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Entrega número 48
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Entrevista 10 + UNA a Margarita LUCAS y Antonio NAVASCUÉS

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Por Javier Martín

 

 entrevista 10 + una.margarita lucas y antonio navascues

Margarita Lucas
Antonio Navascués

(imagen  Roberto Desiré)

 

Margarita y Antonio son dos testigos de lo acontecido en el arte contemporáneo español durante cinco décadas. En su galería Edurne han expuesto números pintores y escultores, de diferentes tendencias, muchos de ellos relacionados con la denominada por Alfonso de la Torre como La Poética de Cuenca: Antonio Saura, Manolo Millares, José María Yturralde, Jordi Teixidor, Salvador Victoria, Gustavo Torner o Gerardo Rueda. Dentro de la línea geométrica y concreta contaron con Eusebio Sempere, Elena Asins, Waldo Balart, Cristóbal Povedano, Equipo 57 o Luis Tomasello. Y otros grandes artistas: Rafael Canogar, Luis Gordillo, Luis Canelo, Richard Serra, José Hernández, Juan Navarro Baldeweg…

 

 
 1. ¿Qué recordáis de ese 11 de marzo de 1964 en que abristeis la galería?

Abrimos con un artista cuyo padre era alemán y su madre navarra, Eric Degner, estudiante de arquitectura, discípulo de Benjamín Palencia. Vino mucha gente al semisótano de la calle Villanueva 23, incluso el Director General de Bellas Artes estuvo en la inauguración. Creo que estábamos Antonio y yo con sentimientos encontrados ya que nuestra decisión de abrir aquel espacio expositivo, Estudio Edurne, era una audacia en un tiempo como el que nos tocó. Además íbamos a tener un socio arquitecto que nos dejó plantados a nuestra suerte.

No estábamos casados todavía, yo vivía en una residencia de señoritas y Antonio con sus padres. Fuimos muy valientes, y sufrimos por querer enfrentarnos a una sociedad muy conservadora. Yo venía de Irún, encontré Madrid mucho menos democrático que el País Vasco, pero a la vez se nos abría un mundo de libertad y posibilidades en la capital del país. Teníamos ilusión y queríamos trabajar juntos.

 

2. En 1964 montaron la exposición  Luis Gordillo. 1ª exposición en Madrid. ¿Qué recuerdan de aquel Gordillo que intentaba buscar su lugar en unos momentos donde imperaba la abstracción?

Luis Gordillo nos impresionó desde el primer momento. Creo que tuvimos la intuición que él traía un nuevo mensaje de modernización. Conocíamos la generación de los abstractos. Yo en Irún conocía y trataba a Oteiza, a Néstor Basterretxea, a Remigio Mendiburu y acudía a los debates que se producían en San Sebastián, y al debutar en Madrid quiso el azar que nuestro local se situara cerca de la galería que abrió Juana Mordó unos días después de nuestro 11 de marzo y esa cercanía posibilitó que los artistas nos visitaran y compartíamos juntos cenas e inauguraciones. Defendimos la pintura de Luis con uñas y dientes pues la opinión es que copiaba a los americanos y él sucumbía a las críticas de sus propios amigos que opinaban que quizás era solo un neurótico que pintaba…

Durante más de un año Luis dejó más de cuarenta obras y carpetas de dibujos en la galería para que las quemáramos… pero hicimos otras dos exposiciones más antes de que apareciera Vandrés, y con esa galería y con Buades,  Edurne colaboró  en el “boom”  de Luis Gordillo. Tres exposiciones a la vez con precios más altos, que pusieron a Gordillo en su camino ascendente. Nosotros le presentamos a Palazuelo, que tenía gran prestigio y él le ayudó en el éxito.

 

3. En 1965 presentan la obra expresionista de José Paredes Jardiel y Gastón Orellana ¿Por qué hay pintores como los dos citados que han desaparecido de los circuitos comerciales y museísticos?

José Jardiel había sido premio del Ateneo de Madrid. Fue un gran pintor, además de un hombre culto, y gozaba de estima. Gastón Orellana, chileno, tenía cotización internacional, y como a Jardiel se le podría clasificar en el movimiento surrealista…pero sobre la desaparición de los circuitos comerciales y museísticos podríamos y deberíamos hacer un profundo análisis de lo que está pasando en el arte. Necesitamos una revisión histórica y ver qué ocurre. España es el ejemplo más desolador de la desmemoria, que está propiciando la ignorancia sobre su pasado cultural. Esta realidad, si no la corregimos dejará sin futuro los valores que se den en el presente. La banalización arrasa los valores artísticos y la biodiversidad desaparece. No hay conocimiento ni debate, el arte solo como un producto más que se usa y desaparece.

 

4. En 1966 fue Ana Peters la que dió a conocer en su galería su obra Pop, que con los años derivaría en una abstracción lírica de monocromos. ¿Cómo valorarían la obra de esos primeros años de la artista de Bremen?

Pensamos que tendría un gran futuro por su originalidad, su buena factura en un material tan sutil como el papel, que usaba en sus cuadros de gran formato. Pero se eclipsó, y no conozco los motivos. Quizás su condición femenina en aquellos tiempos no la ayudó a ser una pintora de vanguardia. Supongo que hizo lo que pudo, pero sabía hacer más.

 

5. En 1967 Gustavo Torner presenta los collages Vesalio, el cielo, la geometría y el mar, una obra crucial en la trayectoria del artista, ¿llegó a comprender el público de esa época la importancia de esta serie y de lo que Torner quiere hablarnos?

El Vesalio fue una de las exposiciones más interesantes que hemos presentado a lo largo de nuestra larga trayectoria. Recuerdo que fue muy comentada y visitada. Los artistas de su entorno sí la entendieron. Zóbel, Rueda, Sempere, Antonio Lorenzo, Salvador Victoria, Millares y muchos más la valoraron en su dimensión geométrica, espacial, renacentista  y filosófica... Torner realizó una obra limitada de “Vesalios”, y pienso que los museos de arte moderno deberían tener el suyo correspondiente. Pero desconozco cuantos curator actuales valoran esta serie, y si la conocen y le dan importancia.

 

6. En 1968 será Jordi Teixidor quien presenta su serie Puertas, ¿qué aportó a la plástica con estas estructuras?

Teixidor es un precursor de los escultores que utilizan la madera pintada. Fue muy innovador exponer aquellas estructuras con colores de caja de lápices. Las “puertas” colgando sin función en las paredes, eran como preguntas sin respuesta para el espectador.

 

7. También en 1968 Elena Asins presenta sus trabajos en su galería, ¿qué tipo de obra se mostró?

La obra que hoy llamamos conceptual y que Elena Asins hacía en esos momentos. Se hicieron en serigrafía dos carteles. Uno era de cartulina blanca y tenía escrito formando un rectángulo ELENA ASINS con letras de color blanco. Otro era cartulina negra con igual rectángulo y texto en letras negras.
Homenaje a Malevich.
Se mostró la obra más radical que hacía Elena y que pudimos ver hace dos años en el Museo Reina Sofía. Yo la denominaría dibujo místico y pintura musical. Aunque se pueda decir mucho más sobre la gran obra que pacientemente elabora Elena Asins con su gran inteligencia.

 

8. En 1974, con un Eusebio Sempere en pleno reconocimiento de su obra, presentáis sus tablas y goauches. ¿Qué recordáis de aquella exposición?

Una gran emoción. La obra vino de Nueva York, fui personalmente para ver la exposición que Pierre Matisse presentaba de Manolo Millares como homenaje a su reciente desaparición.

Nosotros en Madrid le estábamos haciendo una exposición con el mismo motivo, y al visitar diversas galerías encontré en Bertha Schaefer una colección de obras de Eusebio Sempere que me dejaron sin aliento. Cajas de luz de 1959, gouaches extraordinarios, obras que no conocíamos porque pertenecían a exposiciones pasadas. La dueña de la galería había fallecido y todo iba a cambiar. Se trajo todo aquello que pertenecía a Eusebio. Lo compramos y Antonio montó una exposición extraordinaria, pues eran trabajos que no se conocían. Eusebio hizo una serigrafía especial para la ocasión realizada por Abel Martín. Hacían habitualmente nuestros carteles de exposición en esos tiempos.

 

9. ¿Qué programación tienen preparada para la temporada 2014-1015?

Después de la conmemoración de los 20 años de Salvador Victoria que tenemos en la actualidad y que hemos llevado a cabo en colaboración con el Museo Salvador Victoria de Rubielos de Mora y la Fundación Amelia Moreno de Quintanar de la Orden, el día 15 de noviembre inauguramos la exposición MoMa Flight 2014 OPO/ MAD, fusión de dos artistas que viven en Portugal, Isabel Monteiro  y Marcela Navascués, lámparas Led, pintura fosforescente, material auto reflectante , Pet; y ya en enero de 2015 la exposición de un artista visual, Raúl González, nacido en San Lorenzo de El Escorial, que expondrá fotografía y videos con el título “6.202.700 (sobre el desempleo)”. Prefiero no adelantar más el programa pues puede haber cambios y opciones que todavía tenemos que ajustar.

 

10. ¿Cuál es el proyecto en vuestro último espacio en El Escorial?

Contribuir con otros colectivos en la modernización de la vida cultural de El Escorial.

 

+UNA. Para finalizar, adjunte unas palabras a cada uno de los siguientes nombres o términos:

Salvador Victoria

Despertar en París. Consolidación en España. Pasión por lo absoluto.

Rafael Canogar

Capacidad de cambio. Gran profesional.

Cristóbal Povedano

Poesía nazarí en geometría de tierra.

Waldo Balart

Espacios calculados, pasión de arco iris.

Luis Canelo

Ciencia, filosofía, átomo, infinito, luz, silencio elocuente.

Alberto Greco

Marea negra, tempestad interior, desesperación, risas y rosas, locura, amor.

MNCARS

Exposiciones globales dedicadas especialmente a los artistas bien promocionados en sus lugares de origen. Necesidad de otro Museo para conocimiento y memoria de artistas españoles.

ARCO

Escaparate. Moda de temporada. Fomenta amnesia.

Entrevista realizada a Margarita Lucas y Antonio Navascués por Javier Martín en septiembre de 2014.

 

www.galeriaedurne.com

 

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