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Entrega número 48
Postludio. José Mª Yturralde
José Mª Yturralde
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 Introducción de Javier Martín 
 Introducción de Ana Álvarez 
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Ars Citerior

Gonzalo Elvira. Bauhaus 1919, modelo para armar

 

G  A  L  E  R  I  A     S  I  B  O  N  E  Y

Inauguración: Sábado 23 de marzo, a las 8 de la tarde

EXPOSICIÓN: DEL 23 DE MARZO AL 30 DE ABRIL DE 2019

 

 Nota de Prensa

La galería Siboney presenta la primera exposición individual en Santander del artista argentino GONZALO ELVIRA (Patagonia, Argentina. 1971), que vive y trabaja en Barcelona desde el año 2000, y lo hace con un proyecto muy especial, en torno a la Bauhaus, y en unas fechas muy señaladas, ya que estamos ante el centenario de su puesta en marcha el uno de abril de 1919.

Se trata de un proyecto artístico en el que viene trabajando desde hace años, en torno a la escuela de arte que simboliza la utopía junto a la estadunidense “Escuela Black Mountain” o Black Mountain College (1933 – 1956), centro en el que encuentra acomodo alguno de los docentes huidos de la Bauhaus, como Josef Albers, que acabaría siendo la fuerza motriz de esta institución durante diecisiete años.

Sin ningún ánimo de distorsionar lo que ha significado la Bauhaus, el artista pone el foco en sus obras, en un asunto que está a años luz de regodearse en recitar su larga lista de héroes, -ya fueren docentes o estudiantes-, y nos introduce a escarbar en su realidad. Como casi todas las utopías, no resiste la indagación escrupulosa.

 

Bauhaus1919, modelo para armar

Es el título del proyecto de Gonzalo Elvira, que esconde un juego de palabras entre el año de creación de la escuela y el título del libro “62/Modelo para armar” de Julio Cortázar. Y está realizado a partir de la escuela de arte Bauhaus, fundada en el año 1919 por Walter Gropius, durante la república de Weimar.

La Bauhaus fue un modelo pionero, una escuela de arquitectura y artes aplicadas, que promovió el funcionalismo y de la que salieron figuras imprescindibles en el campo del diseño. Basaba su modelo en la experimentación y la creatividad, que buscaba englobar toda la actividad artística en una nueva arquitectura, reunificando todas las disciplinas artesanales –escultura, pintura, artes aplicadas y manuales-, como partes inseparables del proceso creativo.

Esto fue posible por el enfoque dado por su director Walter Gropius y los directores que lo sucedieron en el cargo hasta el año 1933, cuando fue cerrada por los nazis en Berlín, después de haber tenido otra sede Dessau.

En un primer momento la escuela recupera la figura del artista-artesano, vinculado a los oficios medievales hasta llegar al acercamiento al mundo industrial, y de la arquitectura, artista-productor. Este enfoque fue cambiando de acuerdo a los diferentes directores de la escuela y las circunstancias socio-económicas.

La escuela contaba con un cuerpo de docentes brillantes, Paul Klee, Vasili Kandinski, Moholy-Nagy, Marcel Breuer, Josef Albers, Johannes Itten, entre otros.

Dice Gonzalo Elvira: “Uno de los aspectos que me llamaron la atención de la escuela fue la única presencia femenina de Gunta Stölz dentro del cuerpo docente. Por tanto quería destacar el papel de las mujeres dentro de la escuela ya que de alguna manera fueron segregadas a los talleres de textil, cerámica. No las dejaban participar en los talleres de herrería y arquitectura, alegaban que las mujeres tenían problemas con la tridimensionalidad luego del examen para ingresar a la escuela. Esto sucedía ante la actitud ambigua de parte del profesorado”.

La escuela disuadió a Gertrud Arndt de estudiar arquitectura, quien destacó como fotógrafa y diseñadora de alfombras. Algunas de las alumnas que llegaron con la ambición de ser arquitectas o pintoras, ante las dificultades pasaron al “plan b”, e hicieron de la rueca y de la aguja su medio de expresión, lo que de alguna manera desequilibró la escuela, y el taller textil se convirtió en el que mejor entendió el tránsito de la arquitectura al diseño.                               

Otra de las excepciones fue Marianne Brandt, la primera mujer admitida en el taller de metalistería de la Bauhaus, pero en parte porque ella contaba con el apadrinamiento  de  Moholy-Nagy.

Dice el artista: “Por este motivo, gran parte de las piezas que he escogido para la realización del proyecto, fueron realizadas por mujeres y en su mayoría realizadas en el taller de textil, que a mi entender fueron las producciones más interesantes que se realizaron en la escuela. Gunta Stölz, Anni Albers, Liz Volger fueron figuras destacadas en este ámbito de creación”.

Quisiera destacar la presencia en la escuela de Grete Stern, que se formó como fotógrafa, y es autora de unos fotomontajes a partir de los cuales desarrollé un proyecto amplio titulado como una de sus series: El psicoanálisis te ayudará.

 

 

 

 

 

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DIS BERLIN. Un mundo pintado. Paisajes y bodegones


Lugar: Museo Salvador Victoria, Rubielos de Mora (Teruel)

Inauguración: Sábado 6 de abril de 2019, a las 19,30h.

Abierta hasta el 23 de junio de 2019

Horario: Sábados de 11 a 14h y de 16,30 a 19,30 h. Domingos y festivos de 11 a 14h .

Comisario: Ricardo García Prats y Javier Martín


dis Berlin. Un mundo pintado.Paisajes y bodegones. colección Ars Citerior


Cuando vemos las exposiciones de Dis Berlin nos damos cuenta de que estamos ante un pintor de amplia cultura, capaz de entrelazar como nadie lugares, personas e ideas. Sus conocimientos en literatura, música y cine se ven reflejados siempre en los temas de sus cuadros con los paisajes no visitados o en aquellos en que Eva es el eje del universo. Pero el autor también sabe ahondar en los sentimientos que emergen de la amistad, de la familia o de la soledad.

 

Dis Berli. Paisajes y bodegones. Bodegon cosmico. coleccion ars citerior

Bodegón cósmico. 2013. Óleo / algodón montado en tabla, 62 x 60,5 cm.

 

Estas visiones de su mundo pictórico son las que hemos querido mostrar en la exposición “Dis Berlin. Un mundo pintado. Paisajes y bodegones”. Realizada con fondos de la Colección Ars Citerior, hemos seleccionado diecinueve lienzos, que datan de los últimos quince años de la producción del artista.



Dis Berli. Paisajes y bodegones. amigas. coleccion ars citerior

Amigas 2013. Óleo / algodón montado en tabla, 38 x 38 cm.


Dis Berli. Paisajes y bodegones. coleccion ars citeriorLas ilusiones perdidas.

Las ilusiones perdidas. 2018. Óleo / lino montado en tabla, 50 x 77,5 cm.

 

Ilusiones perdidas, con un barco varado en el desierto que nos puede hacer recordar los buques abandonados en el Mar de Aral, pero donde Dis Berlin nos muestra una imagen menos cruda, más poética, con un desierto nada agresivo, con oasis, donde un vapor de ruedas nos hace pensar en los agradables paseos fluviales que a mitad del siglo XIX surcaban el Misisipi. Navíos que por su efectividad también fueron utilizados en lugares como el Congo, transportados pieza a pieza, a hombros de porteadores, desde la costa hasta la zona navegable del río. Para los amantes del cine no se nos escapa ese recuerdo de Fitzcarraldo intentando cruzar la selva amazónica a bordo de un navío a vapor con el fin de hacerse rico con el caucho para poder construir un teatro de ópera en plena Amazonía.





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Geometria i piekno - wystawa poplenerow


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50 aniversario del Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid

Exposición permanente. Pavellón de Gobierno, c/ Isaac Peral s/n.

Comisario: Aramis López

El pasado 14 de marzo  se realizó un homenaje  a los pioneros que trabajaron y crearon en los inicios del Centro de Cálculo.

Nota de la Universidad Complutense de Madrid

El 13 de enero de 1966, la Universidad de Madrid (actualmente Universidad Complutense de Madrid) firma un acuerdo con la compañía IBM (International Business Machines) para poner en marcha un Centro de Cálculo en la Ciudad Universitaria. La empresa aportaría el equipamiento informático del centro y la universidad construiría un edificio para el mismo.

En 1967 se construye el edificio, encargado al arquitecto Miguel Fisac, junto a la que hoy es la Facultad de Ciencias Físicas.

En el curso 1968/1969 entra en funcionamiento el Centro de Cálculo, siendo inaugurado oficialmente el 7 de marzo de 1969, hace ahora cincuenta años.

La empresa IBM proporcionó una máquina IBM 7090 más otro equipamiento auxiliar.   

El primer director del Centro de Cálculo fue Florentino Briones. Nada más ponerse en funcionamiento el centro dan comienzo unos seminarios en los que se trataban muy variados temas, siempre con la idea de automatizar procesos iterativos y tediosos y centrarse en la creatividad.

Con el tiempo se incorporan a esos seminarios artistas de variadas disciplinas que se proponen experimentar con la aplicación de las máquinas de cálculo a sus procesos creativos. Durante los primeros años del Centro de Cálculo se generan numerosas obras en las que los ordenadores han formado parte del proceso creativo.


 

 

 

 

 

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Abundó en felices curiosidades

 

Javier Arbizu | Christian García Bello | Secundino Hernández
Julia Huete | Miguel Marina | Álvaro Negro | Stefan Rinck
 
Comisario: Joaquín Jesús Sánchez

Espacio Valverde

Inauguración jueves 21 de marzo de 8 a 10 pm.


En la rareza de los objetos, de toda naturaleza y lugar, que se agolparon en los cuartos de maravillas, había algo que los hacía deseables. Ejercían, en quienes los observaban, una suerte de fascinación. Lo fascinante es, como cualidad, superior a lo asombroso, porque reúne lo inesperado con lo misterioso: no se agota (como una novedad), ni se comprende (como un problema). Permanece siempre atrayente, por tanto, inagotable.

Estas cualidades casi metafísicas de los objetos (hay en esta expresión algo inquietante) no acobardaron ni a los coleccionistas ni a lo teóricos, que impusieron en ellos el orden y la catalogación. Se encuentran con facilidad tratados que explican cómo pertrechar convenientemente un gabinete de curiosidades: cómo resumir el mundo en una habitación.
 
Joaquin Jesus Sánchez



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Ángel Gómez. Perspectivas

 

ángel gomez. Prespectivas

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Gonzalo Elvira. Nunca Real / Siempre Verdadero

Azkuna Zentroa

Comisario: Iván de la Nuez

DEL 14 DE MARZO DE 2019 AL 22 DE SEPTIEMBRE DE 2019

 

gonzalo elvira. nunca real, siempre verdadero

(Imagen y texto cortesía Gonzalo Elvira)



«Nunca real y siempre verdadero» es una frase de Artaud que funciona
como estandarte de esta exposición sobre la simbiosis entre el arte y la
literatura. Un lema que conecta a los trece artistas participantes, que
se mueven entre ambos mundos y cuyos trabajos tratan con naturalidad al
arte como un género literario y a la literatura como un proyecto
expositivo. Aquí queda marcada una crítica al statu quo de los sistemas
que gobiernan tanto el arte como la literatura, y a su tratamiento como
cotos cerrados. De ahí la apuesta por el traspaso de sus respectivas
fronteras y la intención de disolverlas.

Digamos que no es sólo un ‘arte’ para mirar, sino también para leer. Del
mismo modo que se ha producido una implosión del arte en la literatura,
ha tenido lugar una energía centrífuga que, en dirección opuesta, ha
colocado a la narrativa en el mundo del arte, ofreciéndole un campo en
el que progresar y renovarse. Así, en Nunca real / Siempre verdadero se
entiende que, ante la cascada visual que nos agobia, el arte ha de ser
capaz de acoger las palabras que expliquen esta Era de la Imagen.

Nunca real / Siempre verdadero es, al mismo tiempo, una exposición, una
reflexión sobre la posibilidad narrativa del arte y, finalmente, la
construcción de un espacio común para alojar esa aventura. Es un libro
de libros, un relato a la vista y en tiempo real. Una experiencia que
busca transparentar ese proceso en que el texto se convierte en textura,
la palabra en imagen, el libro en display, la exposición literaria en
exposición visual.

Iván de la Nuez. Comisario de la exposición.

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Una manera de veure. Colección Ars Citerior


Espais Volart

Fundació Vila Casas, Barcelona

Del 26 de septiembre al 15 de dicembre de 2019


una manera de veure.  coleccion ars citerior. fundació vila casas

Joan Hernández Pijuan. Caminan, 2002

https://www.fundaciovilacasas.com/ca/exposicio/una-manera-de-veure


La exposición girará entorno a las secciones

ARTE GEOMÉTRICO - ABSTRACCIÓN LÍRICA - GESTUALIDAD Y MATERIA - PAISAJE - ARTISTAS JOVENES


Artistas representados

Artur AGUILAR - ALBANO - Elena ALONSO - Elena ASINS - Marlon de AZAMBUJA - José María BAEZ - Waldo BALART - Manuel BARBADILLO - Monika BUCH - Miguel Ángel CAMPANO - Rafael CANOGAR - Julián CASADO - Joan CLARET - DIS BERLIN - EQUIPO 57 - Carlos EVANGELISTA - Jaume FAIXÓ - Francisco FARRERAS - Luis FEITO - Robert FERRER i MARTORELL - Hugo FONTELA - Emilio GAÑÁN - Tomás GARCÍA ASENSIO - José Luis GÓMEZ PERALES - Josep GUINOVART - Manuel HERNÁNDEZ MOMPÓ - Joan HERNÁNDEZ PIJUAN  - José María IGLESIAS - José María de LABRA - Guillermo LLEDÓ - Antonio LORENZO - Rafa MACARRÓN - Antoni MIRÓ - José Carlos NARANJO - Pablo PALAZUELO - Rinaldo PALUZZI - Jordi PERICOT - Águeda de la PISA - Joan PUIG MANERA - Manuel REY FUEYO - Jaume ROCAMORA - Miguel RODRÍGUEZ-ACOSTA - Gerardo RUEDA - Maya SARAVIA - Eusebio SEMPERE - Joan Josep THARRATS - Gustavo TORNER - Salvador VICTORIA - Joan VILACASAS - Darío VILLALBA - José María YTURRALDE - Fernando ZÓBEL.

 

 

una manera de veure.  coleccion ars citerior. fundació vila casas

Dis Berlin. Paisaje para Glenn Gould. 2012



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Salvador Victoria. La Edad de Oro


Lugar: Tiempos Modernos, c/ Arrieta, 17, Madrid

Inauguración: Miercoles 20 de marzo, 19h.

Exposición realizada en colaboración con la Fundación Museo Salvador Victoria


Nota de Tiempos Modernos
 
La exposición, que se ha realizado con la colaboración de Marie Claire Decay Cartier-viuda del artista- y la Fundación Museo Salvador Victoria, presenta una selección de obras históricas de los primeros años del pintor español, uno de los artistas más destacados de su generación.
 
La exposición ha seleccionado doce obras importantes desde mediados de los años 60 hasta principios de los 80. Y recoge tres periodos fundamentales en la edad de oro de Salvador Victoria: los relieves poéticos de mediados de los 60, los siguientes cuadros monocromos, que suponen una nueva etapa de su obra, y finalmente la aparición de la geometría en sus cuadros.
 

LOS AÑOS DE PARÍS

Salvador Victoria es uno de los artistas claves de su generación. Un grupo de artistas -desde Saura a Lucio Muñoz, pasando por Sempere o Millares- que han dado origen a una de las épocas más brillantes del arte español. Victoria, nacido en Rubielos de Mora en 1928 y formado en Valencia, sigue el canon de la época y en 1956 se instala en París donde permanecerá hasta 1964. Este paso es fundamental en su formación, por su contacto con los últimos movimientos artísticos y su relación con grandes pintores españoles e internacionales, como Dubuffet, Jean Baptiste Chereau, Pierre Soulages, Egon Nicolaus, Antonio Saura, Eusebio Sempere, Lucio Muñoz... Es su época informalista.
Desde París recorre Europa, expone en 1960 en la XXX Bienal de Venecia, en 1961 en la Bienal de París y funda el grupo Tempo con otros pintores internacionales.
 
 

Salvador Victoria. La edad de oro


Composición para noche de luna. Relieves poéticos, 1965. Óleo/tabla.

(imagen cortesía Marie Claire Decay)



REGRESO A ESPAÑA

Victoria vuelve a España. Se ha casado con Marie Claire Decay Cartier y se presenta en Madrid. No es un desconocido. Nada más llegar expone en la Sala del Prado del Ateneo de Madrid, tal vez el mejor espacio de la época. Carlos Edmundo de Ory, uno de los grandes intelectuales del momento, le recibe dedicándole un poema en el que habla de “colores de la tierra antigua” y “cuadros de miel de tinieblas”. Ory acierta. La pintura que Victoria presenta en su estreno madrileño está compuesta de pliegues y collages, busca la profundidad y se inspira en el quattrocento italiano, utilizando el temple. También el Museo de Arte Abstracto de Cuenca, que se inauguró en 1966, le abrió sus puertas desde el primer momento. Victoria había vuelto a Madrid y estaba en el centro de la pintura española de los años 60.


LA ÉPOCA DE JUANA MORDÓ
 
Salvador Victoria había conocido a Juana Mordó en París. Y cuando la mítica galerista abrió su espacio en Madrid, pasó a ser uno de sus artistas. Tras la primera exposición de 1968, vinieron otras cuatro más en la galería Mordó, hasta 1984. Ese es precisamente el periodo que recoge la exposición de Tiempos Modernos.
 
Las grandes obras: desde los primeros relieves poéticos hasta las últimas esferas de su mundo en suspensión. Salvador Victoria desarrolla y evoluciona su obra en sus años más simbólicos. Abandona el informalismo y se acerca a la geometría, pasa del temple al óleo, introduce nuevos colores y finalmente crea las esferas que definen su mundo. Todo esto está en la exposición de Tiempos Modernos. Un viaje en profundidad por la obra de uno de los grandes artistas españoles de su época.
 
 



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'CÁMARA VÍRICA'. FESTIVAL CUVO

 

Museo Francisco Sobrino

Cuesta del Matadero, 5, Guadalajara

Viernes 15 marzo

Inauguración muestra de videoarte CUVO, 19:00 horas

Del 15 al 31 de marzo de 2019

 

 Museo Francisco Sobrino 

 

Durante dos semanas la sala de proyecciones del Laboratorio GRAV mantendrá en exhibición continuada las piezas de videoarte producidas por Danilo Bracchi y Felipe Cortez (Brasil), Zhang Yunfeng (China), Josué Bernabé (España), Josh Bricker (Estados Unidos), Gabriel Garble (Malasia), Sandrine Deumier (Francia), Pablo Martín Córdoba (Argentina), y Rudolph Castro (Perú). Estos artistas son los seleccionados en la convocatoria internacional del Festival CUVO, promovida por Investigación y Arte, en la que han participado más de ciento setenta creadores de cuarenta y dos nacionalidades.

Esta edición, presentada bajo el lema ‘Cámara Vírica', es "una oda al videoarte, un viaje audiovisual a través de ocho visiones de la cámara de vídeo en la actualidad para fomentar la crítica, la autoconsciencia y los diferentes estilos que se han asentado en esta disciplina artística", según declaraciones de sus organizadores.

El día 15 Festival CUVO será presentado por Alfonso González-Calero, director de Investigación y Arte y organizador del evento, Carmen Vera Gutiérrez, comisaria, y Josué Bernabé, uno de los creadores seleccionados y autor de la pieza Faster.

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Luna Bengoechea Peña. Hyper Natura

Galería Lucia Mendoza

Inauguración, 16 de marzo de 2019 a las 12:00h.

En exposición hasta el 4 de mayo de 2019.


Nota de la galería Lucía Mendoza

Hyper Natura es la primera exposición individual de Luna Bengoechea Peña en la galería Lucía Mendoza.
Su trabajo aborda la problemática que surge alrededor de la industria alimentaria y le conduce a investigar acerca de los modelos actuales de producción de alimentos y su comercialización. Parte de referencias que encuentra en los clásicos de la historia del arte -especialmente el género del bodegón o las ilustraciones botánicas- para contextualizar la relación del ser humano con los alimentos y la naturaleza.

Su obra supone una revisión del sistema alimentario establecido, sus normas, sus técnicas e, incluso, los agentes implicados. Los alimentos trasgénicos, el comercio, los nuevos modelos de colonización. Hyper Natura supone un recorrido por los temas en los que Luna Bengoechea profundiza con ánimo de ser más consciente de lo que estamos haciendo con la naturaleza que nos rodea. Cuestiona el sistema alimentario actual y las contradicciones del mercado, hace hincapié en las problemáticas que genera la producción global e intensiva, causante de graves daños medioambientales.

Luna Bengoechea propone Hyper Natura como análisis artístico-crítico sobre la producción global de alimentos, siguiendo el hilo argumental de sus últimas acciones, centrando su posicionamiento en contra de las políticas agrarias macroeconómícas y la biopiratería alimentaria.

La muestra se completa con una intervención específica, empleando granos y cereales, que hace referencia a la dependencia energética del sector primario, debido a la explotación de los recursos naturales de forma industrializada, intensiva y dependiente del petróleo.  Los granos y cereales empleados para realizar esta intervención efímera en la galería, serán donados al final de la exposición, para su uso como alimento de animales o su uso como compost.

El trabajo de Luna Bengoechea se ha centrado en descubrir, con una poética limpia y acabados elegantes, ciertos aspectos relacionados con la sociedad del riesgo: la contemporánea y libre circulación de los venenos en la alimentación (…). PSJM, 2018

 

Ver catálogo

(Imágenes y catálogo cortesía de la galería Lucia Mendoza)

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Ubay Murillo

 

ubay murillo. galeria rafael ortiz

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