Leyendo cuadros. Mirando historias


>> Listado de todos los relatos publicados 

Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
Postludio
VER

Documentos de introducción
 Introducción de Javier Martín 
 Introducción de Ana Álvarez 
 Listado de autores 

Login

Ars Citerior

Entrevista 10 + UNA a Artur AGUILAR

Entrevista 10+UNA a Artur AGUILAR


Por Javier Martín

 

entrevista 10 + una. artur aguilar

Artur Aguilar

(Barcelona, 1946)

Imagen cortesía del artista

 

 

Realiza la licenciatura de Arquitectura Técnica y Bellas Artes en Barcelona. Su actividad laboral hasta el año 2007 estará dedicada a la enseñanza como Catedrático de Dibujo. Luego se dedicará en exclusiva a la creación.

 

entrevista 10 + una. artur aguilar.cuadriculat.cleccion ars citerior

Quadriculat. 1982

Imagen cortesía del artista

 

De su carrera artística cabe destacar el viaje que en 1975 realizó a París, donde conoció la obra de Sonia Delaunay, Herbin y Morellet. A partir de este descubrimiento comenzó a interesarse por la abstracción geométrica.

En su obra pictórica podemos destacar las series Pinceladas, rayados y rejas; Formas irregulares; y Curvas y arcos.

En 2011 explora las posibilidades que le ofrece la informática y la impresión digital, lo que dará lugar a la serie Corbes i Espais i Volums.

En sus composiciones la geometría, la matemática de las formas y las proporciones, principalmente la Áurea, son la base. La influencia cromática del paisaje ampurdanés está presente en su trabajo, aportándole un componente pictórico y subjetivo.

 

entrevista 10 + una. artur aguilar. espirals

 

Espirals A3 850. 2011

Imagen cortesía del artista


1. ¿Cuáles fueron sus primeras experiencias artísticas al llegar a Paris en 1975?

En 1975 decidí viajar a París con un compañero de estudios. Aunque habíamos empezado a interesarnos por la abstracción geométrica, nuestra formación y nuestra información artística era la que se daba en la Escuela de Bellas Artes de Barcelona en aquellos años. Al llegar el mazazo fue MO-NU-MEN-TAL. Nos topamos con una gran exposición retrospectiva de Robert y Sonia Delauney en el Grand Palais, descubrimos galerías como Denise René (con la que unos años más tarde tuve una corta relación profesional) y Lahumière. Conocimos la obra de Bèzie, Cahn, Dewasne, Honegger, Agam, Demarco, Le Parc, Cruz-Diez, Soto, Nemours…, y así hasta la saciedad.

¿Quiénes eran aquellos artistas, de dónde habían salido? Tuvimos que ir a París para enterarnos de su existencia. ¿Esa era la cultura artística que nos ofrecía nuestro profesorado? ¿Habían oído hablar de algo posterior al Cubismo, al Constructivismo ruso o al Neoplasticismo? Era para echarse a llorar. ¡Menudo trabajo de estudio y de formación nos esperaba!

 

2.  ¿Qué uso está haciendo del ordenador en su  obra en los últimos dos años?

Cuando pinto con acrílico sobre tela o con acuarela y tinta sobre papel, forzosamente he de utilizar pinceles, tiralíneas y compás como herramientas de trabajo. El ordenador es otra herramienta más, que me permite realizar bocetos previos que puedo comparar, modificar o desechar sin tener que tirarlos a la papelera y empezar cada vez de nuevo. No influye en el resultado final de la obra ya que éste depende de la propia técnica aplicada.

En las obras de impresión digital el ordenador es la herramienta principal, la única. Aunque soy yo quien decide cuál es el resultado final, el trazado lineal, los fondos, las transparencias de color a base de capas, las superposiciones de elementos, etc. dependen en una parte muy importante de las posibilidades que me ofrezca el programa que utilice. En general programas sencillos que me permiten interactuar con ellos.

Si, por ejemplo, parto de una determinada curva compuesta y continua, el ordenador no me la dibujará a partir de un algoritmo (no estoy haciendo fractales ni resoluciones de problemas matemáticos únicamente), quiero poder diseñarla previamente y he de saber construirla. Con el ordenador conseguiré que las tangencias de sus distintas partes sean exactas pero he de saber encontrar sus centros, decidir su forma, el grosor del contorno, la composición y el tratamiento cromático del conjunto. La creatividad la pongo yo.

En resumen, creo que estoy más cerca de la pintura que del Computer Art.

 

3.  ¿La constancia perpetua de una imagen produce su invisibilidad?

La visibilidad o invisibilidad de las formas como parte del proceso de percepción visual fue ampliamente tratado por los teóricos de la Gestalt y por psicólogos como Rudolf Arnheim. Principios como la reificación o la multiestabilidad nos hacen ver como visibles formas que en realidad no existen: el triángulo de Kanizsa o los perfiles de las caras que quedan delimitadas por el contorno del vaso de Rubin.

Para considerar la posibilidad contraria hemos de diferenciar entre la acción de mirar y el hecho de ver. Me pueden contratar como vigilante en el Museo del Prado en la sala de Las Meninas y convertirse el cuadro en invisible para mí debido a la cantidad de veces que lo he mirado sin verlo, en sentido cognitivo. Si quiero verlo, además de mirarlo tendré que prestarle atención, hacer un trabajo de análisis que me permita conocer la disposición de las figuras, la armonía de los tonos, el tratamiento de la luz con sus sombras y contraluces, las perspectivas - gráfica y aérea -  de su composición, su estructura, etc. Estoy de acuerdo en que la falta de atención o percepción de una imagen visible la puede convertir en invisible.

 

4. ¿Qué significa el color para usted?

En algunos artistas se aprecia que la mayor preocupación al pensar su obra radica en el concepto y en la estructura. Para ellos no es tan importante el color, y en sus trabajos usan generalmente el blanco y el negro. Estoy pensando por ejemplo en Elena Asins o en Barbadillo. En cambio estoy convencido de que para Palazuelo sí que lo era y decidía previamente las armonías cromáticas que utilizaba.

En mi caso, en la actualidad, el color es un elemento importante: me influye anímicamente, me permite mostrarme a los demás a través de la obra. Pretendo que mi trabajo no se ciña solamente a lo racional, normativo o geométrico, como quizás ocurría en las series de Formes Irregulars o Encastats, que mostré en la exposición itinerante internacional Concepto y Estructura en 1993 / 94  o en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid en la exposición Arte MADI en 1997.

En mis series más recientes, Corbes i Arcs, al interés por las formas geométricas y su combinatoria le sumo la sensibilización que se obtiene al utilizar determinadas gamas de color. Empleo gamas cromáticas armónicas y no acostumbro a usar tonos complementarios yuxtapuestos que puedan dar un resultado agresivo o que incluso pudieran dar lugar a efectos ópticos no deseados. El reduccionismo que pueda representar el uso de la geometría queda personalizado y sensibilizado por los valores pictóricos que ofrece la utilización del color.

 

5. Usted, que divide su tiempo entre Londres y Barcelona, ¿observa grandes diferencias en el actual arte geométrico en estas dos ciudades?

En Barcelona, y en general en Cataluña, experiencias como MENTE fueron muy fugaces. Los primeros artistas que se dedicaron a la abstracción geométrica, como Planasdurà, Llucià, Puig Manera, Claret, Vilacasas, etc. nunca formaron un grupo cohesionado ni obtuvieron la consideración que su obra merecía. Posteriormente tampoco se participó en proyectos como Antes del Arte en Valencia o en los Seminarios de Generación de Formas Plásticas, realizados en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid. Mi idea de organizar un grupo en los años ochenta con artistas como Faixò, Rocamora, Ventós y yo mismo tampoco funcionó. Como consecuencia, el resultado es que hoy no se puede hablar de arte geométrico barcelonés, ni siquiera de arte geométrico catalán con características propias.

La globalización y las nuevas tecnologías han hecho que los artistas podamos acceder a cualquier obra que actualmente se esté exponiendo en cualquier lugar del mundo, y la información, o las influencias si es el caso, nos pueden llegar desde cualquier  parte.

Lo mismo sucede con los artistas que residen en Londres.

No creo que movimientos como el Vorticismo o la importancia que tuvo Ben Nicholson en su momento, marquen la pauta del arte geométrico británico actual. Hoy en día están trabajando en Londres artistas como Paul Huxley, Bridget Riley o Tomma Abts (Turner Prize del 2006), entre muchos otros, y todos ellos aportan elementos personales a su obra geométrica, al igual que hacemos aquí.

En resumen, no creo que haya grandes diferencias en el arte geométrico que se está haciendo en Barcelona, Madrid, Berlín, Londres o New York. Quizás las diferencias puedan ser más generacionales que territoriales.

 

6. ¿Cuáles son las causas por las que el arte geométrico de nuestro país es más conocido y apreciado en el extranjero?

Los artistas de nuestro país son de una calidad extraordinaria, y por supuesto también los geométricos. ¿Se puede decir que Sol Lewitt, Bridget Riley o Cruz-Díez, por citar tres ejemplos, tienen una calidad superior a Elena Asins, Palazuelo o Sempere? Yo creo que no. Otra cosa es la cultura artística de cada país y el interés que cada uno de sus gobiernos tenga por favorecerla y por formar a sus ciudadanos.

Si repasamos la lista de nuestros artistas más reconocidos aquí, veremos que lo han sido previamente en el extranjero. Como también podríamos nombrar a muchos otros que exponen regularmente en otros países y aquí no lo han logrado. Es como si desde fuera nos mandaran el siguiente mensaje: tenéis unos artistas de gran calidad, apreciamos su obra, la promocionamos y como consecuencia de ello son conocidos y admirados en todo el mundo; estamos encantados con los beneficios, tanto culturales como económicos, que su actividad nos proporciona. Procurad no perderlos, poner los medios necesarios para que su trabajo sea conocido y respetado en su propio país.

En Londres los centros de arte como la Tate Modern, la Tate Britain, la Courtauld Gallery, el Barbican Art Centre, y tantos otros, están llenos de escolares con sus profesores, de jubilados, de gente de todas las edades visitando las exposiciones. Se han establecido allí galerías de prestigio internacional y gran profesionalidad. Cada año se organizan ferias como London Art Fair, Frieze y Frieze Masters, Multiplied Art Fair, Pinta, Affordable, The Other Art Fair… La gran exposición colectiva que cada verano organiza la Royal Academy of Arts es espectacular. Existen, repartidos por toda la ciudad, edificios dedicados a estudios para artistas a precios asequibles. Se fomenta el coleccionismo. En la televisión pública se ofrecen debates y programas sobre arte. Hay interés y respeto hacia los artistas.

Ante ese panorama, que seguro que se repite en otras ciudades del resto del mundo, ¿le puede extrañar a alguien que artistas de calidad contrastada como los de nuestro país sean más apreciados fuera que aquí? Que recapacite quien tenga que recapacitar, tanto del sector público como del privado, que viaje, que observe y compare, y que finalmente procure sacar alguna conclusión.

     

7. ¿Cree que sería viable en nuestro país una galería dedicada exclusivamente al arte geométrico y constructivo actual?

En nuestro país empieza a ser inviable cualquier tipo de galería, sobre todo si el planteamiento es únicamente comercial y no existe un proyecto artístico previo.

Todavía quedan galeristas que piensan que una de las principales razones para exponer a un artista es el número de ventas que éste le pueda proporcionar. ¡Imagínate si se trata de especializarse en arte geométrico!

Volvemos a lo de la pregunta anterior, FORMACIÓN y PROFESIONALIDAD. Soy de la opinión que la galería que no presente un proyecto artístico sólido y que no se reinvente, adaptándose a las nuevas tecnologías y medios de difusión, que no exporte a sus artistas y se internacionalice, está condenada al fracaso.

No se puede subsistir a base de posibles subvenciones y de un coleccionismo local que no existe.

Cuando Denise Bleibtreu o Anne y Jean-Claude Lahumière fundaron sus respectivas galerías en París (Denise René en 1944 y Lahumière en 1963), tenían un proyecto  potente que supieron mantener en el tiempo hasta ganarse la credibilidad y el prestigio internacional. Son otros tiempos y las grandes galerías, también las españolas, procuran incluir en sus programas algún artista geométrico, pero dentro de una programación ecléctica. En general cuentan más los nombres que las tendencias, aunque en algún caso su aceptación pueda ser producto de factores poco o nada relacionados con el arte.

No obstante, además de las antes mencionadas, es posible encontrar alguna pequeña galería que decide arriesgar y defender su proyecto geométrico o post-minimalista sin esperar demasiado éxito de ventas a corto plazo. Es el caso de galerías como Dorothea van der Koelen en Mainz (Alemania) o Bartha Contemporary en Londres. Desconozco si existe algún proyecto parecido en nuestro país.

 

8. ¿Qué queda por investigar en el arte geométrico?

Si lo supiera y tuviera suficiente capacidad para ello, me pondría inmediatamente. Es una labor para los artistas más jóvenes, que en general están mejor preparados, Quizás haya campo para seguir investigando en el número, tema que obsesionaba a Palazuelo, puede que el caos y el mundo fractal esté poco trabajado en el arte, quizás algún artista resuelva incógnitas espacio-temporales o de física cuántica y las aplique a su obra.

Te incluyo un fragmento del manifiesto La Ciudad Hidroespacial que escribió Gyula Kosice en Buenos Aires en 1971: Hidroespacializar, aterrizar, amerizar, alunizar, venusizar, tender posteriormente conexiones galácticas e interplanetarias atravesando los años luz, serán alternativas multiopcionales. Habrá lugares para tener ganas, para no merecer los trabajos del día y la noche, para alargar la vida y corregir la improvisación, para olvidar el olvido, para disolver el estupor del por qué y para qué y tantos otros lugares como nuestra inagotable imaginación amplifique y conciba.


9. ¿En que está trabajando actualmente?

Sigo interesado en explorar las múltiples posibilidades de una idea inicial, de manera que la obra final sea el conjunto de las unidades que la conforman. La seriación y la combinatoria de formas geométricas, la aplicación de reglas de proporcionalidad, muchas de ellas presentes en la naturaleza (Dios geometriza), como la sección áurea, me sigue fascinando y a ello dedico mis horas de trabajo.

 

 10.  ¿Qué proyectos tiene para este próximo año 2015?

Seguir encerrado en el estudio de Barcelona, de Torroella de Montgrí o de Londres y trabajar. Hace tiempo que se agotaron mis ganas de convencer a nadie de nada y menos aún del interés y la importancia que tiene la geometría, tanto en el arte como en su relación con la vida.

Cuando alguien me propone participar, individual o colectivamente, en algún proyecto que me parece interesante, participo. Mi última exposición individual la hice en 2012 en el Museu de la Mediterrània de Torroella de Montgrí (Girona) y actualmente estoy participando en una muestra colectiva en el Museu d’Història de Catalunya, en Barcelona, que continuará durante el 2014 y 2015 en el Centre de Lectura de Reus, el Museu de Lleida Diocesà i Comarcal, la Fundació Valvi en Girona y la Acadèmia de Belles Arts de Sabadell.

.

+UNA. Para finalizar, adjunte unas palabras a cada uno de los siguientes nombres o términos:

Joan Claret

Sensibilidad en su grado máximo.

Vivir para pintar. Siempre recordaré lo que me repetía en nuestros encuentros: Los artistas somos unos privilegiados pues nos apasiona nuestro trabajo. Con una salud que nos permita trabajar y un espacio donde hacerlo ya somos felices.

François Morellet

Línea y estructura. Pionero de la abstracción geométrica. En 1963 ya utilizaba los tubos fluorescentes, a la vez que Dan Flavin, como componentes de sus obras.

Fundación Vila Casas

Una gran colección de arte contemporáneo. Apoyo a artistas jóvenes  y recuperación de excelentes artistas poco frecuentes en galerías. Una labor encomiable. Bravo.

Manuel Barbadillo

Interesante pintura modular. Precursor del uso del ordenador a finales de los años sesenta y defensor del mismo en contra de la opinión de muchos artistas de su época.

Obra sobre papel

Calidez, sensualidad. Admite técnicas cuyo resultado es de una belleza extraordinaria.

Obra en general poco valorada y no sólo en su aspecto económico.

MACBA

Gran contenedor racionalista de 14.300 m2 proyectado por Richard Meier, inaugurado en 1995 y que, tras el paso de cinco directores, aún no está claramente definida cuál es su función.

 entrevista 10 + una. artur aguilar.espirals

Arcs 256V230. 2014

Imagen cortesía del artista

Entrevista realizada a Artur Aguilar por Javier Martín en octubre de 2014.

Más información:

http://www.arturaguilar.com/

Nota del entrevistado: -No estoy en Facebook. Hay otros Artur Aguilar, pero no soy yo-


 

Powered by Bullraider.com