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Ars Citerior

Entrevista 10 + UNA a Enrique LARROY

Entrevista 10 + UNA a Enrique LARROY

Por Javier Martín

 

entrevista 10 + una.enrique larroy

Enrique Larroy

(Zaragoza, 1954)

Imagen cortesía del artista

 

 

En los primeros años de la década de los setenta su trabajo pasa por diferentes estadios desde la neofiguración hasta la fotografía, pasando por el expresionismo y surrealismo. En 1974 inicia el desarrollo de la serie Lunares, donde el círculo siempre blanco es el protagonista del lienzo.

A finales de 1975 y hasta 1979 su actividad está exclusivamente centrada en el Colectivo Plástico de Zaragoza. Desde 1980 hasta 1983 su obra tiene carácter dadaísta. En 1984 se centró en el paisaje y la crítica social. A principios de los noventa se produce el gran cambio, con lienzos de fondos planos, geometría y zonas a modo de pliegues. Desde 1998 las formas geométricas llenan el soporte y ofrecen movimiento a la pieza. A partir del 2000 su obra se caracteriza por la superposición de planos que ocultan estructuras pintadas con anterioridad, en las que se percibe un enfoque y desenfoque en las formas, como en un proceso de visión previa a través de un catalejo.

 

entrevista 10 + una.enrique larroy. insistentemente mareados

Insistentemente mareados. 2005

Imagen cortesía del artista

 

Los gustos del autor se reflejan en sus series: “Me gustan los laberintos de espejos, los faros marinos, las luciérnagas, los fuegos de San Telmo y los artificiales también, las exposiciones de James Turrell, vestir una sombra como hacía Cortázar, los catalejos y los caleidoscopios, los horizontes de sucesos, la Torre Tavira de Cádiz, la psicodelia, los magos y los ilusionistas, el conocimiento secreto de David Hockney, la cámara oscura y la cámara clara”.

 

entrevista 10 + una.enrique larroy. especular 13

Especular 13. 2011

Imagen cortesía del artista

 

 

1. Licenciado en Filología Hispánica, a principios de los setenta entra de lleno en el mundo  de la pintura. ¿Cómo se realizó ese cambio?

Yo no lo entiendo como un cambio sino como un desarrollo lógico. La enseñanza reglada de bellas artes en aquellos años no se percibía como un sistema enfocado al desarrollo de un pensamiento crítico. Una gran parte de los artistas de mi generación optaron por un aprendizaje autodidacta y con otro enfoque en cuanto a la formación académica.

 

2. A mediados de los setenta formó parte del Colectivo Plástico de Zaragoza, cuya actividad se centró en la pintura de murales callejeros. ¿Había en este medio de expresión una denuncia política exclusivamente o también una finalidad plástica?

El Colectivo Plástico de Zaragoza (CPZ) surgió como decantación de una parte de la Asamblea Permanente de Plásticos y otras actividades colectivas desarrolladas en los años anteriores a la muerte de Franco. Lo formamos nueve personas y duró desde 1975 al otoño del 79, cuando lo disolvimos. Se planteó como un grupo de acción e investigación plástica sobre el terreno y en momentos convulsos. Independiente políticamente y cerca de los movimientos sociales. De los pintores, yo era el más joven y sin duda esa etapa formó parte importante de mi aprendizaje. Lamentablemente, Concha Orduna falleció, pero los demás seguimos siendo amigos. Eso está bien.

 

3. La restauración de obras de Dan Flavin ha dado muchos quebraderos de cabeza a coleccionistas, restauradores y herederos del artista. Cuándo un pintor ha utilizado materiales que se han dejado de fabricar, como en su caso el color chicle suministrado por Zatex, ¿cree que ante un siniestro de la obra, la restauración será imposible?

El otro día, lógicamente entre artistas, hablábamos de las características inflamables y tóxicas de las pinturas. En realidad dialogábamos metafóricamente sobre el sentido de la pintura hoy en día, cuando llegamos a la conclusión de que sencillamente será el Ministerio de Sanidad el que prohiba la pintura al óleo. Bromas aparte no podemos olvidar que las obras cambian con el tiempo y que los restauradores cada vez trabajan mejor y hay muchos productos similares en el mercado. En el caso concreto de este pigmento rosa, se realiza un comentario en el catálogo de Chapa y pintura que está dirigido a llamar la atención sobre la realidad de que la crisis actual también se ha llevado por delante a pequeñas empresas que, desde hace mucho tiempo, realizaban un cuidadoso trabajo.

 

4. ¿Qué características especiales tiene su instalación Insistentemente mareados, para que siga creciendo desde 2003 su número de piezas ensambladas?

Pinto lento y me gusta ver crecer los cuadros, pero también trabajo con el ocultamiento de parte de las obras durante el proceso de realización. El azar interviene como parte del juego. Un cierto azar y una desmemoria visual intervienen a lo largo del recorrido en el que se va construyendo el cuadro a la espera de un sobresalto. A la manera de los sobre sorpresa. Me interesa una pintura inestable pero no caótica, sustentada en el color y en una cierta geometría.

En ese sentido pinté Insistentemente mareados, en el año 2003. Como un tríptico de gran formato con telas superpuestas con bastante desequilibrio interno. Surgió la posibilidad de volverlo a exponer y es en ese momento cuando constato que esas telas superpuestas levemente y que permiten que pueda circular el aire entre las capas, es lo mismo que intento realizar en mi pintura cuadro a cuadro. Y decido comenzar un proyecto de obra abierta cercana a una instalación en la que la adecuación al espacio concreto mediatice su montaje. Entonces comienza a crecer. Ahora, Insistentemente mareados.05 está en 15 piezas.

 

5. ¿En sus obras la regla es la excepción de la excepción?

En mi pintura las lineas rectas parecen rectas pero son apariencias. Las reglas se curvan y se adaptan a la búsqueda de la vibración crómática. Como en una paradoja voy al encuentro de la contradicción. Me gusta la geometría pero la utilizo irreverentemente. Me aburre la norma. En la manera de pintar me acerco más a los procesos de un tipo de trabajo figurativo que abstracto. Me atraen especialmente los procedimientos manuales del oficio pero procuro no hacerlo muy bien. Supongo que tengo un cierto desencuentro conmigo mismo que quiero dejar traslucir.

 

6. En 2011 presentó la serie Especular. ¿Qué le atrae de los laberintos de espejos?

La exposición Especular (de Popova a Matilde Pérez) efectivamente se presentó en 2011 en la Sala Juana Francés de la Casa de la Mujer de Zaragoza (un espacio modélico en su trayectoria expositiva) como consecuencia de una investigación plástica a la búsqueda de relaciones entre mi trabajo y el de cinco pintoras relevantes del siglo XX: Liubov Popova, Lee Krasner, Helen Frankentaler, Bridget Riley y Matilde Pérez. El resultado acabó siendo muy gratificante. En esa batidora mezclé ingredientes muy diferentes con mucha libertad y sin duda me abrieron nuevos caminos. El resultado fue una serie de obras realizadas en “capas” con pintura, impresiones digitales y serigráficas sobre metacrilato, cristal, aluminio anodizado y papel. Yo no quería ponerme frente a ellas como en un espejo, no soy tan soberbio. Lo que pretendía era pasear por uno de aquellos laberintos de espejos y cristal que recuerdo de mi infancia y ver cómo las obras de estas pintoras se entremezclaban por casualidad.

 

7. ¿Podríamos aplicar a su obra la frase de Bridget Riley: "Yo no pinto luz. Presento una situación de color que libera luz cuando se contempla"?

Ojalá. Me gustaría. Soy un pintor urbano y de luz artificial. Mis colores son los del plástico. No son los de la naturaleza pero tampoco son artificiales. Son los de la vida corriente.

Más le vale al pintor partir de los colores de su paleta que de los de la naturaleza, advertía sabiamente Van Gogh.

 

8. ¿Un artista desvinculado de grupos o tendencias, tiene un obstáculo más para darse a conocer y ser reconocido?

Pues es posible, pero estas cosas no se planifican, al menos no en mi caso. Uno no elige ser raro. Elige ser pintor y a partir de ahí pasan cosas. Supongo que, en definitiva, van ligadas al carácter de cada uno o son consecuencia de la organización profesional de la carrera artística. Como en mi caso esta segunda parte la tengo muy descuidada, pues no me agobio. Bastante complicado es mantenerse a flote en el estudio.

 

9. ¿El desarrollar el trabajo fuera de Madrid o Barcelona conlleva un plus de dificultad para hacer visible el trabajo?

Tiene que ver con mi respuesta anterior. Con toda seguridad. A nadie le obligan a vivir en Zaragoza. Pero a mi me gusta y estoy seguro de que me ha servido para pintar mejor. Pero es una ciudad muy conservadora y como buen campamento hay que abandonarlo bastante a menudo.

 

10. Tras la exposición Chapa y Pintura, ¿en qué proyecto esta trabajando?

Estoy realizando una serie de obras en la dirección de Especular pero introduciendo unos cambios de escala considerable, a la vez que preparo unas ediciones de gráfica.

  

+UNA. Para finalizar, adjunte unas palabras a cada uno de los siguientes nombres o términos:

Luis Gordillo

Un referente indiscutible en la pintura. Imposible aburrirse.

Matilde Pérez

Una pintora cinética que realizó un trabajo muy interesante. Falleció discretamente el pasado 1 de octubre en su Chile natal con 98 años.

Julio Cortázar

Vestir una sombra. Para mi Cortázar son las noches en los dragstores de Barcelona y Madrid.

Museo Pablo Serrano

Un museo a la deriva. Hay que confiar en que llegue a puerto. Si ese puerto está muy lejos el barco puede hundirse.

Museo Pablo Gargallo

La medida. Una delicia.

entrevista 10 + una.enrique larroy. sobre sorpresa

Sobre sorpresa. 2014

Imagen cortesía del artista

 

Entrevista realizada a Enrique Larroy por Javier Martín en noviembre de 2014.

Más información: www.enriquelarroy.com

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