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Entrega número 42

Fernando Martín Godoy
Caja IV
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Ars Citerior

 Papers i collages per a Joan Valls

 

Lugar: Llotja de Sant Jordi, Alcoi

Fechas: Del 6 de abril hasta el 28 de mayo de 2017

Inauguración: jueves 6 de abril a las 20h.

Comisario: Javier Martín


papers i collages per a Joan Valls

 

ALBANO  - Aina ALBO - Andreu ALFARO - Elena ALONSO -  Josep ANZO - Elena ASINS - Marlon de AZAMBUJA -  Waldo BALART - Nestor BASTERETXEA - Arcadi BLASCO - Manuel BOIX - Enrique BRINKMANN - José Manuel BROTO - Monika BUCH - Víctor CÁMARA - Rafael CANOGAR - Carlos CARTAXO - Julián CASADO - DIS BERLIN - EQUIP REALITAT - EQUIP CRÓNICA  - Eutiquio ESTIRADO - Francisco FARRERAS  - Robert FERRER i MARTORELL - Tomás GARCÍA ASENSIO - Pep GARRO - Joan GENOVES - José Luis GÓMEZ PERALES - Josep GRAU-GARRIGA - José GUERRERO - Josep GUINOVART - Joan HERNÁNDEZ PIJUAN - José LEGUEY - Guillermo LLEDÓ - Antonio LORENZO - Rafa MACARRÓN - Aurèlia MASSANET - Tomás MENDOZA - Antoni MIRÓ - Joan MIRÓ  - Pedro MUIÑO - Juan OLIVARES - José Miguel PEREÑIGUEZ - Guillermo PÉREZ VILLALTA - Águeda de la PISA - Jaume ROCAMORA - Gerardo RUEDA - Manuel SALINAS - Maya SARAVIA - Josep SOU - Antoni TÀPIES - Joan Josep THARRATS - Lidia TOGA - Gustavo TORNER - Ramón URBÁN - José VENTO - Daniel VERBIS - Salvador VICTORIA - José María YTURRALDE - Fernando ZÓBEL.

 

 

Salvador Victoria. Papers i collages. per a joan valls coleccion Ars Citerior

Salvador Victoria
S.T. Gouache sobre papel, 1961


Waldo-Balart. Papers i collages per a joan valls. coleccion ars citerior comunidad valenciana

Waldo Balart. Desarrollo cromático de CEL: 1,3,4,6,7
Acrílico sobre cartulina. 1989



" Sols hem après la dura noció de saber l'escassesa del bé propi"

(Solo hemos aprendido la dura noción de saber
la escasez del bien propio)

Joan Valls

 

Papeles y Collages


Cuando hablamos de obra sobre papel, la primera imagen que nos suele venir a la mente es la de un dibujo, porque esta manifestación artística ha sido desde hace siglos una de las maneras más utilizadas por el hombre. En el Renacimiento los dibujos sobre papel no se llegaban a considerar como obra, sino como un ejercicio de mano o como un boceto para posteriormente materializar la idea en una gran obra sobre un soporte más “noble”. De este modo la obra sobre papel carecía de un fin en sí mismo y en muchos casos acababa siendo destruida.

Poco a poco la obra sobre papel fue ganando mayor relevancia, pues las nuevas técnicas de pintura utilizadas fueron conviviendo dentro de la misma pieza y se iban complementando, dando nuevas posibilidades pictóricas y una nueva relevancia y proyección a la composición creada sobre el papel.

Con la llegada del siglo XX y ciñéndonos a nuestro país, los pintores españoles llegaron a realizar gran cantidad de obra sobre papel, unos por la importancia que le conceden al dibujo (Luis Fernández, Salvador Dalí, Maruja Mallo), otros debido a la simple escasez de medios, como fue el caso de Julio González, quien utilizó dicho soporte para dibujar con grafito numerosos retratos de campesinas o de su compañera Marie Therese.

De la mano de Eusebio Sempere y Abel Martín llegó a España, a finales de la década de los cincuenta del siglo pasado, el método serigráfico. La obra seriada sobre papel interesó a muchos pintores y ayudó a difundir el arte contemporáneo en nuestra sociedad. La serigrafía fue el principio de muchas de las colecciones, que luego derivaron hacia la pieza única. Como dijo Fernando Zóbel, ”Una colección puede comenzar con un  grabado de Durero, y con el tiempo ir adquiriendo algún dibujo y así sucesivamente. Se trata de un proceso de aprendizaje”.

Sempere y Martín aprendieron la técnica serigráfica en los talleres del artista Wilfredo Arcay, en el París de los años cincuenta. El estampador cubano innovó la divulgación del arte con esta técnica, de origen americano y desconocida en Europa. Para Arcay, la serigrafía no era una reproducción de obra “sino una forma de reinventar junto al artista una obra en estampa que permita cambiar tamaño, color o soporte”. Durante el aprendizaje de esta técnica, Abel Martín ya realizó obras para artistas de la talla de Mortensen, Herbin, Vasarely o el arquitecto francés André Bloc.

En 1958, tras su vuelta definitiva a España, Martín y Sempere realizaron para Lucio Muñoz uno de los primeros trabajos serigráficos. A partir de ese momento y en los años siguientes comenzaron a producir estampaciones para la mayoría de los artistas de la época, muchos de ellos relacionados con el mundo artístico de la ciudad conquense: José Guerrero, Antonio Lorenzo, Manolo Millares, Manuel H. Mompó, Gerardo Rueda, Antonio Saura, Gustavo Torner o Fernando Zóbel. Abel Martín estampó las primeras ediciones para el Museo de Arte Abstracto Español de Cuenca por encargo de Zóbel: la primera fue de César Manrique fechada en 1963, aunque se realizó la serigrafía a principios de 1964.

Ha habido momentos puntuales donde la obra sobre papel, no fue una elección, sino una imposición debido al método utilizado. Hablo de finales de los sesenta en los Seminarios del Centro de Cálculo de la Complutense de Madrid (1968-1970). Los pintores que se acercaron a aquellas primeras computadoras (Manuel Barbadillo, Tomás García Asensio, Gerardo Delgado, José Luis Gómez Perales, Abel Martín, Manolo Quejido,  Eusebio Sempere, Soledad Sevilla, o José María Yturralde entre otros) realizaron sus obras modulares sobre papel plotter, y en algunos casos el resultado obtenido lo pasaron a serigrafías o  litografías.

Con la entrada del siglo XXI, el uso y valoración del papel ha tenido un gran resurgimiento entre los artistas, debido a factores como la facilidad en el manejo y el transporte del mismo, su bajo coste económico y el auge que el dibujo ha tenido en las generaciones más jóvenes como expresión artística en sí misma. En palabras del pintor de Guillermo Pérez Villalta en su libro “Melancólico Rococó”: “El dibujo está hoy en una nueva fase dorada. Parece que la ortodoxia moderna lo salva, quizás porque no es pintura y, si se hace sobre la pared o sobre un papel roto, parece menos clásico. Pero lo que sigue atrayendo del dibujo es esa fragilidad, esa casi nada, esa cosa directa del cerebro a la obra.”

Para hablar del collage tenemos que remontarnos a 1910 cuando Braque introdujo arena y serrín en sus cuadros cubistas, lo que dio lugar al antecesor del papier collé, que vería su primera luz el 13 de septiembre de 1912, cuando encontró en una droguería de Aviñón algunos papeles pintados imitando la madera. Al llegar a casa, en la localidad rosellonesa de Céret, cortó tres trozos de ese papel, los pegó sobre un papel Ingres, dibujó con carboncillo unos trazos que unían los pedazos y escribió las palabras BAR y ALE. A la obra la tituló Frutero y vaso. En octubre, Picasso realizó su escultura Guitarra utilizando recortes de cartón. Pero el primer cuadro considerado un collage, curiosamente fechado en mayo de 1912, es Bodegón con trenzado de silla. En el mismo, Picasso incorporó a uno de sus bodegones un hule de los utilizados como mantel de bar, con la peculiaridad de que el estampado de este hule es diseño de asiento de rejilla. Con esta acción revolucionaria para el arte, no solo hay que destacar la incorporación de un elemento no pictórico a la obra, sino también la incorporación de un objeto fabricado en serie (el hule) a un objeto artesanal hecho a mano (el cuadro).

Como defensor de la obra realizada sobre papel, he querido que la exposición “Papers i collages per a Joan Valls” sirva para acercar la frescura de las obras con este soporte. Por cronología los artistas seleccionados van desde Antonio Lorenzo (Madrid, 1922-2009) a Albano (Ávila, 1988), con piezas de diferentes tendencias plásticas y con distintas técnicas, que abarcan desde el grafito hasta el acrílico, pasando por el gouache o las ceras, pero siempre  utilizando el papel como soporte o con la técnica de collage. Una vez más deseamos aumentar el interés por este soporte y esta técnica y anhelamos desterrar para siempre la frase vigente durante muchos años escrita por  Fernando Zóbel, cuando allá por los años setenta habló del “El amable desprestigio del papel” en España.

 

                                                                                              Javier Martín

 

Julian Casado. Papers i collages. coleccion Ars Citerior 

Julián Casado
Conjunción alquímica
. 1971.
Gouache sobre papel



José María Yturrralde. Papers i collages per a joan Vallls

José María Yturralde
Figura imposible. 1973
Tinta china, acrílcio, rotulador de color sobre papel isométrico

 

 

 Imágenes gentileza Marie Claire Decay,  Waldo Balart, Elia Fernández y José María Yturralde

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LAK Laboratorio de Akcion

 LAK  Laboratorio de Akcion  es un proyecto que nace desde ABIERTO DE ACCIÓN para poner en valor la importancia de los talleres o laboratorios y de profundizar más en las figuras más relevantes del arte conceptual, del arte de acción, o del arte más transversal que se realiza en nuestro país. Reflexión, investigación y acción son las bases sobre las que se cimenta este laboratorio transversal, propiciando un espacio libre donde explorar con pensamiento crítico nuestro entorno más cotidiano.

El encuentro será dirigido por Dómix Garrido (investigador, docente y artista de acción) y Diana Guijarro (crítica y comisaria independiente) y contará con invitados como Dolores Galindo, Javi Moreno, Vero McClain y José Luis Martínez Meseguer.

Para el desarrollo de este primer  L A K  contamos con la presencia del artista Isidoro Valcárcel Medina (Premio Nacional de Artes Plásticas 2007 y Premio Velázquez de Artes Plásticas 2015).

  • dos semanas de trabajo teórico-práctico que se desarrollan en dinamismos de diversa naturaleza: proyección de documental, conferencia, mesas redonda, de reflexión y práctica.
  • en el MACA Museo de Arte Contemporáneo de Alicante y Las Cigarreras Cultura Contemporánea (Alicante, España).
  • del 23 de marzo a 1 de abril del 2017.
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 Jueves 23 marzo: Proyección del Documental No escribiré arte con mayúscula
 Viernes 24 marzo: Intervención-Conferencia de Isidoro Valcárcel Medina. 

 Jueves 30 marzoMesa abierta. Debate con: Dolores Galindo, Javi Moreno, Vero McClain y José Luis Martínez Meseguer. 

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Abstracción andaluza 1957-1982

La inauguración de la exposición Abstracción andaluza 1957-1982, que tendrá lugar en el Centro Federico García Lorca, Granada, el 16 de marzo de 2017 a las ocho de la tarde.

Comisariada por Hernando Pérez Díaz y Carmen Aranguren.

Exposición compuesta por 68 obras de los autores: José Guerrero, Manuel Rivera, Manuel Ángeles Ortiz, Luis Gordillo, Manuel Barbadillo, Tomás García Asensio, Pedro García Ramos, Pepa Caballero, Cristóbal Povedano, Miguel Rodríguez-Acosta, Francisco Peinado, Ignacio Tovar, Julio Juste, Pablo Sycet, Valentín Albardíaz, José Caballero y Juan Manuel Brazam, entre otros.

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¨Monica Buch,  tras la búsqueda del movimiento¨

¨La Única Valenciana en  HfG Ulm¨


Galería Punto, Valencia

 Del 7 de abril al 21 de mayo de 2017.

 

monika Buch

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Guillermo Lledó. Materia de silencio

 

Guillermo Lledó (Madrid, 1946) inaugura el próximo 25 de marzo de 2017  la exposición Guillermo Lledó. Materia de silencio en el Museo Salvador Victoria, en Rubielos de Mora. Se podrá visitar hasta el 25 de junio.

 

Expone Guillermo Lledó. Materia de silencio. Museo Salvador Victoria 

 

GUILLERMO LLEDÓ. METONIMIA DE LA CIUDAD.

La metonimia ó trasnominación, (del griego μετωνυμία, μετ-ονομαζειν 'nombrar allende', "dar o poner un nuevo nombre") es un tropo o fenómeno de cambio semántico por el cual se designa una cosa o idea con el nombre de otra, sirviéndose de alguna relación semántica existente entre ambas. Son frecuentes las relaciones semánticas del tipo causa-efecto, de sucesión o de tiempo o de todo-parte. Se sustituye un término por otro, según la relación de causa-efecto, autor-obra o contigüidad.

La metonimia, en literatura, se refiere a la práctica de no utilizar la palabra formal de un objeto/sujeto y en lugar referirse a ello mediante el uso de otra palabra que está íntimamente ligada al nombre formal/palabra. Es la práctica de sustituir la palabra principal con una palabra que está estrechamente vinculada a ella.

Desde la publicación de George Lakoff de Metaphors We Live By (1980) (en su versión castellana Metáforas de la vida cotidiana, 2001) la corriente intelectual conocida como lingüística cognitiva ha retomado el estudio de la metonimia como fenómeno conceptual que junto con la metáfora conceptual constituye un mecanismo básico de organización lingüística básico a nivel tanto sincrónico como diacrónico. La metonimia no es, sin embargo, un fenómeno exclusivo de la organización lingüística sino que es reconocida por las ciencias cognitivas como una operación cognitiva general fundamental en procesos cognitivos básicos como la percepción, la atención y la memoria.

Volviendo a la índole semiótica de la metonimia, las principales modalidades de metonimia se dan según la relación de los términos en juego: de continente a contenido; de materia a objeto; de lugar de procedencia; de lo abstracto a lo concreto y del signo a la cosa significada o viceversa.

La metalepsis (del griego μετάληψις, 'participación') es un tropo del conjunto de las metonimias en el cual se nombra o toma al antecedente por el consecuente o viceversa. Usando una terminología típica de la semiótica, puede decirse que la metonimia es el desplazamiento de algún significado, desde un significante hacia otro significante, que le es en algo próximo. En el mundo de la retórica audiovisual, también es entendida como la ruptura de la lógica o el salto brusco de un nivel narrativo a otro.

La ciudad tiene dos posibles acepciones. Por un lado la latina, romana de civilitas, civilización -en esto sigo a Henry Pirenne- y por otro la semítica, del árabe مدينة madīna medina’, literalmente lugar de la religión (ma lugar y dīn religión), -en esto sigo al filólogo semítico que hay en mí-.

Que Guillermo Lledó ha optado por representar la primera, no cabe duda. Si en una primera etapa de su quehacer -mediados de los setenta, hasta el ochenta y uno- se servía de una pintura hiperrealista que nos mostraba la ciudad en sus múltiples peripecias; de un tiempo a esta parte, se sirve de la escultura, de algunos de sus elementos de la ciudad, aislados, para hablarnos igualmente de la misma. Sus tapas, sus marquesinas, sus vallas, sus pantallas o cubiertas traslúcidas, sus contenedores, sus señales, sus palés, sus cabinas, sus tragaluces, nos están hablando de la ciudad sin nombrarla. Nos habla de un mobiliario urbano, de una suerte de lo que en un futuro devendrá en una arqueología industrial, que nos definirá en nuestra cotidianeidad a través de unos sucintos elementos de lo urbano.

Estas representaciones, estas obras, las emparejo con el artista Dan Graham. A ambos les preocupa la percepción del público; el uso del espejo o del reflejo, como elemento arquitectónico; la arquitectura; el humor, sentido importante en el arte contemporáneo y más perteneciendo al conceptual, asociado a la seriedad; las periferias, la fascinación por el espacio urbanizable, los suburbios, las aglomeraciones urbanas, no en el sentido alienante del mismo. Veo muchas concomitancias en sus trabajos y planteamientos.

Elemento muy significativo en su obra es el silencio. El silencio como respeto, como forma exterior de la búsqueda interior. El silencio como capacidad de aislamiento, de intensidad, de profundidad. El ruido lo entendemos como ruptura, como una irrupción. En su caso el silencio remarca, detalla, incide. Nos hace fijarnos. Es, en realidad, una agudización de la mirada, de la memoria, una nueva mirada. En realidad es su proceso. Destaca un elemento, que aísla y nos muestra individualmente, para hablarnos de otras cosas. Sus piezas que acarrean una gran cantidad de bocetos, planos y croquis: nos recuerdan más bien a un ingeniero, a un arquitecto, a un arqueólogo del futuro. Son silencio en sí mismas, respeto al elemento, respeto a la parte, respeto al todo.

Silencio que, en su manifestación más radical, le lleva a esos monocromos, a esos papeles de un solo color, característicos también de sus últimas producciones. A lo esencial.

Aislar. Remarcar. Incidir. Al igual que Marcel Proust, piensa que todo está dicho, pero como nadie escucha hay que volver a repetir.

Lledó ha provocado una iconoclastia, una alteración de las funciones, una apertura polisémica, unos nuevos significados de la apropiación de lo cotidiano, de esas formas reconocibles de carácter utilitario o arquitectónico, de esa abstracción de las formas de la ciudad. Del espacio, de la experiencia. Esto nos requiere una agudización de la mirada. Y es que -como apunta el lema de Antoni Muntadas-, «La percepción requiere participación».

© José Luis Martínez Meseguer, marzo de 2016.

 

Guillermo Lledó. Materia de silencio. Museo Salvador Victoria

Tapa-2

 

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Torres-García / Hernández Pijuan. Emblems of the Origin

ARTISTS IN THE ARMORY SHOW 2017

Torres-García / Hernández Pijuan 
Emblems of the Origin 

 

"The elemental outline of a house, the trace of a flower in memory, the schematic profile of a tree, the trail of a horizon... in Hernández Pijuan these become rhythms that articulate a fertile dialogue in constant renewal [...] a world close to the root, the origin. Where emotional tremulousness and intuitive registering of the gaze are the keys that translate reality, as [...] in the Constructive Universalism of Torres-García, into an inventory of graphic signs. By means of simple and elementary emblems of the origin."

 

Antón Patiño, “Latido germinal de Joan Hernández Pijuan”, 2001
 
Torres García - Hernández Pijuan
 
Imagen gentileza familia Hernández Maluquer

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Jaume Faixó. Estructuracions


Jaume Faixó


Galería Jecsalis, Sant Feliu de Guixols.

Del  11 de marzo al  29 de abril.



Imágenes gentileza galería Jecsalis


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Jordi Teixidor participa en el  "Ciclo 40 pinturas en busca de voz"

Ciclo 40 pinturas en busca de voz
Centro José Guerrero / 20.03.2017 - 19:30h

Las obras de la colección contadas por sus observadores
15/40
Saliente, 1974
JORDI TEIXIDOR

Jordi Teixidor (Valencia, 1941) particpará en el ciclo de conferencias dedicados a una obra de José Guerrero. La charla girará entorno al lienzo de 1974 "Saliente".


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Luis LUGAN. Premio ARCOmadrid BEEP de Arte Electrónico

El Premio ARCOmadrid BEEP de Arte Electrónico, en su duodécima edición, ha recaído en dos piezas del artista Luis Lugán presentadas en el stand de la Galería José de la Mano.

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Claro Vuelo de la Memoria

José María Muñóz Quiros y Albano presentan el próximo miercoles 1  de marzo el libro "Claro vuelo de la memoria".

Biblioteca pública de Ávila, miercoles 1 de marzo a las 20h.

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Premio a Gustavo Torner

La Asociación Española de Críticos de Arte (AECA) con motivo de la  Feria Internacional de Arte contemporáneo ARCO ha otorgado a Gustavo Torner (Cuenca, 1925) el premio al mejor artista español vivo  por la obra expuesta en la galería Fernández-Braso

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