centrado en el arte español –más económico-, sin que ello implique ningún menoscabo en la categoría de los artistas, dado el excelente momento que ha vivido el arte español del siglo XX. Pero, además, lejos de pretender ser un repertorio exhaustivo del arte español de las últimas décadas, ni de alguna de sus tendencias, opta por representar muy ampliamente solo a algunos creadores, cuya específica intensidad “espiritual” y/o matérica ha servido de nombre a la colección.

Así, la Colección se inicia con obras de 1954 y llega hasta la actualidad, pero –y eso es lo que la hace peculiar- con obra de muy pocos y escogidos artistas, poco más de una treintena. Dentro de ellos, los artistas mejor representados son, por orden alfabético: Elena Asins, Juan Bordes, Guillermo Lledó, Eva Lootz, Pablo Palazuelo, Gerardo Rueda, Eusebio Sempere, Jordi Teixidor, Gustavo Torner, Darío Villalba y Zush.

 

3. ¿La Colección espíritu - materia intenta adquirir lo que le gusta o también rellenar vacíos en la colección?

Nunca se ha comprado con otro criterio que el de la calidad de la propia obra, aunque llega un momento en que a la hora de plantearse una nueva adquisición no se piensa sólo en la categoría específica de ésta, sino también en su interrelación con las demás, en el sentido en que hace más evidente el significado del conjunto, lo refuerza, lo enriquece o, a veces, lo altera.

La esencia del coleccionismo, siempre, es querer tener más y mejor, no estar nunca plenamente satisfecho con lo que se ha reunido.

Por otra parte, es evidente que pretender “rellenar vacíos” en una colección así sería una tarea imposible, porque no hay vacíos, sino océanos imposibles de cubrir. Decenas y decenas de excelentes artistas que no están representados. Lo cual no es un problema cuando no se tiene la intención de mostrar un panorama histórico –ni siquiera medianamente completo- de lo que ha sido el arte español de la segunda mitad del siglo XX.

Lo grave, en una colección así, es no poder adquirir una pieza concreta de uno de los artistas que la integran. Dolorosa situación que, por desgracia, ocurre a menudo. Por el contrario, es muy gratificante haber “perseguido” alguna obra capital durante años y, al final, conseguirla.

 

4. En el mes de enero se ha inaugurado en el CEART Centro de Arte Tomás y Valiente de Fuenlabrada la exposición Darío Villalba: Noche oscura. Obras en la Colección espíritu – materia,  comisariada por Alfonso de la Torre, ¿cómo ha sido la selección de las obras?

No ha sido necesario realizar ninguna selección porque la exposición se ha montado con las setenta obras de Darío Villalba que hay en la Colección. En realidad, la “selección” se hizo poco a poco a la hora de adquirirlas y elegir esas y no otras.

Como se indica en el catálogo de la exposición, el conjunto de obras de Darío Villalba reunido por la Colección manifiesta, inevitablemente, una mirada particular hacia su obra, una elección y una insistencia en ciertos temas, al margen de los imperativos de una visión historiográfica cuyo fin último hubiese sido dar cabida a todas las etapas, facetas y temas de la producción del artista. Mas, siendo, como es, un conjunto verdaderamente significativo en número, importancia y representatividad de las obras, abarca, sin proponérselo, treinta y cinco años de su ya larga trayectoria creativa, ofreciendo así una amplia visión de su creación.

En este sentido, Francisco Calvo Serraller concluye su texto en el catálogo de la exposición señalando su sorpresa “ante una selección de obras tan admirable y representativa de este singular creador” y cómo “nunca como ahora, una colección ha mostrado mejor el espíritu de este artista”.

El propio artista, con cuyo apoyo y entusiasmo se ha contado desde los inicios del proyecto, ha querido dejar constancia de su satisfacción en un texto escrito para el catálogo, que nos permitimos reproducir aquí: “Agradable sorpresa, sorprendente exposición de una colección que ha ido fraguándose en los últimos años. Una colección profunda, razonada, que alcanza las cotas más altas de mi quehacer continuado. Esta colección es tanto más sorprendente como visceral en una elección que siempre ha estado atenta a las máximas fundamentales de mi trabajo. Al repasar los últimos años, veo que esta colección cada vez se agranda más, ya que podría decir que su hilo conductor no es otro que la emoción. Evidentemente, la emoción plástica se une y fortalece a la emoción vital, que sin duda, es la protagonista de esta insospechada colección, hoy exposición. No puedo decir mucho más, ya que el festival visual que presenta es la mejor tarjeta de identidad de mi labor creativa”.

Estas generosas palabras de Darío Villalba son el mejor regalo para un coleccionista. Nos reconforta mucho contar con su reconocimiento y que esté tan satisfecho con el resultado, porque en gran medida esta exposición se planteó también como un regalo -y en parte una sorpresa- para él, y desde el principio confió plenamente en todos nosotros. Aunque, hay que decirlo: el proyecto era realmente atípico. No recordamos ninguna otra exposición de un artista en activo en la que el propio artista no colabore directamente, y, además, todas las obras expuestas pertenezcan a una sola colección privada.

Por todo ello, ha sido muy grato darnos a conocer como Colección con la exposición de Darío Villalba, excepcional persona y genial artista. Y estamos realmente muy contentos con el resultado obtenido. Tanto el catálogo como la exposición han quedado magníficos, gracias al apoyo y el esfuerzo de todos, pero muy especialmente del propio CEART y Ayuntamiento de Fuenlabrada, y del comisario, Alfonso de la Torre. Esperamos que muchas personas puedan verla y disfrutarla porque permanecerá hasta el 26 de abril en horario de 17:00 a 21:00 horas todos los días de la semana.

 

5. ¿Qué exposición les gustaría montar con los fondos de la Colección?

Tras ésta dedicada a Darío Villalba, que ha sido la primera hecha íntegramente con fondos de la Colección, no nos hemos planteado ningún proyecto concreto, pero, lógicamente, como a cualquier coleccionista, apetecería una exposición con una selección de la colección, o cualquier monográfica de alguno de los artistas mejor representados, aunque también parece muy sugerente la posibilidad de montar una serie de exposiciones enfrentando parejas de artistas formalmente opuestos, como, por ejemplo, Bordes/Lledó, Teixidor/Zush o Asins/Villalba.

 

6. ¿Cuál es el dialogo que puede establecerse entre un lienzo desgarrador de Darío Villalba y un Cuarteto prusiano de Elena Asins?

Es un error verlos, en el fondo, como opuestos. Si la obra de Darío Villalba nos enfrenta a temas vitales y dolorosos es para aspirar a una redención que tiene mucho de religiosa y nos ofrece el consuelo de una catarsis y el deseo o la esperanza de otra vida. La geometría “imperfecta” de Elena Asins, utilizada como máxima expresión de la razón humana, aspira por todos los medios a eludir y superar nuestra pura materialidad elevándonos a un plano más espiritual.

En el fondo son dos formas sólo aparentemente opuestas de llegar a lo “sublime”, término que tal vez esté algo pasado de moda. Ya sea a través de un camino en un primer momento más emotivo o dramático, en el caso de Villalba, o a través de lo apolíneo, geométrico y musical, y por ello mismo más inquietante, en el de Asins. Pero al final el resultado es el mismo: intentar trascender nuestra condición humana, o al menos encontrar en el arte un consuelo a todas las insatisfacciones de la vida, hacerla más intensa y más rica. Enfrentar dos caminos tan “opuestos” formalmente resulta absolutamente sugerente, porque se contestan potenciándose uno al otro.

 

7. ¿Qué les atrae de las piezas de Guillermo Lledó?

Es difícil hablar de una obra tan seria, consecuente, serena y rigurosa, pero a la vez tan dolorosamente humana, como es la obra de Lledó. Así, en pocas palabras, sólo podemos decir que desde que vimos el stand monográfico de la Galería Egam en Arco 82, con sus “palés” de madera –uno de los cuales entró mucho después en la Colección-, quedamos profundamente impresionados. Después, cuando hemos ido conociendo mejor su obra, no ha hecho más que confirmarse nuestra admiración.

 

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Madera 1. 1981
Guillermo Lledó

 

Es un caso muy similar al de Juan Bordes, cuya obra nos impresionó y atrajo siempre, desde aquella mítica exposición en la Galería Fernando Vijande en 1983. Un escultor sorprendente, con la sabiduría multidisciplinar de un artista renacentista, lo que, quizá, ha eclipsado la importancia de su obra escultórica. Curiosamente, ambos son artistas de muy escasa y concentrada producción. Sería muy interesante verlos dialogar enfrentados en una exposición.

 

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Cariátide. 1980-83
Juan Bordes

 

8. De todos los autores que componen su colección ¿cuál creen que necesita más una gran exposición para realizar una revisión de su trayectoria?

Al no estar integrada la Colección por lo que ahora se denomina artistas “emergentes”, se puede decir que la mayor parte de los que la componen han obtenido ya, si no el reconocimiento público -y sobre todo internacional- a la escala que merecen, sí, desde luego, la unanimidad de la crítica. Muchos de ellos han tenido ya su exposición retrospectiva en el MNCARS, como Asins, Gordillo, Palazuelo, Rueda, Tàpies, Torner, Villalba, Zóbel o Zush/Evru.

Por contestar de alguna manera a la difícil pregunta, citaremos a cuatro escultores que cuentan con nuestra admiración y nos parece precisan una revisión de su importantísimo trabajo. En primer lugar, los ya citados Juan Bordes y Guillermo Lledó, dos grandes escultores poco reconocidos. Pero también Sergi Aguilar y Eva Lootz, esta última más presente en el panorama artístico. Igualmente a un excelente pintor que, aún siendo sobradamente conocido, no ha contado aún con una exposición en el MNCARS que revise toda su obra: Jordi Teixidor. Y no podemos dejar de citar a Eusebio Sempere, uno de nuestros más grandes artistas cuya obra, algo olvidada, está pidiendo una amplia retrospectiva que le coloque de nuevo en el importante y singular lugar que merece.

 

9. ¿A qué institución creen que corresponde el realizar la revisión histórica de nuestros artistas de la década de los cincuenta?

Suponemos que si la obra de estos artistas es de la máxima categoría, como entendemos, correspondería al Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía mostrarlos para el conocimiento y reconocimiento de todos.

 

10. ¿Qué opinión tienen sobre el cierre del Espacio Torner en Cuenca?

La rica, inteligente, intensa y variada obra de Gustavo Torner es parte muy esencial del núcleo y eje de la Colección.

Los que hayan visitado el Espacio Torner en Cuenca habrán captado que no es un museo más, sino una instalación artística en la que contenido y continente se aúnan formando un todo indisoluble y muy difícilmente modificable que acaba siendo, sin duda, su mayor y más importante obra. Por tanto, el cierre temporal del Espacio Torner nos empobrece a todos, no sólo a los conquenses, por eso esperamos y deseamos que pronto se solucione la situación y vuelva a abrir al público.

 

+UNA. Para finalizar, adjunten unas palabras a cada uno de los siguientes nombres o términos:

Omphale

Una de las más bellas series de Pablo Palazuelo.

Para Manolo Silvela. In Memorian

Excelente obra de una serie magnífica, dentro de una obra magnífica, como es la obra de Gerardo Rueda.

La demente

Icono básico de la obra de Darío Villalba.

Scale

La obra de Elena Asins es siempre admirable y perturbadoramente poética.

Retablillo de la cruz

Con su genialidad Sempere demuestra que el gran arte que se sirve de la geometría no tiene por qué ser sólo “arte geométrico”. Su depurado y ascético quehacer lo llena todo de suntuosa espiritualidad.

Fracasado homenaje a Shakespeare: no es Ofelia

Indudablemente una de las obras maestras de Gustavo Torner. Una obra desgarradoramente sublime que condensa a la perfección todo su pensamiento y hacer.

 

fracasado homenaje a shakespeare no es ofelia.gustavo torner.coleccion espiritu-materia.entrevista

Fracasado homenaje a Shakespeare:
no es Ofelia
. 1970.
Gustavo Torner

Imagen cortesía del artista


Entrevista realizada por Javier Martín en febrero de 2015.

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